INNOCENT WHEN YOU DREAM

Sigue soñando en el 2010. Feliz año nuevo a todos.

DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS

Y Hulk en concreto

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Más: 24 dibujantes inspirados por WHERE THE WILD THINGS ARE (visto también en Fluzorama). Abajo, dibujo de Shintaro Kago y página de Sammy Harkham

PREGUNTA

¿Qué tienen en común el dibujo de arriba y la página de aquí abajo?

Pues sencillamente que ambos los firma la misma persona, Felipe Almendros. El dibujo de arriba del todo cerraba como dedicatoria su PONY BOY, un tebeo que publicó Glénat en 2006 y que pasó ampliamente desapercibido, y la página con viñetas procede de su reciente SAVE OUR SOULS (Apa-Apa, 2009), que espero no corra la misma suerte porque tampoco se lo merece. Autoeditado en 2008 con una tirada limitada de ¡cien! copias numeradas (el autor no consiguió entonces editorial, así que pasó a publicarlo en una edición tan minúscula que convertía al tebeo más bien en un fanzine/objeto artístico), Apa-Apa ha tenido el ojo, y el buen gusto, de rescatar el tebeo y publicarlo de nuevo hace un par de meses.

En 2006 escribía Pepe Gálvez en el prólogo de PONY BOY lo siguiente: "Viene esto a cuento de destacar la obstinación con la que nuestro autor se ha enfrentado a la travesía en el desierto, con sus espejimos incluidos en este caso, que significa para un autor novel intentar publicar hoy en nuestro mercado. (...) He de decir que no recuerdo en nuestra historieta un tratamiento tan próximo y a la vez tan veraz de la adolescencia. Hay cariño y valentía en el acercamiento a esos chavales y chavalas, un posicionamiento que no se pierde en los ensimismamientos usuales, en las nebulosas superficialidades más acostumbradas. No, las secuencias describen momentos íntimos y relaciones de los personajes con cierta austeridad, pero transmitiendo grandes dosis de información sobre ellos". El propio Felipe Almendros, por su parte, describe sucintamente a su PONY BOY como "una mierda" en una de las viñetas de SAVE OUR SOULS. Creo que exageraba de largo, pero lo que sí puedo decir sobre SAVE OUR SOULS es que definitivamente no es una mierda, y que, parafraseando a Pepe Gálvez, no recuerdo en el cómic español un tratamiento similar de lo autobiográfico. El tebeo me ha gustado, me ha gustado mucho, y demuestra que afortunadamente hay una nueva generación ahí fuera en el cómic español. Lo de fuera es literal, al menos de momento, porque está claro que Almendros es un marginal respecto al mundillo comiquero español, alguien que no "pertenece" a él y que se mueve en sus márgenes. Da igual. El viaje que cuenta en esta memoria autobiográfica en viñetas transcurre en Colima, México, un viaje realizado junto a su madre para visitar a su hermana, a punto de tener un bebé. Almendros no corre ninguna aventura especial en su viaje ni es testigo de ningún suceso extraordinario, por otra parte lo habitual en la mayoría de viajes que hacemos, y sin embargo todo lo que nos cuenta es tan interesante (su forma de matar el tiempo, sus contactos con los paisanos locales, sus escarceos sexuales mientras su novia le esperaba en Barcelona) que no puedes dejar de leer hasta acabar las muchas páginas del libro (calculo que unas doscientas, porque no vienen numeradas).

Felipe, rebautizado en su viaje (o en su tebeo) como Felipollas, se retrata como un tipo algo enfermizo, pasivo y apático, pero lo que más me ha llamado la atención en SAVE OUR SOULS es: 1), que el viaje está contado a un personaje interpuesto, un amigo con el que está chateando pero al que dibuja constantemente en las viñetas del viaje como una especie de enano que lleva a cuestas. El amigo no está en México físicamente, está en la reconstrucción que Felipe le hace acudiendo a su memoria, lo cual nos recuerda en sentido inverso la fabulación que implica toda memoria. A saber qué sucedió realmente y qué ha sido distorsionado por los recuerdos de Felipe, o por sus necesidades narrativas. Lo que está claro es que Felipe, Felipollas en el tebeo, no pretende ponerse bien puesto ni retratarse de forma heroica, una inclinación frecuente en los cómics autobiográficos que por cierto a Crumb le irritaba mucho (Crumb citaba como ejemplos los tebeos autobiográficos de Will Eisner o de Trina Robbins, en concreto la forma de retratarse ambos como si fueran una especie de personaje tipo Cándido). Felipollas en cambio cuenta cosas que en la mayoría de tebeos autobiográficos no se cuentan, sobre sí mismo y sobre los demás, y con una "honestidad brutal" rara de ver.
2), que en algunas viñetas, todas del mismo tamaño y en el mismo número en todas las páginas, ocho por cada, no hay una sola imagen, como se dibuja en los cómics de toda la vida, sino varias imágenes (ver ejemplo abajo). Y el recurso, tan fuera de la tradición del cómic, funciona sorprendentemente bien. 3), que el dibujo, intencionadamente "primitivo", está lleno de recursos no aparentes pero muy efectivos (cuerpos incompletos, rostros flotantes, borrones ocasionales, fondos que vienen y van, vacíos en la página), un dibujo que opera como una técnica de extrañamiento respecto a la historia. Leyendo SAVE OUR SOULS, uno tiene la sensación de estar asistiendo más a un documental sobre rituales animales que a una historia humana y personal.



Más sobre SAVE OUR SOULS en las reseñas de Santiago García en Mandorla y Álvaro Pons en La cárcel de papel

TALLERES DE MANGA GRATUITOS

En enero de 2010. Organizan FNAC Illa Diagonal de Barcelona (se celebrarán en su Forum), Escuela JOSO y Planeta DeAgostini Cómics. Más información

MORTALES

"Te contaré un secreto, algo que no te enseñan en tu templo.
Los dioses nos envidian. Nos envidian porque somos mortales. Porque cualquier momento puede ser el último. Todo es más hermoso porque estamos condenados a morir. Nunca serás más hermosa de lo que eres ahora. Nunca volveremos a estar aquí".

Lo escuchaba ayer en la boca de Aquiles en la reciente versión libre para el cine de LA ILÍADA, la película de Wolfgang Petersen TROYA (2004, guión de David Benioff sobre el poema de Homero) que pasaron anoche por la tele. Y copio la cita también a cuento del nuevo número de El Estafador, que esta semana es un ESPECIAL MUERTE

MÁS ILUSTRES

"3 cómics memorables:
'Hytone Comics' de Robert Crumb, el primer cómic que me compré
'Eightball' de Daniel Clowes (cualquier número)
'Binky Brown Meets the Holy Virgin Mary' (El primer comic autobiográfico).

El último libro que ha leído
Una serie de entrevistas a baterías de los rock de los años 60 (¡me he olvidado del título!).

3 discos indispensables
‘Revolver’ de los Beatles
‘Pet Sounds’ de los Beach Boys
‘Evolution’ de los Hollies

¿Cúal es su personaje de ficción preferido?
Realmente no tengo ningungo pero si tengo que escoger me quedo con Charlie Brown

(...) ¿Que o quién le resulta insoportable hasta límites insospechados?
El Tribalismo, la mentalidad del 'nosotros contra ellos', esas situaciones en la que uno se ve obligado a escoger un bando".

Peter Bagge, en la sección ILUSTRES de 13 Millones de Naves, sigue

DERECHOS ELECTRÓNICOS

"El libro digital obligará a repensar los fundamentos del negocio, también en el cómic.

Que los defensores del libro de papel estemos convencidos de que no es posible conseguir sus mismos efectos con el formato electrónico no significa que el libro digital no sea una realidad mucho más próxima de lo que queremos admitir. La digitalización del mundo editorial viene de muy lejos, y a través de internet todos empleamos libros digitales (en PDF, por ejemplo) desde hace años. Que nosotros no acabemos de sintonizar con la idea de leer en un e-book, en un iPod o en el móvil no significa que la lectura en pantalla no gane adeptos cada minuto: para muchos chavales ya es tan normal, actualmente, leer en un aparato como en papel".

Henrique Torreiro, en su blog, Bedétcétera, sigue

LAS OLAS

Qué debería hacer con vosotras, olas,
vosotras, que nunca podéis decidir si sois la primera o la última
creéis que podéis definir la costa con vuestro constante moler,
esculpirla con vuestro ir y venir.

Pero todavía nadie sabe cuán larga es la costa en realidad
dónde termina la tierra, dónde comienza la tierra
pues constantemente estáis cambiando la línea, la longitud, la posición con la luna,
impredeciblemente.

La única constante es vuestra inconsistencia
victoriosa finalmente ya que, como tantas veces se ha evocado,
eso desgasta las piedras
y muele la arena tan fina como es necesaria para los relojes de arena y los temporizadores para huevos
para medir el tiempo, para marcar la diferencia entre duro y blando
Victoriosas también porque nunca os cansáis
En el torneo de quién de nosotros será el primero en caer dormido
ganáis vosotras
porque, siendo también el mar, nunca duermes
aunque seas incoloro, pareces azul
cuando sobre tu superficie en calma se refleja el cielo
el recorrido ideal para que camine el hijo del carpintero
el elemento más variable
E inversamente, cuando eres salvaje, y tu oleaje fuerte y atronador,
entre las cimas de tus olas, escucho

Y desde las olas más altas, desde la espuma rompiente
miles de voces resuenan
la mía, las de ayer que no conocía, y que susurraban
y todas las otras también,
y en medio de ellas el Nazareno,
una y otra vez con aquellas famosas cinco palabras finales:

¿Por qué me has abandonado?

Y yo tengo las mías, gritadas a todas y cada una de las olas:
¿Te vas a quedar?
¿Te vas a quedar?
¿Te vas a quedar?
¿Te vas a quedar?

¿O qué?





Las mejores cosas suelen pasar por sorpresa (y a veces las peores también). El año pasado me enteré de que tocaban por aquí Einstürzende Neubauten justo el día antes del concierto. Intuí que podría estar muy bien así que saqué la entrada sin pensármelo mucho y, además, nunca los había visto en directo. No sólo no me arrepentí, es que fue el mejor concierto al que había asistido desde al menos 2004, cuando tuve la oportunidad de ver a Shellac devastando el escenario (Fuengirola, AV Festival), y continuaría siendo el mejor hasta que muy poco después vi a Animal Collective tocando su MERRIWEATHER POST PAVILION antes de publicar el disco y por tanto antes de que nadie en el teatro conociera las canciones.

Einstürzende Neubauten: recuerdo aún como me quedé hipnotizado por el carisma de Blixa Bargeld en directo y sus monólogos entre canción y canción, la potencia y textura del sonido (esos instrumentos locos que tocan, customizados o fabricados por ellos mismos), la fuerza de las canciones (presentaron su álbum reciente por entonces, ALLES WIEDER OFFEN, que yo ni siquiera había oído antes del concierto aunque no me hizo falta para disfrutarlo; luego comprobé que las canciones sonaban aún mejor en directo que en el disco), y sobre todo y ante todo, recuerdo las tablas sobre el escenario de unos músicos-músicos ya veteranos, con ya casi 30 años en activo (la fundaron en 1980) y aún unos chavales. Y con una evolución sorprendente en su música, desde aquel trueno industrial de los ochenta a esta potencia con control que se gastan hoy día. Los berlineses abrieron aquel concierto memorable con las dos primeras canciones de ALLES WIEDER OFFEN, las que he colgado allá arriba: DIE WELLEN (las olas) y NAGORNY KARABACH. El cuadro de Friedrich ha sido una asociación.

MARTÍ

Si el otro día hablábamos brevemente de Martí, en Música y Cómic puede leerse una semblanza ilustrada sobre el autor.

LA IMPORTANCIA DE LA CRÍTICA (SOBRE CÓMICS)

La reseña de Harold Bloom sobre el GÉNESIS de Crumb que he traducido parcialmente más abajo me ha parecido muy significativa por varias razones. Hace unos años, durante un Salón del Cómic de Barcelona, participé en una mesa redonda sobre la crítica de cómic en la que alguno de los participantes venía a decir que la crítica no es realmente relevante ni tiene una influencia real entre los lectores. Algunos de los participantes en la mesa, entre ellos yo, opinábamos lo contrario, y por supuesto sigo opinando lo mismo. Las razones: el crítico, el teórico, el historiador en su caso, es quien relata al mundo el devenir del medio sobre el que escribe (artes plásticas, literatura, cine, música, cómic, el que sea). Son ellos quienes seleccionan el grano de la paja -siempre por supuesto con arreglo a su criterio, por eso puede haber tantos relatos como teóricos e historiadores- y explican al mundo no especializado qué obras son importantes, qué obras merecen ser conocidas y disfrutadas con preferencia a otras, y argumenta los porqués de todo ello, o al menos debería argumentarlos. No sólo eso, es que el público no especializado busca y necesita guías para no perderse en ese mundo especializado (para eso leen suplementos y revistas culturales, igual que leen libros de historia para conocerla, o libros sobre directores de cine o pintores). El sábado pasado teníamos un ejemplo habitual por estas fechas: el Babelia de El País publicaba su lista de mejores libros del año, y otro tanto están haciendo en estos días otros suplementos culturales de la prensa, nacional e internacional. Cualquier librero te podrá contar que el impacto real que tiene esa lista del Babelia (elaborada por críticos) se mide en ventas contantes y sonantes.

Recuerdo también que en aquella mesa redonda del Saló de Barcelona puse de ejemplo precisamente a Harold Bloom como crítico con un impacto evidente en el entendimiento actual de la literatura, y en particular en la literatura inglesa (no olvidemos que el medio literario se inserta en un sistema por lenguas, pues obviamente la forma literaria se basa exclusivamente en el lenguaje, no hay imágenes como en el cómic, y esa forma pura es la escritura en la lengua en que originalmente se escribe, no en sus traducciones extranjeras). Pues bien, resulta que ahora había que reseñar el GÉNESIS de Crumb en el New York Review of Books y la reseña le toca hacerla a Bloom, experto en estudios sobre la Biblia ente muchas otras cosas. Y resulta que el ilustre y erudito Harold Bloom tiene que reseñar un cómic y no sabe bien qué decir. Por supuesto, su vasta cultura y sus décadas escribiendo artículos y reseñas le permiten analizar algunos aspectos con perspicacia y decir cosas con interés (nada más lejos de mi intención cuestionar a Bloom en general), pero al final su texto es una faena de repertorio, por usar terminología taurina, donde acude mecánicamente a sus temas y giros favoritos en vez de hablar en particular del tebeo que había venido a reseñar. Por supuesto: Bloom es un crítico LITERARIO y es evidente que no sabe cómo abordar la reseña de un CÓMIC, un medio en el que se maneja un lenguaje VISUAL que integra palabras e imágenes. En su reseña, Bloom reconoce de buen principio su ignorancia sobre Crumb -imaginémosle diciendo lo mismo en una reseña del nuevo libro de Philip Roth o de Martin Amis, ¿imposible, verdad?-, luego lanza en plan fuego graneado un puñado de referencias que no siempre tienen que ver con Crumb sino más bien con los gustos del propio Bloom (de entre todas las que cita, las que más se acercan a las auténticas influencias y referencias de Crumb es la revista MAD y, mucho más atrás, las caricaturas de Gillray), cita a Miguel Ángel y Tintoretto porque sí, porque pintaron escenas bíblicas (en realidad Crumb detesta la escuela de Miguel Ángel), se refiere a un enfoque de "realismo" respecto a las mujeres de Crumb (!!) y remata la faena aludiendo un par de veces a que esas mujeres de Crumb le parecen horribles, una observación "estética" absurda digna de un blogero aficionado hablando de sus manías (cambiemos a Crumb por otro dibujante: "Qué feas son las mujeres que dibuja Frank Quitely", ¿os suena, verdad?). Y, como en general a Bloom tampoco le gusta demasiado este Génesis, se pone finalmente a hablar de sus autores fetiche: de Shakespeare, de su fascinación por William Blake (en realidad las auténticas influencias de Crumb procedentes del arte oficial están en El Bosco, el Viejo Brueghel y Hogarth) y del JOSÉ Y SUS HERMANOS de su adorado Thomas Mann, versión libre de los últimos capítulos del Génesis sobre la que Bloom insiste un par de veces en su reseña.

En fin, a donde quiero llegar con todo esto es a destacar no sólo la importancia general de la teoría y la crítica para respaldar, divulgar y relatar un medio entre el público no especializado, sino a la importancia específica de la crítica sobre cómics puesto que se trata de hablar de, eso mismo, cómics. Me consta porque lo he oído de otros, o vivido directamente, que en algunos medios generales había un interés por publicar reseñas y artículos sobre cómic desde hace años pero no tenían a nadie que pudiera hacerlo, y realmente no empezaron a dedicarles espacio hasta que no consiguieron a colaboradores que supieran de cómics y, a ser posible, de cómo escribir sobre cómics. Cosa que Bloom, crítico literario, evidentemente no sabe. Nueva prueba de que todavía tampoco se sabe a ciencia cierta dónde colocar al cómic en las estanterías, las reales y las figuradas de la cultura oficial: las novelas gráficas, como ésta de Crumb, son libros, tienen aspecto de libro y se leen, como los libros. Pero no son iguales que los libros de literatura porque son cómics. Su lenguaje no es literario, es una original combinación de palabras e imágenes, un lenguaje visual donde el texto es dibujo y el dibujo texto, todo a la vez, y ese lenguaje específico demanda por tanto un conocimiento específico. Y es en ese terreno específico donde un crítico literario, por mucha cultura que tenga, puede perderse sin llegar a ninguna parte. Es normal por otra parte. Los que nos hemos especializado en los cómics, los que nos gusta leerlos, hacerlos o escribir sobre ellos, aún estamos dando palos de ciego para aprender a escribir decentemente sobre tebeos.

LOS MEJORES LIBROS DEL AÑO

Según el Babelia de El País, que publicaba ayer su lista con los 40 mejores libros de 2009, elaborada con las votaciones de 50 críticos y periodistas del periódico, que votaron una lista ordenada de diez títulos cada uno. Y aunque en la lista final no se haya colado ningún cómic, entre las votaciones de cada uno de los críticos y periodistas del Babelia sí aparece un cómic, el mismo, concretamente en los votos de Nuria Barrios (ocupa el puesto 9) y de Carles Geli (puesto 1). Me refiero a éste de aquí abajo.


(Entre los libros votados por Vicente Molina Foix no hay ningún cómic, no)

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ACTUALIZACIÓN 28/12/09

Quim Pérez se ha leído el pdf de El País con menos rapidez que yo y me envía por mail algunas correcciones (muchas gracias): que Guillermo Altares también votaba a EPILÉPTICO, en el puesto 8, luego lo votaron en total tres personas. Que el pdf con las puntuaciones no resulta demasiado claro pero que de la información derivada Quim entiende que el número que aparece se debe a las puntuaciones y no al lugar que ocupa cada libro (siendo así el orden inverso: 10 equivale a 10 puntos, con lo cual sería el número 1). Además, hay otro cómic votado, MIS PROBLEMAS CON AMENÁBAR, de Jordi Costa y Darío Adanti, votado por Javier Rodríguez Marcos, que le otorga 1 punto.

JACKASS

Parece que al final DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS, de Spike Jonze, va a ser la película que más comentarios apasionados despierte estas navidades. John Tones da su opinión sobre la peli, y amplía con un texto que escribió para Cine365 donde repasaba brevemente la carrera de Jonze. Alvy Singer también opina sobre el film, y yo por mi parte os invito a ver (o volver a ver) tres de los clips dirigidos por Jonze: el ya clásico SABOTAGE de Beastie Boys, ELEKTROBANK, para Chemical Brothers, y TRIUMPH OF A HEART, para Björk . Atención al de Björk porque es el más reciente (yo al menos no lo vi en su momento):







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ACTUALIZACIÓN

Por petición popular, Spike Jonze bailando para su clip de PRAISE YOU, Fatboy Slim:

YAVÉ CONOCE A CRUMB

"Ilustrar la Biblia hebrea ha sido una gran búsqueda para pintores, con Miguel Ángel y Tintoretto repartiéndose quizás la palma. Una caricatura o una reducción en cómic del Génesis debería ser idealmente el resultado de una fusión poco probable de Rembrandt y William Blake. Eso no es un criterio justo para invocar teniendo en cuenta el riesgo de R. Crumb con el libro del Génesis. Mirando a las mujeres y los hombres del Génesis de Crumb, recuerdo vagamente a alguien mostrándome un número de la revista Mad. Bajo mi punto de vista ignorante el trabajo de Crumb recuerda a aquella publicación pero de alguna manera también se acerca a lo que yo recuerdo como el aguerrido estilo proletario de Ben Shahn. Al menos, las caricaturas de Crumb tienen el mérito inicial de la extrañeza en su representación de los patriarcas y las matriarcas del primer libro de la Biblia hebrea.

(...) Las gentes del Génesis son realmente pintorescas, pero poderosamente feas en la visión de Crumb. No me quejo de los hombres, pero las mujeres, de Eva a Raquel, son tan terribles que me hacen infeliz. Algo apenas suficiente, incluso si se trata de defender el enfoque de Crumb como uno de sano realismo. ¿Qué respuesta se podría sugerir si un admirador de Crumb afirmó que "Así era el aspecto que realmente tenían, en aquel entonces"? No existe un "en aquel entonces". El Génesis, como el Éxodo, Números y los otros, es la narración de un cuento fabuloso, no hechos históricos. Se le puede llamar mito si se desea o aquello que se crea que siente mejor a la historia de la tribu.

(...) Quedarse con las representaciones de Crumb puede no ser delicioso, pero su posición hacia la historia es muy refrescante. Crumb está libre de devociones rancias y, muy apropiadamente, no tiene ningún uso para los sentimientos sacerdotales preservados en el Génesis. La locura moral de hacer justicia divina como excusa para el sufrimiento humano es algo ajeno a Crumb. Cualquiera que sea la inquietud estética que siento en lo que respecta a sus mujeres es más que contestada por su cautela saludable hacia Yavé, una cordura que atribuyo a su exuberancia gráfica.

(...) Crumb se refiere claramente a toda esa fe persistente en que el Génesis aún sea Palabra de Dios vinculante como parte de la locura contemporánea y su dibujo funciona como una técnica de alejamiento. Probablemente, su Génesis ilustrado me hubiera ayudado en la infancia de mi década de los 30, si hubiera estado disponible. Siendo un apasionado de Blake cuando tenía diez años, visualicé personajes bíblicos al modo de Blake, que tenía afinidades con caricaturistas paródicos del siglo XVIII, como Rowlandson y Gillray.

(...) Lamento no ser más amable con Crumb, que me ha devuelto el Génesis para meditar de nuevo sobre Yavé, que para mí es un motivo interminable para meditar como lo son Falstaff y Hamlet. Yavé sigue asegurando a los Patriarcas que desea un pacto con ellos, y ellos están dispuestos a confiar en su palabra. Él, que puede tener el récord universal y eterno de falta de credibilidad de entre todos los dioses y ejemplos de piedad. Uno desearía que Thomas Mann, y no la tradición yahvista, hubiera sido su autor principal".

Harold Bloom reseña el GÉNESIS de Crumb en The New York Review of Books (gracias por el soplo, Alvy)

ESTE PROCESO ES IMPARABLE.

"En un artículo muy desafortunado, Vicente Molina Foix ha hablado recientemente de su incapacidad para entender el prestigio artístico que en los últimos tiempos han adquirido el cómic y el cine de animación. Un prestigio que es responsable de su canonización y, por tanto, de su presencia destacada en festivales, bienales, museos de arte contemporáneo y congresos académicos. La transformación en objeto de estudio de la obra de exigentes autores de novela gráfica (Spiegelman, Sacco, Crumb, Moore, Breccia…) y de largometrajes de animación (Ōtomo, Burton, Miyazaki, Docter…) se extiende a los creadores de ciertas teleseries norteamericanas (Ball, Simon, Abrams…) y de videojuegos conceptual y artísticamente exigentes (Miyamoto, Carmack, Wright, Kojima…). Ese proceso es absolutamente imparable. Y un acto de justicia. Como el cine durante el siglo pasado, esos lenguajes artísticos han tenido que desarrollarse durante décadas para ser finalmente legitimados por las instituciones. El arte no conoce límites formales; su manifestación siempre sobrepasa tradiciones y códigos prefigurados. La función del museo y de la academia, precisamente, es la generación de discursos que traten de explicar esas mutaciones".

Así comienza un artículo de Jorge Carrión publicado hoy en el cultural ABCD y titulado LOS SOPRANO, SEMIÓTICA TELEVISIVA, a propósito del reciente volumen colectivo LOS SOPRANO FOREVER. ANTIMANUAL DE UNA SERIE DE CULTO (portada ilustrada por David Sánchez).

El artículo de Carrión puede leerse completo en su blog

MAPA DE LOS DIBUJOS DE TOKIO

"Tras los cuarenta minutos en los que Max presentó su obra y su motivación como historietista, añadiendo un poco de su vida y milagros, el primer comentario salió de la boca de Shiriagari. "Esto es arte, y no lo que hacemos nosotros, que es un producto." Lo adornó un poco más, pero vino a decir esto. (...) Los conceptos de márketing estan a la orden del día cuando se crea manga en Japón, advierte Shiriagari. El "branding" importa mucho más que la expresión individual del autor. Max intenta atajar el harakiri mencionando las profundas y ancestrales diferencias culturales entre Japón y España como explicación-excusa ("explusa")".

(...) Max, en un intento de reconducir o mediar, hizo lo que había ido a hacer: hablar de sus cómics. Comenta que cuando empezó, desarrollar un estilo gráfico que conectara con el underground norteamericano ejemplificado por Crumb fué su máxima motivación, mucho más que contar buenas historias. Pero que con el tiempo, el dibujo ha ido perdiendo importancia en su obra proporcionalmente a la que ha ido ganando la historia. Se habla entonces de cómo respetados artistas como Crumb no venden realmente mucho. Nombres comienzan a flotar en la conversación. Hergé. Spiegelman. Ware. En cuanto se menciona Spiegelman, Ono recuerda a todo el mundo que la edición japonesa de Maus la ha traducido él".

Luis Alis relata en Mumu magazine una charla a tres bandas en Tokio entre Max, Kosei Ono (crítico cultural) y Kotobuki Shiriagari (dibujante de manga). Sigue

(gracias, Manolo)



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ACTUALIZACIÓN

Más sobre la gira asiática de Max (gracias, Fan Nº 1)

A VUELTAS CON EL 'GÉNESIS' (DE CRUMB)

"¿de dónde nace la fascinación de Crumb por el libro bíblico? ¿Por qué decide ilustrarlo, dedicándole prácticamente un lustro de su vida? ¿Por qué toma el texto original sin introducir variaciones? ¿Por qué aporta “tan poco” de su visión del libro con su dibujo (las comillas denotan ironía, claro)? Yo sólo encuentro una respuesta, y es que Crumb ha escrito su sátira definitiva sobre toda la sociedad occidental basada en la cultura judeocristiana, precisamente de la forma más sutil y natural: colocando de nuevo sobre la mesa, tal cual, el libro que describe los fundamentos sociales, políticos y religiosos de nuestra cultura. (...) Así, la supuesta neutralidad de Crumb al ilustrar Génesis es torpedeada por todos los antecedentes del autor y, por supuesto, por su dibujo caricaturesco. A pesar de que se trata de un dibujo más naturalista que en la mayoría de sus historietas satíricas, a pesar de su intención de recrear ambientes, personajes, herramientas, ropajes, construcciones realistas, a pesar de que con su virtuoso rayado o trama manual dota de un carácter tridimensional a sus figuras, el dibujo de Crumb sigue siendo eminentemente paródico y muy alejado del academicismo y no puede evitar que sus personajes sean narizones y carnosos, sus mujeres voluptuosas y dominantes, o que la sorpresa se exprese mediante esas gotitas alrededor de la cara de los personajes. Además, el trabajo de caracterización gestual es impresionante, añadiendo matices de cosecha propia al Génesis, incluso momentos humorísticos, como en aquella escena en la que se nos muestra los rostros compungidos de los siervos de Hamor cuando este les comunica que deberán ser circuncidados".

El tio berni, en Entrecomics.

Personalmente también creo que a Crumb le ha interesado el Génesis porque muestra a las claras aquello que le ha interesado cuando ha hecho sátira social, sólo que aquí no hacía falta satirizar nada porque todo estaba en el texto original. A saber: que el hombre es un depredador social, un lobo para el hombre, y que la historia humana es básicamente una historia de sordidez y de violencia, tanto fuera de la familia como, especialmente, dentro de ella. Esto, y lo que el propio Crumb deja ver explícitamente en los comentarios finales a su adaptación cuando alude a la tradición de mujeres fuertes en el Génesis, mujeres fuertes como las que siempre le han atraído y protagonizado sus fantasías sexuales en forma de cómic. En 1988, en una larguísima entrevista de Gary Groth para el Comics Journal, Crumb definía a los hombres, y me refiero ahora al género masculino, como "básicamente unos violadores y saqueadores y asesinos". En 2005, cuando Crumb se pone a dibujar el Génesis, se da cuenta de que eso mismo es lo que tendrá que dibujar en muchas escenas, pero como "simple ilustrador" de un texto ajeno, que además resulta que es un texto sagrado. O eso dicen. El relato mítico fundacional de la identidad cultural de Occidente, aún hoy de raíces principalmente judeocristianas.


Otro ejemplo de lo mismo que ya comentó Santiago García en el cultural ABCD. La famosa historieta paródica de Crumb sobre el incesto a cuatro bandas de una "familia ideal americana", JOE BLOW (1969), tiene su eco correspondiente en las viñetas del Génesis en las que Crumb tiene que dibujar incestos por "necesidades del guión". En el caso de las hijas de Lot el incesto se debe además a la escasez de hombres en los alrededores. "Y dijo la mayor a la menor: ¡Nuestro padre está ya viejo, y no hay aquí hombres que se acuesten con nosotras, como se hace en todas partes! ¡Vamos a embriagar a nuestro padre y a acostarnos con él, a ver si tenemos de él descendencia!". Dejando aparte la guasa con la que podamos ver el tema con nuestros ojos modernos, el asunto tiene un profundo interés antropológico: según Lévi-Strauss, y Bataille con matices, la prohibición del incesto en las sociedades primitivas se debía principalmente a la necesidad de intercambio en forma de dones recíprocos entre distintas familias y tribus. Un padre no debía reservarse a las hijas para sí, ni los hermanos a sus hermanas, porque dándolas a otras familias/tribus entraban en una dinámica de dones recíprocos que iban más allá del mero intercambio económico hasta un "hecho social total": de este modo estaban en disposición de recibir las mujeres de la otra familia/tribu, podían intercambiar bienes y se creaban alianzas (económicas y utilitarias, sociales y sentimentales) a través de las nuevas familias formadas entre los clanes. Y como este tema hay cantidad de detalles en el Génesis que Crumb está poniendo sobre el tapete al publicar su versión: porque, ¿cuántos de nosotros hemos leído el Génesis completo? ¿Y cuántos de nosotros pensábamos hacerlo a estas alturas si no fuera porque al viejo tío Bob le ha dado por dibujarlo?

Por supuesto, la traslación a viñetas (hay que desglosar las acciones, hay que elegir las imágenes que ilustrarán el texto) y la caligrafía (gráfica) de Crumb es lo que convierte a ese texto original en otra cosa. Ninguna adaptación a otro medio es literal, y el dibujo del autor estadounidense, como ya comenté por aquí en su momento, es tan poderoso -y caricaturesco, por mucho que se empeñe en dibujar de un modo más "realista"- que resulta inevitable leer este Génesis en clave crumbiana. En el cómic el texto se convierte en dibujo, sobre todo a través de los bocadillos y la rotulación manual, pero el dibujo también es "texto" porque es lo que da el tono final a lo que se lee en las viñetas. La gracia de todo el asunto, en fin, es que Crumb está haciendo en su Génesis lo mismo que lleva haciendo toda la vida cuando dibuja sátira social (ver cosas como, además de la citada JOE BLOW, sus historietas de Whiteman, o piezas cortas como HABLEMOS SENSATAMENTE DE LA AMÉRICA MODERNA, ¡CUANDO LOS NEGROS TOMARON AMÉRICA! o ¡CUANDO LOS MALDITOS JUDÍOS TOMARON AMÉRICA!) sólo que ahora no tiene que inventarse el guión, ni adoptar un planteamiento paródico o satírico, simplemente "limitarse" a ilustrar un texto ajeno. Que además no es cualquier texto precisamente.

"Mi intención ha sido exorcizar el poder de la Biblia, iluminar el texto ilustrando hasta el más mínimo detalle, para que la gente vea lo que verdaderamente hay ahí: violencia, abuso de poder, incesto… el ser humano en su estado más ruin. Estudiándolo, me he dado cuenta de que hemos pasado por alto el papel de tantas mujeres fuertes que fueron las verdaderas impulsoras de los linajes del pueblo hebreo".

R.Crumb

EL VECINO 1 Y 2, NUEVA EDICIÓN

A finales de enero a la venta. Lo explica Santiago García en Mandorla

DEL TABLERO DE DIBUJO A LA IMPRENTA

Por lo que se ve arriba, Chris Ware sigue dibujando con lápiz azul para no tener que borrarlo luego al entintar (al escanear el azul es fácil eliminarlo respecto al negro, o bien, trabajando con los antiguos fotolitos, el azul no se registraba cuando se hacía un fotolito para una sola tinta). Hay más muestras del proceso desde sus páginas dibujadas a la forma definitiva impresa en esta web de la Carl Hammer Gallery de Chicago, donde Ware expuso entre abril y mayo de 2008 (visto en La Cárcel de Papel).

La verdad es que las páginas son asombrosas por la concepción y por la pulcritud del acabado, pero hay otra cosa que me alucina aún más. Por lo que sé, al menos tal como se explica en las cartelas de las páginas que tiene expuestas en la exposición permanente del Centro de la BD de Angulema, Chris Ware no coloreaba con el ordenador sino por el viejo método de indicar los colores (con porcentajes para cuatricomía) a la imprenta. No sé si aún sigue coloreando así, pero en Angulema tiene expuestas tanto páginas a tinta como muestras de las indicaciones de color para su JIMMY CORRIGAN.

LOS MEJORES TEBEOS DE 2009

Según Miss Indie Style, en una lista elaborada por Manu González, redactor de Go Mag (gracias, Fermín).

WHERE THE WILD THINGS ARE

"Es mi mentor, estuve en contacto permanente con él durante la escritura del guión. Él no se considera un autor de libros para niños porque nunca los ha tratado con condescendencia. Siempre los ha visto como las personas listas, inteligentes y resolutivas que son. Y eso es tan admirable como su preciosa escritura".

Quien habla es Spike Jonze, entrevistado por Desirée de Fez para el Rockdelux de este mes, y el "mentor" al que se refiere es Maurice Sendak, autor del cuento ilustrado WHERE THE WILD THINGS ARE (1963). Resulta que anoche fuimos a ver AVATAR (en 3-D, por supuesto), pero como ya no había entradas terminamos viendo la nueva película de Jonze, una adaptación del cuento de Sendak que aquí se ha titulado de manera bastante menos sutil (me dicen en comentarios que así se tradujo en su momento el cuento), DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS. Viendo la película, magníficamente realizada con una estética personal pero no manierista (esto no es un producto de la factoría Tim Burton, para entendernos) y una banda sonora espléndida (que incluye canciones de Karen O & The Kids, grupo ad hoc creado por la líder de Yeah Yeah Yeahs junto a miembros de Deerhunter y Liars), me di cuenta de hasta qué punto estamos amorcillados por el modelo hegemónico en materia de cine para niños, que por supuesto sigue siendo el de Disney, tal como ha sido por otra parte durante gran parte del siglo XX.

En esta película del director de ADAPTATION. EL LADRÓN DE ORQUÍDEAS, que se dice muy fiel respecto al cuento de Sendak (aunque no lo he leído, sí es cierto que viendo la película se intuye esa fidelidad al espíritu del texto original), no hay ninguna necesidad de articular una "gran historia" repleta de "aventuras trepidantes" en la que insertar mensajes didácticos claros para el niño (el cine infantil como agente socializador y formativo, por supuesto dentro del discurso cultural dominante en el que se inserta ese cine), sino más bien una necesidad de expresar sentimientos infantiles con formas estrictamente infantiles, y a través de texturas, sensaciones y ambientes. A mi lado en el cine había una niña de no más de seis o siete años y se lo estaba pasando pipa; al final daba literalmente botes en su asiento al ritmo que marcaban las criaturas de la película. La película es profundamente emotiva, pero no del modo habitual (Disney de nuevo y sus diálogos explícitos, sus personajes estereotipados e idealizados), sino a través de fantasías y juegos que proceden directamente del mundo infantil, un mundo mucho más salvaje, egoísta y cruel de lo que a menudo queremos admitir como adultos. Las "cosas salvajes" en las que el niño protagonista proyecta sus emociones y frustraciones, esos monstruos peludos, entrañables y a la vez amenazadores (ambiguos, vaya), entroncan directamente con el imaginario infantil, no sólo por lo que tienen de criaturas típicas del cuento popular de hadas, sino por aquello a lo que se dedican a hacer siguiendo las órdenes de su nuevo "rey", el niño protagonista, convertido finalmente en su particular Señor de las moscas: organizar peleas de tierra y de pedradas, hacer melés, dormir todos juntos o construir fuertes "perfectos" e "inexpugnables". Esto que digo es lo que más me sorprendió de la película. Eso, y comprobar cómo de emocionante puede resultar ver llorar a un (gran) muñeco de peluche porque el niño protagonista -en ese momento quizás un álter ego suyo- ha decidido dejar atrás el pasado y abandonar el desierto de fantasía al que se había exiliado voluntariamente porque no aceptaba la realidad de su vida (de la vida). La realidad de que las cosas ya no son como solían ser, y de que nunca volverán a serlo.

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CANNONBALL. Un joven Spike Jonze dirigió este clip para el himno indie noventero de The Breeders:



Jonze ha realizado un montón de videos, entre ellos SABOTAGE, para Beastie Boys, 100%, para Sonic Youth, ELEKTROBANK, para Chemical Brothers, SHADY LANE, para Pavement, TRIUMPH OF A HEART, para Björk, y un largo etcétera. O FLASHING LIGHTS, para Kanye West:

EL VECINO ASGARDIANO

Una HISTORIA JAMÁS CONTADA de Mikel Bao. Sigue en su blog, Rodeado de Papel

NAVIDAD

en El Estafador (nº 16)

(la viñeta es de Tute)

LOS 'CHICOS DEL DIBUJO'

"¿Cuál es tu valoración general del trabajo, Bart? ¿Ha cambiado a lo largo de los años? ¿Cambió cuando se fueron publicando nuevos volúmenes?

Los dos primeros volúmenes sólo me dejaron tibio. Quedé intrigado al final del segundo, y alucinado por todo el tercero. Ahora, cuando lo leo como un todo, constantemente me impresiona. He impartido clases sobre el libro a estudiantes universitarios media docena de veces, y a ellos siempre les impresiona, y a mí me gusta más el trabajo cuanto más enseño sobre él. He llegado al punto en que prefiero hablar en clase sobre él que sobre Maus, en realidad. Así que me gusta mucho.
(...) Creo que Persépolis es un cómic que permanecerá del mismo modo que ahora lo es Maus.

(...) He leído algunas críticas hacia Persépolis que dicen que el libro y la misma Satrapi adulan un autoconcepto particular de los europeos. ¿Crees que es una vía de crítica legítima? Y, ¿ha habido alguna puñalada por la espalda contra la autora más seria que este tipo de comentarios maliciosos?

Persépolis es un libro que parece que genera muchos comentarios maliciosos, y sobre todo por parte de los “chicos del dibujo” (casi siempre son chicos) que dicen que está dibujado sin elegancia. Esa es la mayor fuente de condena. Incluso ahora, me imagino que una buena cantidad de tus lectores no lo han leído porque no se pueden imaginar que un libro dibujado “así” merezca tanta discusión.

Hay otros cómics franceses de la pasada década que creo que formalmente hacen las cosas mejor, o más inteligentemente, o son más divertidos, o más emocionantes. Pero creo que Persépolis es un hito y un logro tremendo".

Bart Beaty (profesor universitario, experto en cómics europeos y autor de uno de los mejores libros teóricos que he tenido ocasión de leer, UNPOPULAR CULTURE. Transforming the European Comic Book in the 1990s), pone los puntos sobre las íes acerca de PERSÉPOLIS, el tebeazo. De Marjane Satrapi, por supuesto. Los fragmentos proceden de una entrevista de Tom Spurgeon a Beaty, traducidos en Entrecomics, más en el enlace. No sé si alguien necesitará aún otra década (o dos) para comprender que PERSÉPOLIS está estupendamente dibujado, pero mejor ir haciéndose a la idea porque este camino no tiene vuelta atrás. Afortunadamente para la apertura de miras (y de estéticas) en el cómic. Dibujar bien no pasa necesariamente por hacerlo como Moebius, ni siquiera como Boucq; dibujar bien es encontrar una caligrafía gráfica personal con la que el dibujante pueda dibujar cualquier cosa, y Satrapi no sólo la tiene, también es capaz de transmitir con ella bastante más que algunos dibujantes virtuosos de impactante acabado, y con esto último no me refiero a los dos citados, evidentemente.

Copio esto otro de la entrevista a Beaty:

¿Qué ha significado el éxito del libro para L’Association? ¿Qué efecto crees que ha tenido en la industria en general?

Para L’Asso es parecido a lo que ha sido Peanuts para Fantagraphics, les ha salvado el culo. No estoy seguro de que L’Asso estuviera todavía aquí hoy sin Persépolis, y su éxito les ha permitido arriesgarse con un montón de trabajos que de otra forma no habrían podido sacar.

(…) También creo que la decisión de Satrapi de quedarse con L’Asso es tremenda. Después de Persépolis podría haber publicado en cualquier sitio, y probablemente por con un adelanto enorme. Sé cuáles son los adelantos para algunos autores que han vendido la vigésima parte de lo que ella vende, así que me imagino que alguna gente le ha ofrecido camiones llenos de euros. Y ella los ha rechazado. Ha dicho, básicamente, “L’Asso creyó en mí cuando ninguno de vosotros me habría siquiera mirado; por eso creo en L’Asso.”

Más

DUENDE VECINO

Reseña de EL VECINO 3 en el número 100 de la revista El Duende (gracias, Manolo)

ILUSTRES

"3 cómics memorables:
‘Tintin’ de Hergé
'Akira' de Otomo
'Peanuts' de Charles M. Schulz

El último libro que ha leído
‘Tristes Trópicos’ de Claude Lévi-Strauss

3 discos indispensables
‘Led Zeppelin II’ de Led Zeppelin
‘Requiem’ de Mozart
‘The Touch of your lips’ de Chet Baker

¿Cúal es su personaje de ficción preferido?
Edmundo Dantés (El Conde de Montecristo)".

Frederik Peeters, en las sección Ilustres de 13 Millones de Naves, sigue

IRONÍA, FANTASÍA

"Me encanta el humor enfermo y, por supuesto, las viejas historias de EC eran en gran parte humor enfermo. Y la gente no se dio cuenta de eso, que casi todas aquellas historias de horror eran irónicas. Yo soy una de las personas más cobardes que puedas imaginar. Si veo sangre, me desmayo. Cuando cuento eso a la gente, creen que les estoy tomando el pelo, por el material antiguo de terror de EC. Bueno, ese material era estrictamente fantasía, y en el campo de la fantasía seré tan enfermo como quieras. Nuestras historias de horror eran enfermas. Seré tan enfermo como el que más; pero no en la realidad, o me desmayaría".

--Bill Gaines, 1969. Con esta cita arranca un extenso y documentado artículo de Alberto "tio berni" García titulado EC, PARADIGMA DEL HORROR PRE-CODE y publicado junto a otros textos en el nuevo especial sobre cómics de horror de Tebeosfera

'BLIND', HERCULES AND LOVE AFFAIR

Es la canción que ilustró Fermín Solís para el Especial Rockdelux 25 aniversario del pasado noviembre.

LAS PELUSAS DEL VECINO

Un dibujo que ha hecho Fermín Solís después de leer El Vecino 3 y que acaba de enviarme.

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Hablando de El Vecino 3, Koldo Azpitarte lo reseña en Mondo Sonoro

¡TAXI!

No sé si lo sabíais, pero yo me acabo de enterar. La tercera parte de uno de los tebeos más importantes del cómic español de los 80 ha empezado a publicarse en el número 3 de la revista La Cruda. Me refiero a TAXISTA, de Martí, que aparece rodeado de otros autores colaboradores, entre ellos luminarias de la nueva vanguardia como Anders Nilsen. Editan ET, Estudiosos del Tema, y La Cruda no es su única publicación (ver web). Prometen más sorpresas para el número 4 de la revista.

ESCENAS OLVIDADAS

Una de las mejores canciones de uno de los tres mejores grupos que dio la movida del pop español de los 80, Golpes Bajos, y el que desgraciadamente tuvo una carrera más corta (Teo Cardalda se fue para formar junto a su chica los muy empalagosos Cómplices; Germán Coppini tuvo una carrera en solitario que nunca terminó de remontar el vuelo). No es nostalgia, es que la escuché esta semana en Radio 3 después de muchos años sin hacerlo y comprobé lo bien que había aguantado el paso del tiempo. "Son escenas olvidadas, repetidas tantas veces. No se ama a los sumisos, simplemente se les quiere". Puestos a recordar ahora "escenas olvidadas", caigo en que la canción abría el primer disco que me compré en mi vida, A SANTA COMPAÑA.

Cuántas veces lo escuché hasta machacarlo, por el amor de dios. Para compensar este lamentable baño de nostalgia (al final parece que inevitable), pincho lo último de lo último que no me puedo quitar de la cabeza, lo están poniendo mucho ahora en la radio. A más de una chica seguro que le sonará esto referido a los chicos: "Cariño, tienes una fijación oral, tienes que darle un descanso a tu boca". Qué guapa, qué divina de la muerte y qué bien cantas, Róisín Murphy:

EL ABCD DEL VECINO

EL VECINO 3 aparece hoy en la portada del suplemento cultural ABCD, en medio de un montón de libros, discos y películas. La verdad es que he pegado un bote de alegría al verlo, y cuando se lo he contado a Santiago (García) se creía que estaba de cachondeo. La razón de ese hueco para El Vecino 3 en el ABCD es que aparece recomendado en el interior en un especial sobre regalos culturales para las Navidades, y en concreto en la página dedicada a los cómics que firma Manuel Muñiz Menéndez. El Vecino aparece muy bien acompañado de otros tebeos, españoles y extranjeros: EPILÉPTICO, UNA VIDA ERRANTE, EL FARO, EDIPO EN CORINTO, ARLERÍ, LA ESTACIÓN DE LAS FLECHAS, EL FIN DEL MUNDO, PAQUIDERMO, HABLANDO DEL DIABLO, EL DULCE HOGAR DE CHI, LOLITA BUTTERFLY, EL DEMONIO ROJO: SIGA USTED TODO TIESO, LA TUMBA DE DRÁCULA, X-MEN: MUJERES EN PELIGROS, INCÓGNITO y EL EXPERIMENTO. Clic para ampliar y leer.

SI NO MUERES, MADURAS, Y SI NO MADURAS, MUERES

Y ya que hablamos más abajo del fenómeno de la novela gráfica moderna, no está de más (creo) rescatar esta historieta de Juanjo Sáez publicada en el número 4 de la revista de humor gráfico on line El Estafador. Clic en la imagen para ampliar y leer

UNA VERSIÓN REPRIMIDA DEL MELODRAMA

Otra cita de la entrevista a Dash Shaw para el Rockdelux, donde habla de los cómics autobiográficos, y de la escasez de elementos realmente autobiográficos en OMBLIGO SIN FONDO:

"Es verdad que no hay demasiadas cosas autobiográficas de una forma explícita en Ombligo sin fondo. En realidad, es probablemente el cómic menos autobiográfico que he hecho. Ombligo sin fondo, para mí, trata sobre estar en contacto con gente diferente, de seguir sus evoluciones, viendo interactuar unos con otros. Así que existe una relación con los cómics autobiográficos, en el hecho de que estoy retratando a personajes que cuentan su propia historia, pero que no están relacionados con mi propia autobiografía. Aunque me gustan los cómics autobiográficos. Me gusta la apariencia de muchos de ellos; como si fueran diarios, y la libertad formal. Quería que Ombligo sin fondo pareciese eso, incluso aunque es evidente que está estructurado y que no es mi diario. Hay muchos elementos estilizados e interacciones entre los personajes que no son realistas. Hice una historieta expresamente basada en mis memorias titulada My Entire High School… Sinking into the Sea!, donde hay un personaje Dash Shaw, yo durante el instituto, que salva a una chica del “hundimiento” escolar. Hay unas cuantas páginas que son exactamente como la película Titanic, que se estrenó cuando yo estaba en el instituto. Pero esos cómics sobre la memoria/autobiográficos son una forma de mitificar tu pasado, lo cual es básicamente (creo) lo que están haciendo la mayoría de autores de cómic autobiográfico. Incluso (o especialmente) los autores de cómics autobiográficos que hacen hincapié en los aspectos mundanos de su vida. Las historias más mundanas son simplemente una versión reprimida del melodrama".

UNO DE LOS MÁS GRANDES

"Creo que es uno de los grandes artistas vivos (de cualquier medio). Hay muchas cosas que aprender ahí, y la gente debería aprender de él. Pero es una influencia tan dominante que a veces me encuentro reaccionando contra su trabajo y haciendo las cosas de un modo en que él no las haría, en todo, desde aspectos formales al tipo de historias que a él le atraen. No estoy seguro de que ser reaccionario sea la respuestas más creativa hacia el trabajo de alguien que te gusta. No estoy preparado para mantener esa discusión, pero admito que lo hago".

Dash Shaw (LA BOCA DE MAMÁ, OMBLIGO SIN FONDO), en una entrevista que le hice este verano y que aparece publicada en el Rockdelux de este mes. Se refiere, por supuesto, a Chris Ware. Arriba, viñetas del BODYWORLD de Shaw.

PUNTOS DE SUTURA

“David Small evoca hermosamente el mundo científico loco de los 50, una época en que todo el mundo creía que la ciencia podía arreglarlo todo. Small es un cordero inocente, un chico sensible atrapado en una situación de pesadilla. Sus padres y su abuela son realmente espeluznantes. Capturando el lenguaje corporal y con expresiones faciales sutiles, STITCHES se convierte en las manos hábiles de Small en una historia poderosa, una autobiografía cargada de emociones".

--Robert Crumb

Si lo dice el tío Bob, habrá que leer STITCHES: A MEMOIR..., una novela gráfica de David Small que en España será publicada por Mondadori en febrero de 2010. Otra opinión sobre el cómic:

"Como el niño en esta novela autobiográfica mi primera lectura de STITCHES me dejó sin habla. E impresionado. David Small se nos presenta con un profundo y conmovedor regalo de la literatura gráfica que tiene el aspecto de una película y se lee como un poema. Escueto en palabras, imágenes dolorosas, Small, en un estilo de amenaza seca, nos atrae a la vida de un niño que no te gustaría vivir, pero no puedes dejar de leer. Desde su primera línea de cuatro páginas, "Mamá tenía su pequeña tos", sabemos que estamos en manos de un maestro".

-- Jules Feiffer

Y otra más:

"STITCHES de David Small es un título apropiado. Con precisión quirúrgica, el autor penetra en el pasado y, con gran arte,en los sellos de la herida infligida a un niño por padres crueles y faltos de amor. STITCHES es tan intensamente dramática como una novela en grabado de la época del cine mudo y tan fluido como un manga japonés contemporáneo. Abre un nuevo camino para las novelas gráficas".

--Francoise Mouly

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un adelanto de 23 páginas

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(gracias, tio berni)

"GAFAPASTA"

"(...) Hoy está empezando a suceder algo similar, aunque no con tanto alcance por el momento, con el término “Gafapasta”. No sé quién se inventó está genialidad de palabra, pero sé que tuvo un dia inspirado. “Gafapasta” alude a a los que practican una opción cultural muy concreta: Afrancesada, erudita, urbana, tecnófila, moderniqui. Algo elitista. Algo moñas. Pero de un tiempo a esta parte "Gafapasta" se está empezando a usar para definir a todo aquel que consuma algo no común, hable de algo en términos de que salgan de lo habitual, o, dicho de otra manera, demuestre tener una cultura o un dominio del lenguaje superior a la media. A este paso, los gafapastas serán todos aquellos que hayan leído algo más que El Código Da Vinci.Y ver cine en versión original., aunque sea la última de James Bond, será de gafapastas. Y todos aquellos que sean capaces de hablar de tebeos, videojuegos, libros y música sin utilizar la palabra “Freak” esos, esos serán los gafapastas.

No lucho contra esta inercia. Tan sólo quiero mencionar que… ¿Es necesario que estos grandes hits semánticos siempre se refieran a lo diferente, a lo alejado de la norma en mayor o menor grado? ¿Es justo que, precisamente sea lo disidente, lo raro, lo que metemos sin reparos en un mismo cajón? ¿Por qué no nos inventamos una palabra que reúna todo lo vulgar, lo común, lo aburrido, lo de siempre en un único punto?

PD: Solo un friki gafapasta que sufre de paranoia escribiria algo así (Liriko en los comments)".

Nacho Vigalondo, en su blog, sigue

(gracias, Intramuros)

LOS 13 MEJORES CÓMICS DE LA DÉCADA

Según 13 Millones de Naves

OTROS VECINOS

Santiago García muestra en su blog versiones de El Vecino a cargo de otros dibujantes; arriba, la de Manuel Bartual. La verdad es que me he quedado flipado al verlas todas juntas.

BONNY & CLYDE

Serge Gainsbourg y Brigitte Bardot

"Serge Gainsbourg y Brigitte Bardot":



Me ha hecho gracia esta escena de la peli de Joann Sfar, donde se recrea el encuentro creativo (y de otra clase, aunque eso de momento no está en el fragmento) entre Gainsbourg y Bardot.