cómics en Rockdelux febrero 2018

Sección de cómic en Rockdelux nº 369 (febrero 2018), diseño de Gemma Alberich

La sección de cómic en Rockdelux sigue saliendo mensualmente de manera puntual, lo que pasa es que desde septiembre yo no he podido dar cuenta de ella en este blog por unos meses de trabajo muy locos. Al grano. En el Rockdelux de febrero, el cómic ocupa dos páginas con los siguientes contenidos:

Daniel Ausente y Raúl Minchinela reseñan dos clásicos que gozan ahora de estupendas nuevas ediciones. Por un lado, Blueberry, de Charlier y Giraud, en una edición Integral de Norma que sigue escrupulosamente los tomos recientes de Dargaud y que es ya, en mi opinión, la canónica, si exceptuamos por supuesto la edición original. Y ello tanto por la fidelidad a la reproducción de la serie respecto a su primera publicación en la revista Pilote como a los valiosos textos e imágenes que se han recuperado de los archivos para prologar los tomos. Por otro, Mort Cinder (Astiberri), de Héctor G. Oesterheld y Alberto Breccia, que incluye escaneados nuevos de páginas originales y un guión inédito de Oesterheld, de quien seguramente sea este su cómic más conocido además de, por supuesto, El eternauta.

Gerardo Vilches da cuenta en su texto "Cómics expuestos" de varias exposiciones recientes sobre cómic, destacando la que el MNCARS o “Reina Sofía”, incluso simplemente “el Reina”, ha dedicado a las tiras de prensa de George Herriman, con Krazy Kat de protagonista: la primera muestra que el segundo museo más importante de España dedica al cómic per se, con un catálogo por cierto que merece la pena por la calidad de sus textos; alrededor de la misma se organizaron eventos como la conferencia que dio en el MNCARS Art Spiegelman en diciembre, presentado por Santiago García, a la que dicho sea de paso pude escaparme para asistir (mereció la pena, con un Spiegelman muy entregado y simpático; entre el público le seguía atentamente la no menos impresionante Françoise Mouly; la rueda final de preguntas, moderada por Santiago, fue también muy disfrutable). La expo puede verse todavía, hasta el 26 de febrero, lo mismo que Historietas del tebeo. 1917-1977, hasta el 25 de febrero, una muestra colectiva que ha comisariado Toni Guiral para el Museo ABC (recomiendo igualmente el catálogo) y que recorre la mayor parte del siglo XX en el tebeo popular español, cuando aquello era una industria de masas y uno de los entretenimientos favoritos del público juvenil antes de que la televisión, el video, el ordenador e internet mataran a la estrella de las viñetas (industriales). La cantidad de dibujos y páginas originales que Toni ha recabado es ciertamente apabullante, con más de una sorpresa oculta  en las bonitas cajoneras que forman parte del montaje expositivo.

Reseñas de cómics, hay más en la sección del Rockdelux de este mes, por supuesto. Gerardo Vilches comenta Orgullo y Satisfacción. Grandes éxitos (¡Caramba!), el legado impreso que nos deja la revista digital satírica Orgullo y Satisfacción ahora que lamentablemente ha cerrado (snif, snif). Isabel Guerrero se encarga de reseñar el segundo y último volumen dedicado a recopilar todos los tebeos de la canadiense Julie Doucet, Cómics 1994-2016 (Fulgencio Pimentel), es decir, historia del cómic alternativo, y del cómic a secas. Daniel Ausente se ocupa por su parte de Carvalho. Tatuaje (Norma), la adaptación de la novela homónima de Vázquez Montalbán que han llevado a cabo Hernán Migoya y un esplendoroso Tomeu Seguí. Y Elizabeth Casillas, nuevo "fichaje" de la sección, se encarga por su lado de reseñar un debut largo tan interesante como Piruetas (La Cúpula), de la joven tejana Tillie Walden (1996). 

Alex Serrano, sin tilde como siempre insiste, se ocupa de dos textos: una reseña de El club del divorcio (ECC), de Kazuo Kamimura, un manga "dos rombos", como lo califica, que nos permite leer en castellano una muestra del mejor manga comercial para (jóvenes) adultos que se hacía en los setenta. Además de esto, Alex aceptó mi encargo, no fácil por el espacio disponible, de elaborar un informe sobre algunas de las teleseries recientes que adaptan o se inspiran en cómics, haciendo hincapié en estos últimos para que el neófito en los tebeos pueda hacerse una idea de dónde han salido las ideas que sirven de base a esas series televisivas. El resultado es "Viñetas en serie: del cómic a la televisión", donde Alex consigue recapitular lo ocurrido entre el fenómeno Los muertos vivientes y las teleseries de superhéroes (Arrow, Daredevil, Jessica Jones, Legión y otras), trazando una guía útil de lectura para rastrear los tebeos, o etapas concretas de series de tebeos, en los que se han basado los showrunners de las respectivas teleseries. Ni siquiera se olvida de la muy reciente The End of the F***ing World, basada en el cómic honónimo de Charles Forsman (Fantagraphics, 2013; antes conocido como TEOTFW, por aquello de evitar la palabrota en portada), que por cierto se va a publicar en España a no muy tardar. Habrá más artículos como este en Rockdelux, puesto que las series televisivas basadas en tebeos no dejan de aparecer.

Para cerrar la sesión, digo sección, el "arqueólogo pulp" Daniel Ausente dedica una columna ("El héroe de las mil franquicias") a analizar con algunas ideas "mágicas" ciertamente inquietantes las resurrecciones recientes de personajes de gran éxito en el mercado europeo: del Corto Maltés de Juan Díaz Canales y Rubén Pellejero (Norma) a El hombre que mató a Lucky Luke (Kraken) de Mathieu Bonhomme. Sin olvidarse tampoco, porque la noticia llegó a tiempo antes de cerrar este número de Rockdelux (sí, sigue siendo una revista impresa y por tanto se hace el mes antes de que la veais en kioscos), del nuevo Blueberry que van a publicar Joann Sfar y Christophe Blain a finales de 2018. Y con ello cerramos el círculo respecto al comienzo de la sección, donde se comentaba el Blueberry clásico. Si queréis leerla, y yo no puedo hacer otra cosa que recomendarla, aún podéis comprar la revista en los kioscos de toda España.

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POSDATA "BLACK". Si os apetece leer más textos magníficos sobre cómic, os recomiendo igualmente mi última lectura en internet: el sensacional artículo en dos partes que ha dedicado el mencionado Santiago García en la revista digital Canino a analizar la trayectoria de Pantera Negra desde el ya lejano 1966, año de su primera aparición en los comic books Marvel de Stan Lee y Jack Kirby, hasta el presente. Un intenso recorrido por las inquietudes afroamericanas tamizadas por la ficción superheroica, desde la violenta época de la lucha por los derechos civiles a los no menos violentos hechos que derivaron en el reciente movimiento político Black Lives Matter; su texto incluye una adenda final sobre la película Black Panther (2018). Que yo veré el próximo martes, si el dios de los tebeos (y el cine) quiere.

Parte I: "Los orígenes de Black Panther: cómo un héroe Marvel abanderó la lucha racial desde Wakanda a los Vengadores" 

Parte II: "Black Panther desde los años noventa: un superhéroe rumbo al afrofuturismo"

El Rockdelux de marzo, por cierto, también incluye un artículo sobre Pantera Negra, a cargo del no menos sensacional Daniel Ausente. En vuestro kiosco favorito en menos de dos semanas.

Portada del tomo recopilatorio La furia de la pantera (Panini), un tremendo tochazo con la Pantera Negra de los setenta; dibujo de cubierta de Gil Kane.

GRAF (ADENDA)

Otras tres cosas de interés (creo) a propósito del GRAF MADRID 2013:

1) AUTOR, AUTOR. Otro de los historietistas claves que empezó en el material género y, a determinada altura, introdujo su voz de autor en sus cómics fue destacado por Juan Díaz Canales en la mesa redonda sobre «El concepto de autor en el cómic de género»: el francés Jean 'Moebius' Giraud, naturalmente. Uno de los autores que se «rebelaron» contra sus mayores en la revista Pilote a finales de los 60, justamente porque quería introducir una serie de temas y tratamientos personales en sus cómics que no tenían cabida en la línea editorial de la revista por entonces. A destacar como factores de esa «rebelión», de él y de otros nombres de su generación, 1) la conciencia de ser autores en el cómic (no es una redundancia: la tenían, como se percibe en los testimonios sobre aquella época; hablamos de jóvenes historietistas con estudios artísticos que veían el cómic como medio de expresión personal legítima) y no artesanos limitados a producir industrialmente, 2) el clima político de mayo del 68, y 3) la influencia crucial que tuvo el comix underground estadounidense (surgido precisamente al margen de la industria del cómic norteamericana) en Moebius y otros autores europeos de la época. Tardi fue otro nombre que salió a colación de esa época, primeros años setenta en el cómic francobelga.

Una cita que se comentó en la mesa redonda resume bastante bien la dualidad Gir/Moebius, o cómo entendía él mismo la relación entre su trabajo como dibujante del western Blueberry  y su trabajo experimental como Moebius:

«¿Que si Gir paga las locuras de Moebius? Es una realidad histórica. Gir es una profesión; Moebius, un estado del alma. Me es difícil definir a Moebius, porque ahí soy artista. Pero, ¿qué es ser artista en nuestro mundo? Necesitas sobrevivir, y entonces los artistas se convierten en vendedores, debes gustar a los otros o ceder parte de ti para comer. No sé, no sé...».

—Jean Giraud, Moebius

Carlos Giménez, Hom (1975-1977)

En lo tocante a España el nombre más destacado fue Carlos Giménez, como no podía ser de otra manera. Fue uno de los primeros autores españoles que, viniendo de producir material de género para agencias de cómic, comenzó a introducir una voz de autor (temas y tratamientos personales) en sus historietas, fueran más o menos de género o no (Paracuellos).

En fin, se habló de bastantes más cosas en esa mesa redonda, pero por destacar algo más: la idea de la expansión que se ha producido en el cómic de los últimos veinte años en términos precisamente de autoría, también en el material de género, así como la apertura de la gran industria francesa a las voces personales y la experimentación de autores que (un fenómeno muy propio del mercado francobelga contemporáneo) publican tanto en pequeñas editoriales «indies» como en grandes compañías tradicionales. Por lo que respecta al cómic de género norteamericano, Pepe Larraz aportó su experiencia propia, reconociendo el margen limitado que tienen para operar en Marvel con personajes-franquicia como Thor (por razones obvias ahora mismo en sus pantallas), y Kano insistió en la opinión de que una colección de comic book de superhéroes como Hawkeye, de Matt Fraction y David Aja, es cómic de género y de autor. Estoy de acuerdo, como dije en la mesa redonda, pero señalé que, como sucedió en Daredevil cuando lo cogió Frank Miller o en el Swamp Thing que escribió Alan Moore en los ochenta, con Hawkeye estamos ante un personaje secundario, y no ante los X-Men o el Capitán América (o Thor). 

Personalmente me quedé con ganas de hablar de lo que ha sucedido en el cómic español de los últimos 10 años, pero en una mesa redonda, ya se sabe, la conversación fluye espontánea de un lado a otro. Incluso en las intervenciones del público, que aportaron más perspectivas al tema del que se estaba hablando. Hubo otras ideas y un debate sobre la cuestión de la dualidad repetición/variación propia del material de género, pero lo dejo pendiente para, tal vez, otro post. Si se puede.

Hawkeye (2012), Matt Fraction & David Aja, color de Matt Hollingsworth

2) FANZINES EN EL GRAF. Aquí

3) LOS LÍMITES DEL HUMOR. La mesa redonda en Picnic con Mauro Entrialgo, Joaquín Reyes, Darío Adanti y Carlos de Diego (moderada por Borja Crespo) fue grabada en video. Yo solo digo: risas garantizadas. Ya está en YouTube, aquí

(foto: Grupo Rantifuso, tomada en el Espacio Espíritu Santo 23, en una de las salas de stands del GRAF MADRID 2013)

AUTOR, AUTOR: EL CÓMIC DE AUTOR EN EL CÓMIC DE GÉNERO (GRAF 2013).

Las categorías 'cómic de genero' y 'cómic de autor' NO son incompatibles. A lo largo de la historia del cómic hay ejemplos de cómic que podemos calificar de autor construidos desde los esquemas narrativos de algún género concreto (la ficción de género se basa en la repetición de una serie de códigos-estructuras narrativas-estereotipos, una repetición que procura introducir variaciones en cada nueva narración para generar el interés del espectador/lector; este paréntesis fue una idea que apunté yo tras releerme en el tren hacia Madrid un artículo estupendo de Peter Coogan). 

¿En qué momentos históricos? Una de las ideas repetidas en la mesa redonda de ayer con Pepe Larraz, Juan Díaz Canales y Kano en el GRAF 2013 es que, si tenemos en cuenta que el cómic de género ha sido cultivado intensamente por la industria de los tebeos durante todo el siglo XX, la mayoría de momentos (que no todos) en los que el autor pudo deslizar su voz propia (temas/estilos personales) en ese cómic de género fueron aquellos en los que no había mucho dinero que perder y, por tanto, la industria permitió esos márgenes de creatividad extra: editoriales/colecciones al borde del cierre, personajes secundarios que no importaban ya a nadie, etc. Ejemplo: el Daredevil de Miller en los primeros 80; el Swamp Thing escrito por Alan Moore en la misma época. A mí se me olvidó apuntar el caso de Steranko, tal vez el primer "autor" en sentido estricto que pasó por Marvel (antes de marcharse por sus choques con Stan Lee y Martin Goodman/Sol Brodsky). Steranko era un autor de cómics de nueva generación que, a diferencia de los veteranos, veía el cómic como una forma legítima de expresión, un arte gráfico a explorar, y a ella aplicó tanto recursos del pop art y el op art como todos los trucos de impresión y color que había aprendido tras su paso por la imprenta y la agencia publicitaria en las que había trabajado previamente; su visión de autor, a mi juicio, consistió en esa concepción "total" del comic book como campo formal de experimentación gráfica. Llegó a controlar todo el proceso creativo en un momento (finales de los sesenta) en que nadie más hacía eso en la industria del comic book: guión, lápiz, tinta y hasta las indicaciones de color. Steranko también era un erudito sobre el cómic de su país que pronto escribiría una de las primeras historias del comic book americano. Como ha quedado claro en muchas declaraciones e historias cruzadas, Steranko no era alguien al que el editor pudiera cambiar alegremente sus cómics. 

(reportando en directo desde el Graf Madrid 2013)
(continuará)

Steranko, portada para Nick Fury, Agent of S.H.I.E.L.D. (#4, septiembre 1968)

DEBATES SUPER-ÚTILES

Mañana viernes 29 de noviembre tendré el honor de compartir mesa redonda con Pepe Larraz, Kano, Juan Díaz Canales y el moderador, Alberto García. Nada más y nada menos. Esto será en el GRAF 2013 y concretamente en Picnic (c/Minas, Madrid), a las 18:30 horas. Se promete mucha «polémica» y debates interesantísimos tipo «los comic books de superhéroes tienen muy olvidados a los lectores infantiles».

Es broma, por supuesto. De lo que sí hablaremos es de cómic de autor en el cómic de género (superhéroes y otros). Venirse, que sin vosotros no somos nada. La programación del GRAF arranca antes en el Picnic, a las 17:00 horas, y seguirá por diferentes sedes de Madrid toda la tarde del viernes y el sábado entero.

Info plus

(cartel del GRAF de este año de Joan Cornellá; logotipo del GRAF de Gabi Corbera)

DÍAS EN LA SVA

En la biblioteca de la School of Visual Arts

La estantería de novedades

Cramond Island, del donostiarra Irkus M. Zeberio, en la estantería de novedades

Más cómics en la estantería de novedades: Prison Pit (Pudridero) de Johnny Ryan junto a la última novela gráfica de Eddie Campbell, un recopilatorio de Astérix edición americana,  el libro con las historietas conjuntas de Crumb y Aline Kominsky, un Hellboy y el Building Stories de Chris Ware, entre otros

Esto es una de las baldas interiores, en la sección de la biblioteca donde tienen los cómics y los libros teóricos sobre cómic. Más material español, por supuesto en ediciones en inglés: un par de libros de Max junto al Blacksad de Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido (de enhorabuena estos días por sus premios Eisner)

SORPRESAS EN LA COMPLUTENSE

Escribo estas líneas en el AVE que me trae de vuelta a casa desde Madrid, cansado pero bastante ilusionado, enseguida explico por qué. Son las once y pico de la noche del martes aunque esto probablemente lo leeréis mañana cuando lo repase, coloque fotos y publique. Al grano. He estado este lunes (que era fiesta en Andalucía) y martes en las Jornadas de Cómic de la Universidad Complutense de Madrid y me he llevado unas cuantas sorpresas. De las buenas. En la Facultad donde Amenábar rodó TESIS, la de Ciencias de la Información de la Complutense, un edificio con paredes de hormigón vista y aspecto siniestrísimo (viéndolo al natural te parece lo más lógico elegirlo para las localizaciones de una película de suspense sobre snuff movies), este lunes arrancaban unas jornadas con un programa muy variado, apretado e intenso. Conferencias, mesas redondas, un montón de proyecciones y hasta un "ultrashow" (de Miguel Noguera).

La primera sorpresa fue nada más llegar al salón de actos y ver sus grandes dimensiones, y el pantallón acorde con ellas donde íbamos a proyectar nuestros Power Point. La segunda, más grata aún, fue descubrir un auditorio muy nutrido de bastante más de cien personas; la tercera, descubrir a lo largo de las dos jornadas en las que he estado que a los presentes, la mayoría de veinte o veinte pocos años, no sólo les interesaba descubrir el cómic, sino que ya lo conocen, y en algún caso mucho más de lo uno podía imaginar.

La primera conferencia, 9:30 del lunes, correspondía a Toni Guiral, que hizo primero una introducción sobre el medio, explicando brevemente sus orígenes (Toni lo definía como medio de comunicación, y medio impreso además, situando sus comienzos en el siglo XIX; Töpffer sería para él primer historietista propiamente dicho) y sus distintos soportes y formatos, destacando además obras de distintos momentos históricos y mercados (norteamericano, francobelga y español).

Toni seduciendo a inocentes

Le seguí yo mismo, a eso de las doce y cuarto, con la conferencia que los organizadores (Andrés Oliva y Daniel de Partearroyo) me habían pedido, en concreto sobre recursos narrativos del cómic. Una charla difícil de abordar para mí en cuanto a metodología; al final elegí seleccionar ejemplos históricos variados, con páginas de distintos autores y mercados (norteamericanos, francobelgas, españoles, japoneses) agrupadas por los temas que quería tratar: diseño, planificación, dibujo, globos y cartuchos de texto, onomatopeyas y, finalmente, símbolos cinéticos, metáforas visuales e ideogramas (esto último se me quedó en el tintero porque era ya casi la hora de comer y había que ir cortando).

El lunes por la tarde, tras la proyección del documental CRUMB de Terry Zwigoff, Santiago García dio una charla espléndida sobre una parte de lo que cuenta en su ensayo histórico LA NOVELA GRÁFICA, de inminente aparición (a ver si se publica que ya tengo ganas de leerlo). En concreto, también por petición de la organización, lo centró en el desarrollo del cómic de autor desde el comix underground y sus antecedentes (con especial énfasis en el padre de los underground, o sea, el grandísimo Harvey Kurtzman y sus revistas MAD, TRUMP, HUMBUG y HELP!) hasta llegar a los autores de novela gráfica contemporánea pasando antes por los alternativos de los 80 y 90 (y el MAUS de Spiegelman como piedra fundacional). La verdad es que Santiago nos descubrió bastantes cosas, al menos a mí, incluyendo alguna historieta de Crumb que no conocía (en plan diagrama, un antecedente del que probablemente tomó buena nota Chris Ware) y ejemplos súper bizarros de comix underground de los setenta, entre ellos un AMPUTEE LOVE (amor amputado) y sus escenas de sexo a tutiplén entre gente, eso mismo, amputada, y un psicodélico TALES FROM THE SPHINX que parecía dibujado directamente por un ser de otra dimensión.

(foto de Mireia Pérez)

El martes Toni ha vuelto a la carga con otra conferencia, y aquí ha triunfado en un grado realmente sorprendente. Su charla, magnífica, consistía esta vez en un completo recorrido sobre la Escuela Bruguera, un tema del que es uno de los principales expertos en este país. Además de destacar a los principales autores de Bruguera, Toni ha hecho mucho hincapié en cómo los permisos administrativos y la posterior censura franquista condicionó las publicaciones de Bruguera, en las relaciones e influencias de los autores y en un montón de cosas más. Como colofón, los asistentes han participado hasta un punto para mí flipante: no sólo conocen a muchos personajes bruguerianos por haberlos leído a finales de los ochenta o principios de los noventa, los años de su infancia, sino que han hecho bastantes preguntas y demostrado un verdadero interés por saber más de una parte de la cultura de nuestro país, en este caso sobre las historietas que coparon gran parte del mercado español durante décadas hasta formar parte del imaginario colectivo de varias generaciones. Tras esta charla, Óscaraibar ha presentado -acompañado por Toni- su largometraje EL GRAN VÁZQUEZ, que gira en torno a la vida de Vázquez y la editorial Bruguera, del que hemos podido ver no exactamente el trailer sino más bien un clip con un montón de imágenes y pequeñas secuencias. Sinceramente: tengo muchas ganas de verla por diversas razones, y la principal es que, para variar, se trata de un filme que no te cuenta mitos ajenos sino autóctonos, procedentes además de la historia del medio que amamos, cultivamos y hemos elegido para expresarnos.

(foto de Santiago García)

Por la tarde, charla de Juan Díaz Canales sobre el proceso creativo de BLACKSAD (la serie que realiza junto a Juanjo Guarnido) en la que he tenido ocasión de enterarme de los muchos condicionamientos industriales a los que se ven sometidos como autores. Cuando acabó tuvo incluso una cola improvisada para firmar ejemplares de BLACKSAD. A continuación, Juanjo Sáez presentaba ARRÓS COVAT, la serie de animación que ha creado para TV3, de la que se han proyectado cuatro episodios (son cortos, de unos diez-trece minutos), el primero doblado y los demás subtitulados al castellano. En el coloquio Juanjo ha hablado de los condicionamientos de producción (él también), del proceso creativo (entrega los guiones en forma de cómic completo, incluso coloreado por Vanessa Cabrera), de las diferencias de lenguaje entre el cómic y la animación y también, ante preguntas mías y del respetable, de cómo una serie de argumento convencional como ésta (comedia de situación sobre enredos sentimentales) se convierte en algo original y especial (esto lo digo yo porque así lo pienso) por la forma, enésima demostración de que la forma es contenido y que, de hecho, no tiene sentido distinguir "forma" y "contenido" porque ambos van unidos. De la forma en esta serie animada, Juanjo ha comentado entre otras cosas su intención original de usar algunos recursos del cómic, entre ellos los bocadillos y el marco de la viñeta (los episodios están realizados todos con un gran marco blanco en el que se inserta la secuencia animada, contenida en una "viñeta", que a veces se multiplica en dos o tres). También entre esos recursos formales se encuentra por supuesto su estilo de dibujo, donde reside buena parte de la gracia de su trabajo.

Juanjo visto por la cámara de Santiago




A eso de las 20:00 me he tenido que marchar a mitad de la actuación de Miguel Noguera, un original show cómico donde, a partir de la proyección de distintos dibujos (muestra de abajo), Noguera desarrolla un monólogo de altos vuelos con tintes surrealistas y deconstructivistas que tiene algún punto de contacto con el discurso de los cómics de Miguel Brieva.

Noguera en plena "acción" (Fotopress Santiago)

Si estáis por Madrid, sólo puedo animaros a acudir a las jornadas porque siguen en marcha hasta el viernes, y aún quedan por celebrarse un montón de actos. La organización me ha parecido inmejorable, lo digo de verdad, y es que no sólo el programa es coherente e interesante, es que todo se desarrolla según lo previsto con un alto nivel entre todos los participantes (hablo de lo que he visto en los demás). Está feo que lo diga alguien que, como yo, ha participado, pero creo que es un poco lo que hemos sentido todos allí: cuando se organizan actos sobre cómic como estas jornadas, todos los que participan procuran volcarse para que la cosa salga bien, deseando gustar, que al público le interese, le parezca un tiempo bien aprovechado, aprenda cosas sobre el cómic o bien profundice en las que ya sabía. A veces los complejos (en este caso el tradicional que llevamos a cuestas, derivado de la marginalidad cultural del cómic) sirven para esforzarse por superarlos, y en ese esfuerzo es precisamente donde está la gracia del asunto. Como siempre, en el camino que se anda, en el viaje. De momento para mí, el que acaba ahora que el AVE está entrando en Málaga.

"PERO ESTO ES COMPLICADÍSIMO DE HACER, ¿NO, PROFE?"

Ayer temprano di una charla en un instituto de secundaria de un pueblo de la provincia de Cádiz, San Martín del Tesorillo. La charla iba sobre mi trabajo en el cómic (la foto de arriba la he sacado de internet, no corresponde a lo de ayer) y aproveché también para contarles a los chavales algunas nociones generales sobre el cómic (diseño, planificación, estilos de dibujos, etc.). Al grano. La experiencia fue maravillosa. No ya solamene por cómo me atendió Adriana, la profesora de Lengua y Literatura que organizó la charla, y sus demás compañeros, también por la recepción de los chavales. Raramente he dado clase a chavales tan jóvenes (15 años de media), pero prestaron mucha atención, no dieron demasiada guerra y, a juzgar por las risas (sobre todo cuando salía alguna página o viñeta "picante" en el Power Point), creo que se lo pasaron bien. Luego estuvimos hablando todos los profes a solas, en la sala de profesorado, del estado actual de la enseñanza. Me contaron sus problemas, que a rasgos generales coinciden con lo que ya me han contado otros compañeros que dan clase en primaria y secundaria. Mientras ellos las pasan putas intentando que los chicos aprendan mínimamente algo, la Administración solo se preocupa de que el índice de suspensos baje como sea. Aunque sea regalando el aprobado. Absurdo, así vamos. Tampoco me extraña el gran éxito que ha tenido en estas semanas GRAN TORINO, ahora mismo la película más taquillera a este lado del mundo: un viejo educando a base de disciplina y valores a un joven al que no "regala el aprobado" precisamente. Entretanto, en la vida real, los padres de alumnos problemáticos suelen ponerse de parte de sus hijos pasando por encima del profesor si hace falta. Sin embargo, uno de los profes del Instituto me comentaba con un conmovedor sentido de la responsabilidad que "la culpa de esto es de todos", incluyéndose a ellos mismos. El resultado ya lo estamos viendo en la universidad, por cierto: alumnos que no quieren estudiar, problemas de disciplina y mala educación con alumnos aniñados a los que hay que mandar a callar constantemente como si tuviesen 16 años cuando tienen ya 20 (o más), alumnos a los que les cuesta entender cualquier concepto mínimamente abstracto, que no saben tomar notas ni resumir, que no saben redactar, que no quieren estudiar con libros sino solamente "a base de apuntes" (apuntes que tampoco saben tomar en clase)...

imagen de LA CLASE (ENTRE LES MURS, 2008), película de Lauren Cantet

Pero no era de esto de lo que quería hablar realmente. Porque yo ayer durante la charla no tuve ningún problema, los chicos eran majos y poco revoltosos. Sí quería contar lo del tema cómic. Adriana, la profe de Literatura y mi anfitriona, me contó que los chicos apenas usaban la biblioteca... hasta que han pedido la primera remesa de tebeos. Desde que han entrado cómics en la biblioteca, los chicos se han interesado por leer. "Ha sido un éxito total", me decía Adriana. No solamente por el manga, por cierto; en esta primera remesa tenían un poco de todo: BLACKSAD (les encantó), MORTADELO, BLUEBERRY, algo de Miguelanxo Prado, superhéroes americanos, algo de Tezuka y otros japoneses... Y de ese interés de los chavales vino un poco la iniciativa de Adriana por conseguir a alguien que diera una charla sobre tebeos.

En verdad los chavales me prestaron atención e hicieron preguntas al hilo de la presentación, que cómo se hace esto, cómo se hace lo otro... "Pero esto de hacer cómics es complicadísimo, ¿no, profesor?", me preguntó uno de ellos con mucho tino. Le mentí un poco para no quitarle las ganas de dibujarlos, si las tenía. No, no es tan complicado, le dije, sólo hacen falta las ganas, que te guste, luego ya vas aprendiendo poco a poco... En realidad el chaval tenía toda la razón del mundo. Hacer tebeos no es una disciplina fácil, exige conocimientos en distintas áreas. Escritura, diseño, dibujo, color si es el caso... Luego, al leer el tebeo, aquello parece que lo hace cualquiera, y ahí está realmente el arte del cómic. Pero, como decía McCloud, se trata de un arte invisible. Porque hacer tebeos es bastante más sofisticado de lo que parece.

Tras la charla, paseo por el pueblo de la mano de la maravillosa Adriana, que me lleva a comprar naranjas a una cooperativa local. Están buenísimas, he desayunado esta mañana con ellas. Me he zampado tres.