11-S 2011

La portada que ha dibujado Ana Juan para el New Yorker de esta semana, comentada por la autora. En el mismo enlace, Françoise Mouly comenta también otras portadas del semanario sobre el 11-S.

IDENTIDADES

LA PIEL QUE HABITO, sin estar bien resuelta del todo, en toda su gloriosa imperfección, creo que es lo mejor que ha hecho Almodóvar en años. En bastantes años. Es sorprendente, chocante, grotesca (para bien), tragicómica hasta un punto desvergonzado, tan increíblemente atrevido que parece el debut de un joven arrogante que quiere comerse el mundo. Pero no, la película la ha firmado un tío que ya ha pasado de los 60 años. De esto último hablo enseguida. LA PIEL QUE HABITO es también cine abstracto y artificioso, antirrealista, pero luego de repente es naturalista, cuando al director le apetece y le parece bien meter una nota costumbrista de las suyas (en realidad es costumbrismo a su estilo, universo almodovariano, fantasía basada en la realidad), cambiando el tono una y otra vez, y luego otra vez, a su puta bola. Es un sorprendente pastiche de géneros y de no-géneros, aquí vamos del culebrón al melodrama y luego al suspense y al terror y tiro porque me toca, y de ahí al simple y llanamente mundo-almódovar, que es un "género" en sí mismo. Es decir, no es género en realidad. Es material libre, que usa clichés y convenciones de género a su antojo sin dejar atraparse en ellos para hablar de sus temas personales. Material que vuelve una y otra vez a las obsesiones temáticas del cineasta manchego, como todo verdadero autor. Las mismas que estaban en ÁTAME (1989), y las mismas que estaban en LA MALA EDUCACIÓN (2004) y otras. LA PIEL QUE HABITO quizás no llegue a las alturas de la primera, que en su compleja sencillez me parece una obra maestra absoluta, pero es desde luego muy superior a la segunda. La presencia de Antonio Banderas une a ambas películas, y me parece llamativa la capacidad de Almódovar para sacarle lo mejor al malagueño, que está aquí espléndido, como lo está Elena Anaya, una actriz extraordinaria. Ambos encarnan en este thriller grotesco los temas personales del autor. Que son, en el caso de Almodóvar, los extraños lazos que crea la ley del deseo en las relaciones humanas por un lado; la identidad en general, y sexual en particular, por otro. Sospecho que a Foucault le habría gustado esta película si hubiera tenido oportunidad de verla. Sí, aquí hay tema. Vaya si hay tema. Otra cosa es que críticos como Carlos Boyero se percaten.

Boyero, ah, Boyero. Solamente en el primer párrafo de su crítica de este viernes en El País ridiculiza la promoción de la película (a ver si ahora un artista no puede promocionar su obra, sobre todo teniendo en cuenta que hablamos de cine, un medio caro que necesita atraer público), a David Lynch y a las ambiciones artísticas (con dos cojones) de Almodóvar. Todo ello con una saña que parece ya personal. Como si Almodóvar, y Lynch de paso, le agredieran con sus películas. Luego confiesa que no ha vuelto a ver la peli ahora, que le basta con el recuerdo de su proyección en Cannes el pasado mayo para escribir su crítica de este viernes. Ahí, profesionalidad a tope, que se note. O, más bien, su no-recuerdo de LA PIEL QUE HABITO, porque en el texto confiesa cínicamente –sabe perfectamente lo que hace– que ninguna imagen de esta película se le quedó incrustada en la memoria. Oh, vaya, seguro, ni una sola. Como si esta película no tuviera imágenes. No se trata de que no le guste la película, tiene todo el derecho del mundo a que no le guste, y a decirlo. Se trata de las formas para criticar, de la falta de argumentos y, sobre todo, de la miopía (sensibilidad) que demuestra para entender lo que está viendo. Que luego no le guste, vale. Pero no lo entiende, para mí está claro leyéndole. Por supuesto, acude al viejo truco del crítico mediocre: "debe ser cosa mía, que no me entero", "no tendré la inteligencia que demuestran los demás al aplaudir esto". En realidad está diciendo que él es más inteligente que esa "masa" que se deja "seducir por la vacuidad pretenciosa", naturalmente, y apela a la misma inteligencia de sus lectores con un codazo de complicidad. Un truco más antiguo que las MITOLOGÍAS (1957) de Barthes, donde ya lo desmontó con gran ironía.

Pero bueno, no merece la pena seguir con ese tema. Lo que sí merece la pena es disfrutar del festín sensorial de imágenes y sonido de LA PIEL QUE HABITO, que solamente ya por eso es una obra muy a tener en cuenta, con la espectacular música de Alberto Iglesias y con los pequeños detalles periféricos, esos secundarios almodovarianos, esas notas de humor en sentido estricto. Lo que sí merece la pena de verdad es ir al cine a desconcertarse con ella, a quedarse perplejo y no saber si reír o llorar con sus abundantes grotesquerías. Totalmente deliberadas, se diga lo que se diga. El tópico "provoca risas involuntariamente" corre por la red, pero en este caso es mentira. Me comentaba R. que es un poco triste que tenga que venir una vaca sagrada como Almodóvar a hacer películas tan libres, tan chifladas y tan "auténticas" como ésta, mientras los jóvenes cineastas aspiran a imitar a directores americanos, aunque sean buenos. Tiene toda la razón. Que esto lo haga a su edad, cuando ya no tiene nada que demostrar, sólo nos demuestra, valga la redundancia, la honestidad de Almodóvar, la lealtad a sí mismo, la verdad de su vocación artística. Esto es, realmente, cine libre, con todo el derecho del mundo a pegarse la hostia porque está hecho sin red. Con un par de cojones. O, bueno, con un coño bien puesto.

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Next: comics again.

LA RISA

Lo más valioso que me traje a casa fue una cita de Golda Meir: «No sea tan humilde; no es usted tan importante», le dijo a un diplomático que la visitaba cuando era primera ministro de Israel.

Lo escribe Santiago García en su blog Mandorla, a propósito de otro asunto. Concretamente, de una exposición sobre la risa titulada WHAT MAKES US SMILE?

UN 11 DE SEPTIEMBRE

"Algunos querían hablar todo el tiempo de lo que había pasado; otros no volvieron a decir una palabra de aquello. Pero afloró a la superficie durante semanas y meses, en sus redacciones y sus dibujos".

En toda la ciudad, agravando el sentimiento de pena y desesperación que los adultos no lograban dejar de transmitir a los niños, aparecieron carteles improvisados con las fotografías de personas desaparecidas, a medida que sus familiares clamaban y se aferraban a creer lo -en casi todos los casos- increíble: que sus seres amados que habían estado en el World Trade Center entre las 8.46 y 9.02, el momento en el que chocó el segundo avión, podían estar todavía vivos en algún sitio al día siguiente, dos, tres, cuatro días después.

La sensación general era que aquello no era más que el principio, que Estados Unidos estaba "siendo atacado" y "en guerra", como dijeron los dirigentes políticos; que el terrorismo iba a ser el pan de cada día para los neoyorquinos y para todos los estadounidenses. Algunos reaccionaron, como parte de los alumnos de Anna Switzer, refugiándose en una lúgubre introspección; otros se dejaron llevar por el espíritu de "comamos y bebamos, que mañana moriremos". Muchos residentes en la ciudad se dieron a la bebida y la promiscuidad, como si creyeran que el fin del mundo estaba cerca. La herida más profunda y extendida fue la que sufrió la vieja y querida creencia de que dentro de Estados Unidos estaban a salvo de los horrores que acosaban al resto de los habitantes del mundo. Aparte del ataque japonés contra Pearl Harbour (Hawai), en 1941, este era el primer ataque de enemigos extranjeros en el "suelo patrio" estadounidense. La población sufrió un aturdimiento cósmico. Habían derribado los muros de su jardín americano; se sentían perplejos, violados, indignados. Y con un deseo nacional de venganza.

Extraordinario reportaje de John Carlin a propósito del décimo aniversario de los atentados del 11-S. En El País Semanal, sigue. Abajo, la portada de The Economist de esta semana




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Más: galería de portadas sobre el 11-S

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Enlazo también el artículo que el mismo John Carlin publicó en El País hace 10 años, justo al día siguiente de los atentados, y que Rockdelux volvió a publicar en octubre de 2001 con ilustraciones mías. Aquí

EL HOMBRE Y EL MITO

Un dibujo a lo De Chirico/Gallardo que hice hace unos meses. Ilustraba un artículo conmemorativo de los 30 años de la muerte de Bob Marley que escribió Dr. Decker para Rockdelux.

LOS LÍMITES REALES DE LA LIBERTAD DE EXPRESIÓN

Hace dos años, la crisis de las caricaturas danesas sobre Mahoma planteó con crudeza un debate que las democracias occidentales aún no han resuelto, quizás porque no puede ni debe resolverse definitivamente, el de los límites a la libertad de expresión. Un debate que se reabría en nuestro país el pasado 20 de julio a raíz del secuestro judicial de un número de ‘El Jueves’, la clausura temporal de su web y la apertura de diligencias penales por injurias a la Corona. La causa: una portada hoy famosa internacionalmente obra de Manel Fontdevila y Guillermo que caricaturizaba a los príncipes. En noviembre se dictaba en tiempo récord una sentencia que -aunque será recurrida- les condena a pagar 3.000 euros de multa cada uno y, de momento, les da pasaporte directo hacia el registro policial de antecedentes penales.

Los autos judiciales de julio, dictados a instancia de la fiscalía, pusieron de manifiesto varias cosas. La primera es que hoy día el secuestro judicial de una publicación constituye una noticia insólita dentro y fuera de España, vista su repercusión a la que sin duda contribuyó en gran medida la difusión por internet, que por cierto ha convertido en ineficaz y obsoleta este tipo de medidas judiciales una vez que la publicación ha llegado al lector. Hace menos de tres décadas los secuestros judiciales eran aún frecuentes gracias a una judicatura todavía con resabios del autoritarismo franquista, pero hoy resultan extraños: el último secuestro de un número de ‘El Jueves’ fue ordenado hace… 21 años. Y se trata de una medida excepcional no sólo a ojos de la opinión pública, también jurídicamente porque la Constitución prohíbe la censura previa y por ello el secuestro debe estar justificado para proteger cautelarmente a terceros afectados. En segundo lugar, el debate público subsiguiente reveló hasta qué punto no se tienen claros los límites de la libertad de expresión. En las opiniones vertidas abundaron las medias tintas y las actitudes hipócritas o de doble moral, y éstas no siempre procedían de “periodistas” de reputación dudosa –algunos tertulianos de programas del corazón justificaron la actuación judicial alegando que el chiste era “muy grosero”– sino también de periodistas reputados e incluso de algún colega de profesión de los humoristas que consideró que “se habían pasado”. Vaya por Dios. Sin embargo, no pocos de tales opinantes habían apoyado sin reparos en 2006 la libertad de expresión de los caricaturistas daneses frente al fanatismo e intolerancia religiosa. Ahora en cambio afirmaban que el chiste de ‘El Jueves’ era “un insulto intolerable” e incluso confundían el dibujo con la realidad o con una foto robada. “Ceci n'est pas une pipe”, repitamos con Magritte. Los reproches más repetidos hacia los caricaturistas fueron los de “zafios” y “groseros”, incluso entre quienes decían apoyar su libertad de expresión. Curiosamente sólo ahora, tras la sentencia condenatoria, algunos de esos defensores del buen gusto empiezan a percatarse de que lo relevante no era la calidad o “mal gusto” del chiste, sino los límites a la libertad de expresión que nos afectan a todos: sólo ahora se dan cuenta de que pueden poner sus barbas a remojar porque la sentencia constituye un precedente peligroso. Al fin y al cabo, las libertades de expresión y de creación artística no sólo están para proteger sus manifestaciones más “sublimes” o de “buen gusto”, puesto que tales valoraciones siempre son subjetivas y dependen del observador, sino también para amparar lo que para algunos –pero puede que no para otros- constituyen expresiones “groseras” o de “mal gusto”. Todos podemos pensar que determinados políticos, periodistas o artistas resultan groseros o zafios en el ejercicio de su libertad de expresión, pero no por ello hay que secuestrar sus obras, cerrar sus medios de comunicación o perseguirles penalmente.

PONIENDO PUERTAS AL CAMPO
Sin embargo, lo anterior no puede llevar a concluir que la libertad de expresión sea absoluta o ilimitada. El artículo 20 de la Constitución menciona esos límites: el respeto a los demás derechos constitucionales y, especialmente, el derecho al honor, a la intimidad, a la propia imagen y a la protección de la juventud y la infancia. Son frecuentes los conflictos en los que debe ponderarse la libre expresión con otros derechos -habitualmente, el del honor o la imagen de quien se critica o parodia-, y corresponde a los tribunales dilucidar si ha existido un ejercicio legítimo de la libertad de expresión o bien una extralimitación. Ningún derecho es ilimitado, así lo ha reiterado nuestro Tribunal Constitucional. Sin embargo, según el mismo Tribunal el derecho fundamental a la libertad de expresión goza de una posición –y protección- preferente porque constituye un pilar básico de la democracia en cuanto garantía de una opinión pública libre y del pluralismo político. Y por eso tiende a prevalecer cuando los criticados ejercen cargos de autoridad pública, porque entonces su derecho al honor y a la imagen se “debilita” (sic), según el Tribunal Constitucional, y quedan más expuestos a la información, la crítica y la sátira. Además, en caso de imputarse un delito de injurias debe probarse que hubo auténtica intención de ofender o denigrar, la cual queda excluida por el animus iocandi si la expresión deshonrosa se hizo con intención de bromear en un contexto humorístico en el que nadie podía tomársela en serio.

Sin embargo, nada de eso se ha aplicado en la sentencia sobre ‘El Jueves’ porque, así se deduce de su texto, el objeto del chiste no era una autoridad pública cualquiera sino un miembro de la familia real. Y ésta se encuentra protegida por un delito específico de injurias con mayores penas (hasta dos años de cárcel o sólo multa, dependiendo de las circunstancias), delito que no existe en otras monarquías parlamentarias como el Reino Unido o Suecia, donde no hay una protección especial y, al igual que en otras monarquías europeas, las críticas a la familia real son tan frecuentes como intensas. Por supuesto, en países con jefes de Estado elegidos democráticamente como Francia o Estados Unidos sería inconcebible procesar al autor de una caricatura similar. Al final hemos vuelto a topar con el problema esencial de la monarquía parlamentaria: cómo casar el principio democrático de igualdad con los privilegios de una institución hereditaria. En la práctica, este intento de amordazar las críticas penalmente, sea en el caso ‘El Jueves’ o en las diligencias abiertas en enero de 2007 contra un fotomontaje del Rey en el suplemento satírico del diario ‘Deia’, sólo parecen provocar un aumento de manifestaciones antimonárquicas, véase la reciente quema de fotos en varias ciudades catalanas. Estas medidas penales, además de resultar desproporcionadas y limitar injustificadamente la libre expresión según destacados juristas, están favoreciendo tratos discriminatorios: si el que critica al Rey es Anasagasti o Jiménez Losantos -y éste último incluso podría haberle calumniado-, la fiscalía no actúa.

¿Qué es lo que ha cambiado desde la época del silencio mediático que dejaba libre de toda crítica a la Casa Real? Parece que los años transcurridos desde la incorporación a la legitimidad constitucional de esta monarquía, que en origen fue un legado del anterior régimen, y más concretamente desde que el Rey reforzó su legitimidad popular a raíz de su actuación en el 23-F, no han pasado en balde, y el aura de intangibilidad que le otorgó su papel en la transición ha terminado por desaparecer. Posiblemente porque ese papel, el de puente entre la dictadura franquista y un nuevo régimen democrático que restituyó al que había sido interrumpido por la fuerza en 1936, no por casualidad una República, ya ha sido cumplido. El problema no va a solucionarse sentando a caricaturistas en el banquillo penal. Quizás haya llegado la hora de reabrir el debate sobre la forma política de España, porque puede que ése sea el auténtico problema de fondo. O que lo sea en un futuro próximo si las cosas siguen el rumbo actual.

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Ya que sacaba al final del post anterior la cuestión de la censura y la persecución penal de caricaturistas, rescato ahora este artículo. Se titulaba LOS LÍMITES REALES DE LA LIBERTAD DE EXPRESIÓN y lo publiqué en la revista Rockdelux en diciembre de 2007, a propósito del caso suscitado por la famosa portada de El Jueves de Manel Fontdevila y Guillermo, publicada en julio de ese mismo año.

La portada que motivó el secuestro en 2007 y el póster que El Jueves publicó al año siguiente para recordar el primer aniversario del caso
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(Foto de Guillermo y Manel sentados en el banquillo en 2007, en el blog de Forbidden Planet)

LA SÁTIRA TIENE PELIGRO

Acabo de ver una amplia muestra de viñetas de Ali Ferzat, el dibujante sirio de 60 años que fue atacado hace pocos días. Unos matones le dieron una paliza, le partieron dos dedos de una mano y el brazo derecho. Los agresores le amenazaron con romperle las dos manos para que no pudiera volver a trabajar. Le dejaron herido, maniatado y con una bolsa en la cabeza en las afueras de Damasco.

Lo que originó la brutal paliza a Ali Ferzat fueron dibujos como los que podéis ver en el blog La mirada del mendigo

(gracias por el enlace, Juan Carlos)

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blog de Ali Ferzat

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Naturalmente, cuando leí la noticia me acordé de otros casos de caricaturistas del pasado, encarcelados, enjuiciados o atacados por señalar con el dedo de la sátira la desnudez del emperador. En otras palabras, por desmontar el lenguaje del poder. Aquí, en las democracias occidentales contemporáneas, estos estilos tan violentos de censurar están ya muy pasados, por supuesto, dan demasiado el cante. Aquí se lleva mejor, es más elegante y eficaz, la querella o demanda, infundada pero a veces ganada, o bien la presión privada para retirar (censurar) artículos de la web. En la era de internet, esto es posible. Y se hace.

AMY

QUÉ ESTÁ PASANDO

La distancia que va de 1971 a 2011. Ecos de crisis del pasado.

(la letra de la canción, la historia del álbum mítico al que dio nombre, y del final de la vida de Marvin Gaye, ya la conté aquí)

Buenos días.

EL ANTI-STAN

"Pero a pesar de toda su habilidad organizativa, Shooter también desarrolló una reputación como tirano. Aparentemente, había cogido algo de su viejo mentor en DC, Mort Weisinger; una maña para hacer enemigos y alienar a los empleados. [...] Shooter enderezó el barco de Marvel y aumentó la rentabilidad de la empresa, pero en el proceso se convirtió en el personaje más odiado de los cómics. En modales y temperamento, Shooter era el anti-Stan. Aunque compartía con Lee sus instintos para el mercado, le faltaban su gracia y encanto. En sus buenos tiempos, Stan podía criticar un guión, pedir una reescritura, y aún así hacer sentir al guionista como si le hubiera tocado la lotería. Shooter, por el contrario, era brusco y condescendiente. Devolvía las hojas de prueba de los comic books marcadas con notas duras y grados, por ejemplo, "C-menos. Ven a verme". El sentimiento negativo hacia Shooter alcanzaría una cota febril a mediados de los ochenta durante una batalla prolongada con Jack Kirby, a propósito de la negativa de Marvel a devolverle miles de sus páginas originales. Unas semanas después Shooter dejó Marvel a comienzos de 1987; los empleados se reunieron para quemar su efigie. Hasta hoy, sigue siendo un paria en la industria del cómic".

Sin ánimo de seguir citando el libro STAN LEE AND THE RISE AND FALL OF THE AMERICAN COMIC BOOK (2003, Chicaco Review Press, p. 204), me ha parecido interesante completar el post anterior con este otro extracto del libro de Jordan Raphael y Tom Spurgeon.

Arriba, Stan Lee y Jim Shooter respondiendo a las preguntas durante una convención de cómic. La foto no viene fechada, pero debe ser de finales de los setenta, primeros ochenta. La he escaneado del libro de Raphael y Spurgeon, aunque la fuente original -y así viene acreditada, "cortesía de"- era The Comics Journal, donde apareció publicada originalmente.

THE MAN AND THE KING

"Stan Lee nunca había creado nada solo. Como escritor trabajando en un medio visual, dependía de los dibujantes para dar vida a sus ideas y palabras. Para Lee, el periodo más significativo del periodo fértil de tebeos de monstruos de 1959-1961 fue el establecimiento de dos relaciones creativas que más tarde le impulsarían a sus mayores logros. Jack Kirby, un gigante de la industria, era de lejos el mejor dibujante en los tebeos de monstruos de Goodman. Steve Ditko, un relativamente recién llegado al medio, demostraba un ímpetu y consistencia visual que pronto le establecieron como un talento a no perder y una sólida opción después de Kirby y Don Heck. [...] Cuando Jack Kirby regresó en serio a la línea [de cómics] de Goodman en 1958 y se hizo cargo del trabajo como principal dibujante de la compañía, se encontraba a mitad de camino de una carrera que, como los Will Eisner, Harvey Kurtzman y Carl Barks, había definido el comic book americano. Como Kurtzman, Kirby había tenido su impacto en múltiples géneros. [Kirby fue además una de las principales influencias de Kurtzman]. [...] Si para Stan Lee los superhéroes Marvel de los 60 representaban un periodo desconocido de creatividad después de años de lo que él mismo describía como trabajo rutinario, para Kirby la línea de superhéroes Marvel era un periodo significativo de inspiración entre muchos. Para Lee, Marvel llegaría a serlo todo; para Kirby, Marvel fue la tarde jubilosa de un día largo en los cómics. La carrera de Jack Kirby durante los años 1941-1961 era todo aquello que la de Stan Lee no había sido".

Lo anterior lo escriben Jordan Raphael y Tom Spurgeon en su monografía STAN LEE AND THE RISE AND FALL OF THE AMERICAN COMIC BOOK (2003, Chicago Review Press, pp. 64-65). Si alguien que no conozca el libro está pensando que "no son muy objetivos" con Lee o que estamos ante unos "fans locos" de Kirby, se equivoca por completo. El libro está dedicado precisamente "Para Stan" y le reconoce en diversas ocasiones como uno de los guionistas-editores más importantes de toda la historia del comic book americano. Para documentarse previamente, el periodista Jordan Raphael y el responsable de The Comics Reporter, Tom Spurgeon, investigaron a fondo, entrevistaron a colegas de profesión y amigos de Lee y bucearon en los Archivos Stan Lee de la Universidad de Wyoming. El objetivo era escribir una biografía "definitiva", rigurosa, analítica y documentada, realizada con una visión profesional, no de fan, sobre Stan Lee. Yo creo que lo consiguieron. En otras palabras, la cita de arriba es una opinión a mi juicio muy ponderada y bastante cercana a la verdad. Suponiendo que haya una sola verdad, lo cual sería mucho suponer, etcétera. No sólo eso, la opinión de Raphael y Spurgeon sobre la carrera Stan Lee y la de Kirby previa a Marvel es ampliamente compartida por otros estudiosos del comic book americano. Yo al menos he leído opiniones parecidas en varios libros serios sobre el tema.

¡LIBERTAD!

Contra todo pronóstico, ha cambiado la animación por la acción real. ¿Quería alejarse de terrenos conocidos?

Después de un fenómeno como Persépolis, todo el mundo quiere que hagas Persépolis 2. Pero yo soy artista para no tener que hacer siempre lo mismo. Si no, me habría hecho funcionaria de la Administración. Quiero preservar la libertad de hacer lo que me venga en gana y poder utilizar los desafíos como motor creativo. En este caso, el gran reto consistía en usar un lenguaje que no dominábamos. Pero aprendimos rápido, porque no somos tontos del todo...

Marjane Satrapi, entrevistada hoy por Álex Vicente en Público, a propósito de su nueva película codirigida con Vincent Paronnaud (adaptación de su novela gráfica POLLO CON CIRUELAS), sigue

(vía Entrecomics Twitter)

Satrapi y Paronnaud
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Trailer de POULET AUX PRUNES

PRÍNCIPE VALIENTE, DE NUEVO

"Planeta DeAgostini te ofrece una colección de libros que reúnen todas las páginas dominicales de la serie “Príncipe Valiente en los días del Rey Arturo” desde la primera plancha, fechada el 13 de febrero de 1937, hasta la nº 3.908, prevista para el 25 de diciembre de 2011, por fin, en una edición completa y con su color original restaurado.

Cada libro, de gran formato, reúne el material producido en un año, a partir de 1937, recogiendo todo el trabajo de su creador y también el de sus continuadores, hasta la actualidad. Con esta colección se celebra el 75º aniversario de uno de los cómics imprescindibles de la historia.

Además se ofrece con el color de la edición original estadounidense gracias a un excelente trabajo de restauración del color, viñeta a viñeta y a partir del material publicado en las páginas dominicales de los periódicos para poder disfrutar con total autenticidad de la obra tal como su creador la imaginó.

Todas las aventuras del Príncipe Valiente y todos sus compañeros de aventuras. Su familia: Aleta, Karen, Valeta, Arn, Galan y Nathan. Sus aliados Gwain, Merlín, Boltar el vikingo y el Rey Arturo. Y sus enemigos: Sligon, Morgan Le Fey, el ogro del bosque de Sinstar, los saqueadores de vikingos y los conjuradores de sajones. Surgidas de la imaginación de Hal Foster, John Cullen Murphy y Gary Gianni.

Cada volumen se complementa con un artículo especializado, creando así una colección de artículos que tratan en profundidad la obra, el ambiente, la técnica, y toda la genialidad de Hal Foster, su creador

Suscríbete a la colección y consigue fantásticos regalos. La primera entrega podrá ser tuya por tan solo 2,99€. Con el nº 2, dos libros por sólo 7,99. Y además, si te suscribes a través de Internet participarás en el sorteo de 5 iPad 2 de Apple".

Lo anterior es la nota de prensa sobre la nueva edición de PRÍNCIPE VALIENTE en España, esta vez en formato coleccionable y a la vez con la intención de completar toda la serie, incluyendo por supuesto todo el material de su creador, Harold Foster, pero también el de sus continuadores, John Cullen Murphy y Gary Gianni. Y otra cosa importante: la edición es a todo color, tal como lo era la serie original, esta vez basado en el magnífico color de la edición alemana de la editorial Bocola. Es posible suscribirse desde este enlace

(También hay un video promocional muy curioso)



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Más sobre Harold Foster en Es muy de cómic, aquí

Más aún en Con C de Arte

GRAPHIC IS ABOUT CELEBRATION.

Este fin de semana ha sonado mucho en casa Kimbra, una joven cantante australiana cuyo álbum de debut se edita ahora en septiembre. Kimbra tiene todo lo necesario para ser una gran estrella, se escribe sus propias canciones desde que tenía 10 años y encima tiene una presencia tremenda. Soul de garganta blanca que combina tradición con modernidad, etc., resumiendo, que es muy buena.




Pero, he aquí LA CONEXIÓN CÓMIC, resulta que he descubierto a Kimbra, de la que no tenía ni idea hasta ahora, gracias al blog de Eddie Campbell. Resulta también que Kimbra y otros artistas invitados, entre ellos el propio Campbell, han estado en el Graphics Arts Festival celebrado en el Sydney opera House el pasado fin de semana. Otro dibujante invitado en cambio, Robert Crumb, decidió no ir a última hora por razones bastante desagradables. Cortesía de los, digamos, retrógrados-ignorantes-malintencionados de siempre. Los hay aquí y en las antípodas. Esto parece que no cambia por mucho que uno viaje.

Pero, centrándonos en lo positivo, Eddie Campbell señala en su blog que el gran acierto y atractivo de este tipo de festivales es combinar sin complejos el cómic y otras artes gráficas con conciertos y shows en vivo de diversos artistas.

"Graphic is about celebration, on-the-spot live entertainment, art and music, and going home with a grand and glorious feeling".

Hablando de Campbell, será uno de los protagonistas de un próximo post. Coming soon.

SUDOR SUDACA

Hay una cualidad insondable en los dibujos de Solano López. Son las texturas de sus trazos, la densidad de su acabado, casi una serie de imposibles "veladuras" a tinta china. Pero también y sobre todo la humanidad que hay en los rostros y miradas de sus personajes.

El dibujante argentino Francisco Solano López (1928-2011) murió el pasado 12 de agosto, pero yo no he podido escribir algo hasta ahora. Y quería hacerlo porque, aparte de ser un dibujante legendario y uno de los grandes historietistas indiscutibles del cómic (sud)americano, a mí su dibujo me resulta fascinante. El trabajo más célebre a nivel internacional de Solano López sigue siendo, por supuesto, EL ETERNAUTA (1957-59). Sorprendentemente, descubrí hace poco que no existe una traducción al inglés disponible de esta obra –o al menos yo no la conozco, que alguien me corrija si me equivoco–, lo que demostraría una vez más la insularidad del mundo anglosajón respecto al latino. Lo cual resulta paradójico en este caso, porque Solano López trabajó a destajo para el mercado inglés en los años 60 y 70, dibujando series semanales como KELLY'S EYE (KELLY OJO MÁGICO), ADAM ETERNO –cuyo guionista inglés se inspiró probablemente en el propio ETERNAUTA–, JANUS STARK, MYTEK y otras. En otras palabras, sospecho que si muchos lectores anglosajones tuvieran a mano una edición en inglés de EL ETERNAUTA, la iban a disfrutar mucho.

En la famosa EL ETERNAUTA, con guión de H. G. Oesterheld, Solano López se encontró a sí mismo como dibujante. Venía de sustituir en una serie anterior a Paul Campani, un epígono italiano de Milton Caniff cuyo estilo había tenido que imitar. Pero el guión de EL ETERNAUTA le pedía a Solano otro tipo de dibujo, menos icónico/simbólico, mucho más naturalista y concreto, material, no "ideal". Al fin y al cabo, el concepto básico de EL ETERNAUTA consistía en ambientar una invasión alienígena –un argumento de moda en la ciencia ficción de la época– de manera verosímil en las calles de Buenos Aires, con lugares reconocibles y personas que pareciesen de carne y hueso, no héroes "más grandes que la vida". Dibujando las páginas, sobre la marcha, Solano López se fue desprendiendo de los estereotipos gráficos aprendidos bajo la estela de Campani e improvisando nuevos recursos propios, en los que destacaba la expresividad y calidez que imbuía a sus personajes. En el acabado "sucio" de sus detalles y claroscuros estaba otra de las claves del tono de EL ETERNAUTA, aportando una cualidad "sudorosa", angustiosa, desesperada y a veces grotesca, lindando con el horror, que sentaba como un guante a la historia. Tal vez, durante el proceso compartido de trabajo, era el estilo gráfico de Solano López en las páginas de la semana anterior el que inspiraba a Oestesherld para escribir el guión del episodio de la semana siguiente y encontrar así, paulatinamente, en conjunto, la voz narrativa de la historia.

Solano López, todo el mundo que conoce su obra lo sabe, fue un dibujante mucho más que prolífico, alguien que trabajó a destajo y produjo miles de páginas. También le dio uno de sus primeros trabajos como ayudante a un joven José Muñoz, a quien dio consejos y animó a seguir en el cómic. Naturalmente, Solano López no dibujó solamente el tipo de material que significa EL ETERNAUTA. Al contrario, la cuestión en Solano es que fue un todoterreno capaz de adaptarse a diversos géneros, particularmente ciencia ficción y aventuras, pero también series juveniles donde predominaba el slapstick.

El historietista Lew Stringer ha subido a su blog una bonita muestra representativa del trabajo de Solano López para las revistas inglesas, demostrando de paso algo que he notado en estos días tras su muerte: que los británicos con la edad adecuada recuerdan muy mucho el trabajo de Solano en las revistas de la Fleetway, obviamente por haberlo leído en su juventud, y lo han reflejado dando noticia de su fallecimiento. Eddie Campbell también se ha hecho eco, y poco antes de eso había escaneado y subido a su blog una historieta de 1964 no identificada por la falta de créditos que, tal como acababa de descubrir entonces, fue dibujada por Solano López.

Solano López también realizó trabajos más, digamos, de autor o al margen de la producción industrial de consumo rápido. Dibujó guiones de Carlos Trillo Ricardo Barreiro y Carlos Sampayo, y durante una época publicó con editoriales norteamericanas que incluyeron a Fantagraphics. En ella realizó una adaptación del FREAKS de Tod Browning con guión de Jim Woodring. Junto a su hijo Gabriel Solano, dibujó historias como ANA –publicada también por Fantagraphics en Estados Unidos– e HISTORIAS TRISTES. En esta época Solano decide cambiar la herramienta de trabajo para entintar, lo que siempre afecta no sólo al acabado en sí, sino a la misma forma de dibujar. Solano decidía dejar el pincel para usar el rotring. Nuevamente, sentía la necesidad de desprenderse de estereotipos y mañas gráficas ya aprendidas con el pincel, una herramienta que permite trabajar más rápido y "dibujar menos" –es más facil "disfrazar" los defectos del dibujo con un pincel que con una plumilla o estilógrafo–, pero que ya no le servía para los nuevos matices que quería alcanzar ahora con el dibujo. En sus propias palabras,

"El pincel me obligaba a hacer los estereotipos gráficos de los que yo quería despegarme, y cuando vi el trabajo de Moebius, de Manara, y de otros compañeros de ellos en los Humanoïdes, me di cuenta de que el rotring, que es lo que varios de ellos utilizaban en ese momento, tenía la capacidad de obligar al ilustrador a dotar a la figura y al escenario de un rigor constructivo".

De HISTORIAS TRISTES precisamente quiero comentar ahora esta página que me ha dejado traspuesto siempre que la he visto. La mirada del personaje tiene esa profundidad insondable a la que me refería al principio del post, una materialidad que le hace vivir ante nosotros, desde el papel, desde la página.

Estamos aquí claramente ante un maestro del dibujo. Solano ha logrado evocar tanto la tristeza en los ojos del hombre, pero también su determinación, que no hacen falta muchas palabras para entender las razones de lo que hace a continuación. El realismo de su dibujo siempre tiene un componente caricaturesco, incluso en una página tan dramática como ésta, y es lógico, puesto que el dibujo en el cómic transmite mejor la autenticidad emocional desde el registro caricaturesco, por muy sutil que éste sea. Se trata también, por supuesto, del rigor en la construcción del dibujo al que se refería el propio Solano López, que es el que permite la calidad de esos volúmenes, la profundidad, física y existencial, que hay en toda la página.

Decía Kim Thompson en el sentido obituario que ha dedicado a Solano López en el blog de The Comics Journal (se nota mucho que le conoció en vida y le trató personalmente) que su dibujo, musculoso, realista y de texturas detalladas, recuerda en cierto modo al de John Severin. Y tiene razón, aunque el estilo de Solano, creo yo, era más "libre", más "sucio" y, de nuevo, más "desesperado". Tal vez menos "ordenado" que el de Severin, reflejando más abiertamente el caos de la vida. Tal vez, simplemente, más sudamericano.

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Soledad Gallego-Díaz escribe sobre Solano López en El País

Entrecomics rescata una mesa redonda con Solano López en el festival Viñetas desde O Atlántico 2008

Una de las últimas entrevistas de Solano López, en la revista Fierro

Otro obituario con una buena recopilación de enlaces, por John Freeman en Down The Tubes

Entrevista de 1996 de Manuel Darias a Solano López, recuperada hace una semana en Diario de Avisos

IRENE

EL ROCK DE LA PRISIÓN

Un ejemplo entre MILES de por qué Gil Kane (1926-2000) era tan bueno. La página de arriba es de AMAZING SPIDER-MAN nº 99 (agosto 1971, guión de Stan Lee, dibujos de Kane, tintas de Frank Giacoia), un episodio donde Spiderman acudía a un motín en una prisión en la que no habían corrido a bailar el rock. PANIC IN THE PRISON!, se titulaba el episodio en la portada. En la cárcel amotinada, Spiderman descubría los graves problemas que tenían los presos con sus condiciones de vida. Eran los primeros setenta y la Marvel de Stan Lee se intentaba adaptar a las preocupaciones sociales de la juventud. Unos problemas carcelarios que Spidey denunciaba más tarde en un programa de televisión, justo un minuto antes de que llegara la policía para (intentar) llevárselo a él también a la cárcel, no precisamente como invitado. Una orden de búsqueda y captura pesaba sobre él.

Al grano: esta página de arriba es pura poesía en imágenes, y lo es por la dinámica visual que crea el diseño y la composición del dibujante, Gil Kane. Haced la prueba y seguid con la vista las direcciones que van trazando en cada momento por la página la composición de cada viñeta, el movimiento de las figuras y, muy importante, las líneas cinéticas. Aquí sí parece que Spidey esté bailando el rock, o algo mejor. La diagonal que traza su figura en la segunda viñeta conduce nuestro ojo a la izquierda, es decir, a una zona de la página cercana al comienzo de la segunda tira y la tercera viñeta. En ésta, la composición sugiere la altura pero sobre todo el balanceo de Spiderman desde la segunda viñeta a la tercera. Las líneas cinéticas sugieren el arco de Spiderman desde abajo hacia arriba, y de ahí directamente a la derecha hacia la cuarta viñeta, donde aterriza en el tejado.

Primer plano en la quinta viñeta, que supone pausa en el ritmo de la narración, pero también nos acerca a los pensamientos de Spiderman, es un momento para pararse a pensar la estrategia de entrada en la prisión; sexta viñeta, diseño estrecho para sugerir un breve paso de tiempo mientras salta como un rayo de un edificio a otro –de una viñeta a otra–, y séptima y última viñeta, un picado para mostrarnos desde arriba y en plano general el lugar de su destino, el techo de la prisión amotinada. Bam, bam, bam, bam. Ahora comenzaba de verdad el baile.

EL 15-M SALTA AL CÓMIC

"Tres meses después de su irrupción en la vida pública, el 15-M salta por primera vez a las viñetas del cómic con Revolution Complex y Yes we camp!, dos obras que recogen las críticas y reivindicaciones asociadas a este movimiento social. El primer libro en ver la luz ha sido Revolution Complex (Norma), una antología de historietas en la que 22 jóvenes artistas muestran su descontento con la crisis, el paro, la corrupción, la precariedad, la burbuja inmobiliaria, los políticos, los banqueros o las agencias de calificación".

El infatigable Julio Soria ha escrito para EFE una noticia conjunta sobre la salida de REVOLUTION COMPLEX y YES, WE CAMP!, dos libros colectivos sobre el 15-M con textos e historietas. Sigue en el enlace

TRÍPOLI

Un dibujo que hice el otro día leyendo el periódico. Tenía delante una foto de los combates en Trípoli, ésta de Goran Tomasevic para Reuters

SUFICIENTEMENTE MAYOR PARA CASARSE

Portada de Kirby para YOUNG ROMANCE nº 80 (diciembre 1955-enero 1956). Corrían malos tiempos para la lírica del comic book, obsérvese el sello del recién creado (a finales de 1954) Comics Code. La gran crisis del comic book se gestaba esos años, con la "tormenta perfecta" en la que confluyeron diversos factores que contribuyeron a hundir casi del todo su industria a finales de la década. Las campañas públicas previas contra el comic book, intensificadas desde finales de los cuarenta por considerarlos una influencia nociva en la juventud, especialmente contra los tebeos de crimen y horror; las sesiones de investigación del Subcomité del Senado sobre la Delincuencia Juvenil; la autocensura de contenidos de los editores con la creación del Code y, last but not least, la competencia de la televisión y el cierre del gigante de la distribución de revistas americanas en 1957, que dejó sin distribuidora a la mitad de editoriales de comic books.

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(la portada la he visto en The Comics Reporter, que dedica hoy una amplia y bonita galería –otra muestra abajo– a recordar el aniversario del nacimiento de Kirby---> se merece un buen vistazo)