Strauss iniciaba el otro día en los comentarios de este blog un largo e interesante debate al hilo de una de las afirmaciones de Ignacio Vidal-Folch en su artículo de Tiempo de hace dos semanas:"El lenguaje del cómic resulta decepcionante en algunos registros temáticos, pero muy válido e incluso idóneo para otros. Se maneja mal con la penetración psicológica y con el drama, pero en cambio es un formidable vehículo para otros géneros: el humor, la fantasía futurista o la confesión autobiográfica, como demuestran las espléndidas realizaciones de las últimas generaciones de profesionales norteamericanos y franceses"(Vidal-Folch)
Básicamente, Strauss iniciaba el debate afirmando que
"la penetración psicológica tanto en cine como en cómic aburre a más no poder y, si se quiere emular a Proust, lo llevamos claro. Actualmente existe una edición (aún no terminada) de la trasposición al cómic de "en busca del tiempo perdido": sencillamente no dan pie con bola. Ese cómic tiene tanto de la obra de Proust como Carmen de Mairena de guapa. Precisamente la obra de Proust tiene como elemento diferenciador i vanguardista una penetración psicológica que perdura a lo largo de centenares de páginas. ¿cómo puede un ilustrador gráfico sintetizar todos esas disquisiciones y refelxiones en unas cuantas viñetas? Y, lo más importante: ¿cómo se representa la reflexión psicológica? El cómic, como el cine, son visuales, por ello necesitan de la recreación de una historia, de una acción".(Strauss)
Después de un intercambio de comentarios, resumidamente, le vine a decir que, en efecto, esa adaptación de Proust me parecía muy mala, y que si bien ese problema podía ser cierto en el "viejo cómic", en las últimas décadas y particularmente en ésta que ahora acaba, un nutrido grupo de autores están preocupados precisamente por abordar esos temas de mayor abstracción, y para tratarlos además están buscando nuevos recursos narrativos. Hay autores como, entre otros, y ahora amplío la lista de ejemplos, Chris Ware (ACME NOVELTY LIBRARY, JIMMY CORRIGAN y sus colaboraciones para prensa y antologías literarias), Chester Brown (NUNCA ME HAS GUSTADO, LOUIS RIEL), Daniel Clowes (THE DEATH-RAY, en su revista EIGHTBALL) Charles Burns (AGUJERO NEGRO) o Alison Bechdel (FUN HOME, y este último ejemplo es uno de los que tiene mayor planteamiento "literario") cuyas preocupaciones principales pasan precisamente por abordar en el cómic y con el lenguaje del cómic ese tipo de cuestiones a las que alude Strauss, no basados en la acción, sino en la penetración psicológica, en los discursos abstractos y en la evocación de pequeños momentos, sensaciones, emociones, recuerdos o simplemente el paso del tiempo. También comenté en el hilo que, según los neurocientíficos recientes, pensamos básicamente en imágenes. Lo cual seguro que puede decirnos algo sobre el cómic.
Viñetas de FUN HOME, Alison BechdelPor seguir poniendo ejemplos, ahí están las investigaciones de Dash Shaw para dibujar lo invisible en OMBLIGO SIN FONDO (el simple paso del tiempo, emociones, sensaciones, olores), o el Seth más reciente, GEORGE SPROTT. 1894-1975 (imagen de arriba del todo), que se ha planteado el reto de mostrar la vida de una persona desde dos puntos de vista, el interno o subjetivo, y el externo o cómo es percibida esa persona por los demás. Y creo que el autor canadiense ha tenido éxito en su empresa.
También, se me ocurre ahora, hay historietistas recientes como Emmanuel Guibert preocupados intensamente por la memoria y el documental, y para abordarlos ha desarrollado sus propios recursos narrativos en obras como EL FOTÓGRAFO o LA GUERRA DE ALAN, otras dos obras cruciales de esta década. A otra cuestión que planteaba Strauss en el debate, sobre cómo puede mostrarse en imágenes discursos abstractos de texto, le respondí que ahí estaba CIUDAD DE CRISTAL (1994, páginas de abajo), una adaptación al cómic de una novela de Paul Auster en donde los pasajes de acción eran breves y mucho menos importantes que la introspección psicológica del protagonista y el discurso del narrador sobre temas como el lenguaje, la identidad y la soledad. Creo que basta (re)leerla para comprobar que Paul Karasik y David Mazzucchelli demostraron que algo así podía hacerse en el cómic: recurriendo a imágenes por asociación respecto a las ideas del texto, o bien imágenes directamente alegóricas que aportaban nuevos significados complementarios al texto.
Finalmente, quiero citar una de las últimas historietas de Chris Ware que he leído, donde el autor estadounidense se plantea el reto de mostrar en cómic los primeros años de vida de un niño desde que es bebé recién nacido, con resultados alucinantes, mucho más logrados que los más intentos de Chester Brown en su ya lejano UNDERWATER. O esta historieta de aquí abajo que publicó Ware en 2006 en el New Yorker, una probable base inspiradora para el GEORGE SPROTT de Seth. La magdalena proustiana se convierte en un pastel de arándanos, pincha para ampliar:
(Para leer los largos y jugosos comentarios de Strauss, aquí)
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4 comentarios:
Pues hombre, lo de la penetración psicológica de Proust... Pues vale, pero considerar que eso un rasgo de Proust. Dudo que éste sea un ejemplo de eso, o al revés. El Tiempo Perdido de hecho, para mí, cansa por el sentimentalismo exagerado, la ñoñería y el lloriqueo. Anda que no hay gente que odia al niño de las pelotas que llora porque la mamá no le da un besito al acostarse, razón por la que no pasan de las primeras 30 páginas, lástima. Los libros de Proust rezuman un decadentismo bestial.
En fin, Proust y el Tiempo perdido, para mí, son ejemplo de una recreación total de un ambiente que nunca se había intentado. Pero no en el campo psicológico (aunque, carajo, ahora pienso que muchos tebeos que más profundos psicológicamente parecen en realidad son más sentimentaloides, tristones y pesaos que nada. Coño, que Proust no sea nunca ejemplo, por favor...)
Por cierto, sobre la ilustración: PUTO WARE, qué bueno es, hijodeputa.
Y eso no quita que no estoy de acuerdo en el modo en que utiliza a menudo las formas, utilización por supuesto fantástica e ingeniosa, para mostrar según qué fondo. Es decir, cada vez me desagrada más el modo sesgado en que muestra las vidad de algunos personajes.
Es decir, veo cómo utiliza las formas, y muy bien. Pero es como si oigo un solo de Steve Vai, (perdón a sus fanes, es ejemplo recurrente de guitarra virtuoso pero que a muchos no nos transmite nada), pues muy bien, muy bien hecho, pero a mí dame la décima parte con lo que The Edge me transmite (ejemplo).
En fin, a veces de un modo más sencillo se muestra más (aunque esa sencillez a veces se copia en el tebeo independiente, una pose de sencillez, es decir, la falta de forma acaba siendo el más descarado manierismo, caca). O quizá es que la monumentalidad de Ware me desconcentra, hace que me fije más en la forma, no lo sé.
Realmente me encanta esa forma de utilizar las viñetas, se lugar y su tamaño, y fuera de puro virtuosismo vacío, trasmite un montón (justo esa asepsia viene de perlas a tebeos como el Jimmy Corrigan, la repetición, en los tebeos más cómicos; la amplitud de escenarios, la iluminación, también la repetición, a Rusty Brown y los tebeos más emotivos).
Lo que no me gusta es que, premetidamente, Ware muestra los detalles de las vidas de las personas de un modo muy sesgado. Da apariencia de gran profundidad, y en realidad se ha quedado tan en la superficie como otros. Si los elementos formales ayudan (como en los ejemplos del anterior paréntesis) pues cojonudo, pero si no, que no se pase.
No todo lo que hace Ware le sale igual de redondo, estoy de acuerdo. Pero cuando atina en el conjunto, y yo creo que le pasa a menudo, produce obras maestras como esa historieta del New Yorker para el día de Acción de Gracías. ¿Es sesgado lo que muestra de la vida del personaje en este caso? Sí, por supuesto, no puede ser de otra forma. Recrea los recuerdos sobre el soldado caído que tiene su hermano menor.
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