jueves, 11 de octubre de 2012

MOTHER BOX

or THE LIFE AND TIMES OF CHRIS WARE

En la parte trasera de la caja:


TODO LO QUE NECESITAS
para leer la nueva novela gráfica
BUILDING STORIES:

14 libros, folletos, revistas, periódicos y panfletos distintivamente discretos.
Con el aumento de la incorporeidad electrónica de la existencia, a veces es reconfortante –tal vez incluso necesario– tener algo a lo que agarrarse. 



Se decía y se repetía que la novela gráfica era solo un formato, incluso un formato restrictivo. Chris Ware parece preguntarnos silenciosamente: "¿sí, pero qué formato? ¿El del libro, el comic book, la tira de prensa, el tabloide desplegable gigante, el librito de tapa blanda, el álbum de tapa dura?" 

No, la novela gráfica no es "un formato", es una sensibilidad. Una manera de ver el cómic y de hacer cómics. La elección del formato –o formatos– viene después, acorde a la obra concreta y a la intención del autor. Y, como demuestra también Ware, elegir ese formato es competencia exclusiva también del autor.

A los que piensan que la novela gráfica tal como hoy la conocemos "ha existido desde siempre", esta madre de todas las cajas de Chris Ware parece preguntarles también, ¿en qué momento anterior de la historia del cómic un autor ha podido publicar su nueva obra en semejante formato-multiformato? En otras palabras, ¿en qué momento del pasado un historietista pudo siquiera concebir una obra semejante? ¿Tal vez los autores de la era dorada de las tiras de prensa, con su espacio estándar y estrecho, estrictamente limitado por la agencias de prensa y los periódicos que les compraban las tiras? ¿Tal vez los hacks del comic book grapado, entre los años 30 y los 80? ¿Tal vez los autores españoles de las revistas del "boom del cómic adulto"? ¿O, tal vez incluso, los autores de las novelas gráficas de los ochenta, cuya sola recopilación de la obra en un libro parecía milagroso? 

Y si alguien piensa que el formato no condiciona el contenido, que el continente no determina por completo y de antemano lo que es concebible incluir dentro de él, yo me lo pensaría dos veces, forastero.


No se vayan todavía aún hay más: la pegatina promocional que viene en el plástico que envuelve la caja milagrosa, una caja que hay que tener en tus manos, verla, abrirla y desplegarla, para creerla:

"Building Stories de Chris Ware reúne el tipo más raro de brillantez; es a la vez conmovedora, graciosísima, chocantemente íntima y profundamente reveladora. No hay un artista gráfico vivo o muerto que haya usado la forma de este maravilloso modo para transmitir el paso del tiempo, la soledad, la nostalgia, la frustración o la dicha.

Queda a la elección del lector dónde y cómo empezar esta obra monumental... la única pena que tendrá al empezarla es saber que va a terminar". 
–J. J. Abrams
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Más: La caja mágica con movimiento y música

martes, 9 de octubre de 2012

PASANDO EL TEST


"¿Hay un cómic sobre una banda de zombies drag?"
Alison Bechdel contesta el Test de Rorschach de Númerocero

DESTELLO DE DIAMANTE


El próximo miércoles Cameo edita el DVD de Diamond Flash, una película dirigida por Carlos Vermut que a mí me chifla. Pues bien, aparte de ser una de las películas más fascinantes de los últimos años (eso me pareció, y no me refiero solo a la categoría "cine español"), la caja del DVD incluye un libro colectivo en tapa dura con 72 páginas de cómics realizados por una amplia lista de autores, todos fans entregados de la película.



Abajo, las dos primeras páginas de una historieta que Santiago García y yo hemos hecho para este libro, clic para ampliar. Más abajo, la lista completa de participantes en el libro, incluyendo enlaces a las muestras de otros autores que he detectado.


Los autores de Diamond Flash. Historias caleidoscópicas, el libro de historietas que se incluye en el DVD:

Didac Alcaraz, Paco Alcázar, Miguel B. Núñez, Manuel Bartual, Carlos de Diego, Néstor Fernández, Santiago García, Enrique Lorenzo, Guillermo Mogorrón, Jorge Monlongo, Javier Olivares, Mireia Pérez, Puño, David Rubín, David Sánchez, John Tones.

Muestras de lo que han hecho
Manuel Bartual
Santiago García y Javier Olivares
David Sánchez
Paco Alcázar
Mireia Pérez
David Rubín

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Para ver Flash Diamond on line

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P.D. Los muy cafeteros habrán detectado cierto vecino en nuestra historieta. A los interesados, decirles que sí, que el cuarto volumen de El Vecino está en el horno, hace tiempo que Santiago y yo estamos trabajandou en ellou. Saldrá antes o después, las habichuelas son lo primero y hay que poner un plato en la mesa, etc., pero saldrá. Somos hombres de palabra.

lunes, 8 de octubre de 2012

EL DESEO DE SER INÚTIL

Editorial Confluencias, de reciente creación, lanza este otoño Hugo Pratt. El deseo de ser inútil, un libro a partir de las conversaciones de Hugo Pratt con Dominique Petitfaux. No suelo anunciar novedades en este blog porque ya hay otras webs que lo hacen de manera insuperable, pero he pensado que esta en concreto podía pasar desapercibida por resultar un poco ajena al circuito habitual de editores de cómic en España. Copio de la nota de prensa:

Traducción de Gabriel García Santos. llustraciones de Hugo Pratt. Prólogo de Dominique Petitfaux 
Hugo Pratt, nacido en 1927 en Rímini, pasó su niñez en Venecia. A los trece años, en Etiopía, se integra en el ejército de Mussolini, y en 1943 regresa a una Italia destrozada por la guerra civil. Comienza a dibujar historietas en 1945. En la Francia de los años setenta se impone como uno de los grandes creadores de nuestros días con Corto Maltés, a pesar del vacío y los prejuicios de la cultura oficial hacia la historieta. En El deseo de ser inútil —el lector comprenderá al final del libro el sentido de esta frase provocadora—, Hugo Pratt aceptó por primera y única vez contar la historia de su vida, de 1927 a 1991, y desvelar parte de su universo interior. Esta edición definitiva contiene, además, un capítulo añadido en el que su interlocutor, Dominique Pe­titfaux, desgrana los cuatro últimos años de la vida de Hugo Pratt, fallecido en 1995 en Pully, cerca de Lausana.

Más información

UNA PORTADA

Sí, es un cómic. Avance de Brassens, la libertad, de Joann Sfar (edita Fulgencio Pimentel). En Número Cero

sábado, 6 de octubre de 2012

#¢¬∞´#∞¬]]

Me comenta algo el dibujante César Sebastián a propósito del post anterior sobre Charles Burns, que paso a reproducir aquí con su permiso (gracias). Lo de la "verdad inquietante" oculta en los objetos familiares e ingenuos que Burns parece querer desvelar en sus tebeos
«me ha hecho recordar la conferencia que dio en Angoulême en la que hablaba de su gusto por Tintín desde su infancia y de su fascinación por las portadas de las ediciones orientales. Eran diseños muy diferentes de los que conocemos y según decía, sentía fascinación precisamente porque no podía descifrar los textos (con esas "misteriosas" tipografías orientales) aunque claro, seguía siendo familiar. De alguna manera esa familiaridad y al mismo tiempo el misterio, lo oculto y perturbador, es con lo que jugaba en X'ed Out (incluso crea esa lengua con todos esos caracteres extraños)».
Vuelo 714 a Sidney según la edición china

Johnny 23, el remix "alien" de X'ed Out
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Aprovecho para enlazar varios textos:

–la entrevista que hice en 2004 a Charles Burns para Rockdelux
–un artículo que escribí sobre él para la misma revista en 2005
–una reseña de Agujero negro de Santiago García, y X'ed Out en Mandorla
–Mucho más sobre Burns en Entrecomics


UN SUEÑO DENTRO DE UN SUEÑO (EN CUATRICROMÍA)


Imágenes sobre imágenes, superpuestas a su vez a otras imágenes. La imagen encima y debajo de la imagen. Personajes que representan personajes, visualizados a través de códigos previos. Códigos del cómic, códigos de género. De cómics infantiles y juveniles. Tintín, viejos tebeos románticos. En el fondo es una historia de amor, así que parece lógico acudir a viejos comic books de romance como término de comparación.

Los viejos tebeos románticos vistos, en un momento dado, con los ojos irónicos de joven "en la onda", como un fetiche nostálgico (puede que con ese tipo de nostalgia de lo no vivido) que despierta risa y afecto a la vez. Jóvenes también interesados en el arte contemporáneo y en procesar/coleccionar/imitar imágenes para incorporarlas a su propia obra. Un dibujo de Louise Bourgeois redibujado en una viñeta, imitado luego por los dos protagonistas –dos personajes de cómic, claro– que se fotografían jugando a imitar –en su realidad bidimensional y plana, de viñetas– el dibujo del dibujo de Bourgeois. Imágenes procesadas que representan imágenes, no objetos de la realidad. Lichtenstein. Pop art. Polaroids dibujadas dentro de viñetas que las contienen e impresas en un cómic, el que tienes en tus manos. Los tebeos románticos de los sesenta de John Romita interpretados por Burns con sus tintas metálicas y obsesivamente perfectas, cada vez más, se ven tan extrañamente coherentes. De nuevo, es la lupa estilizadora de Lichtenstein la que inspira el proceso. Burns como un Lichtenstein de los cómics; los productos de consumo que nos fascinaban mezclándose con los recuerdos reales como si todo formase parte de la misma cosa, dónde acaba el cliché de tebeo y dónde empieza tu propia vida. Era así entonces, ¿verdad? El lector que reduplica la narración narrándose a sí mismo lo que se ha quedado fuera de ella, o lo que no ha podido conocer del serial. Los tebeos perdidos, el intervalo no leído, los números que no se pudieron conseguir entre una etapa y otra de la colección, series inalcanzables por "infinitas"; los "huecos" de la narración, en fin, que hay que rellenar a toda costa.


"¿Qué es lo que no le conté a ella? ¿Qué partes de la historia dejé fuera? Quería contárselo todo. Quería contarle la verdad", esto ya desde la primera página. La verdad oculta de nuevo, la verdad inquietante (the uncanny) que palpita bajo la superficie de los objetos familiares e ingenuos. Viejas viñetas redibujadas, con textos ininteligibles como en el experimento Johnny 23, o X'ed Out remezclado por alien. Más sueños, un sueño dibujado con línea clara; después, otro sueño, o realidad de esta ficción, dibujado con el tenebrismo de Burns, entintado como un Charles Paris maníaco que realizase cómics alternativos. O novelas gráficas, como las llamamos ahora. Se trata, como siempre ha sido en Burns, de los códigos visuales de los tebeos (o la televisión, o el cine) de la infancia y adolescencia de un hombre nacido a mitad de los cincuenta, un americano que a diferencia de la mayoría de sus compatriotas no solo leyó comic books, también los álbumes europeos de Tintín. Hay una gran viñeta, también, que contiene muchas viñetas de viejos tebeos románticos que de repente "tienen vida propia", mostrando a continuación lo oculto en ellas mientras se rompen en pequeños pedazos. Después vuelven los juegos de abstracción con viñetas sin dibujo, con un único color plano, o bien un texto en negativo, rodeado de negro completo. En medio de este paisaje, como ya pasaba en Agujero negro y en las mejores historietas de Burns, se filtran sensaciones y recuerdos auténticos, íntimos, tan intensos y depurados que su eco rebota en viejos recuerdos olvidados de uno mismo, o en "verdades" que resuenan en algún punto muy profundo. El último vaso de agua que se tomó tu padre, moribundo en el hospital. "Siempre hay una última vez para todo, ¿verdad?". Las fotos que guardaba en una vieja caja de zapatos resumen su vida, la de un extraño para su propio hijo. "Parecía tan joven e inocente... y lleno de esperanza. Alguien con toda una vida por delante... alguien al que apenas podía reconocer". O bien, el joven en su momento perfecto con la chica perfecta: "Ella se preparó para ir a la cama y luego se arrastró junto a mí,  a los pocos minutos parecía dormida. Pero yo no. Estaba completamente agitado. Deseaba tanto estirarme y tocarla... pero me contuve".



Hace ahora justo dos años Charles Burns publicaba X'ed Out. Acaba de salir su continuación, titulada The Hive. Persiste la sensación del primer capítulo, la de una obra maestra desplegándose ante tus ojos. El tercer tomo la concluirá, esperemos que antes de otros dos años.

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X'ed Out fue publicado en España por Mondadori bajo el título de Tóxico. The Hive permanece inédito de momento, aunque es de suponer que se traducirá pronto

sábado, 29 de septiembre de 2012

DISCIPLINA POPULAR

Soy de los que piensan que la denostada por algunos 300 (1998), de Frank Miller y Lynn Varley, era una obra abierta que se prestaba a diferentes lecturas en función del observador, y por supuesto de su ideología, su visión del mundo y sus prejuicios personales. A mi juicio, hay dos razones que permitieron esa cualidad "abierta" de la obra, a saber,

1) la propia tradición asociada a la leyenda de la Batalla de las Termópilas. Una leyenda contada, recontada y aludida en Occidente a través de los siglos en los más diversos momentos históricos, en la mayoría de casos para apelar a la defensa de la libertad frente a la opresión de una tiranía, ya externa (como el invasor persa en los hechos originales que sirvieron de base a la leyenda de las Termópilas entre los griegos de aquel lejano siglo V a.C.), ya interna (un tirano propio, que gobierna el país en perjuicio de sus súbditos). La leyenda de las Termópilas dio lugar a una rica tradición cultural que, también en contra de lo que algunos dijeron a propósito de 300 (a menudo desconocedores de esa leyenda y de la extensa tradición asociada a ella), fue estudiada a fondo y tenida muy en cuenta por Miller a la hora de elaborar su propia versión. De la leyenda, que no de los "hechos históricos". No en vano la de las Termópilas fue una leyenda cultivada y apelada profusamente, no solo por los antiguos griegos, sino posteriormente, en la edad media, el renacimiento y, significativamente, ya en la era de la ilustración y la modernidad: durante los procesos revolucionarios de finales del siglo XVIII y XIX, muy a menudo la lucha de los antiguos griegos fue asociada a las propias luchas de liberación de la época y a los ideales republicanos de libertad, razón y resistencia heroica contra la tiranía (del Antiguo Régimen, de la metrópoli inglesa en el caso de los estadounidenses, de determinadas potencias invasoras, etc.).

2) El tratamiento que Miller le dio a esa leyenda en su propia versión. Con sus personajes arquetípicos, sin una verdadera psicología, su protagonista colectivo y su exageración mítica de los hechos –son los propios espartanos los que narran en presente los hechos del pasado de la batalla, mitificándolos como relato de «victoria» aglutinador de la identidad colectiva–, incluso con el mismo grafismo elegido, Miller y Varley conseguían la suficiente abstracción como para permitir esas diferentes lecturas. Su rechazo del detalle y sus evidentes licencias de ficción, tanto en el guión como en la representación gráfica, alejaban la obra de lo concreto y lo literal y la llevaban al terreno de la alegoría. Una alegoría abierta a múltiples lecturas, éticas y políticas, y no necesariamente asociadas a la literalidad de "pueblo invadido defendiéndose de una invasión extranjera". Lecturas diferentes e, insisto, a veces contradictorias, dependiendo como he dicho de la cosmovisión e ideología de cada observador. Muchas de ellas cabían, y caben, en la misma obra. Y como dijo Eco, si vas a interpretar personalmente un texto, preguntarle al autor por su intención es irrelevante.

En su adaptación cinematográfica de 2007, Zack Snyder modificó algunos elementos importantes del cómic 300 (en más de un caso para humanizar a los espartanos, por cierto, frente al deseo expreso de Miller de retratarlos en el cómic más bárbaros que el enemigo persa), pero no los suficientes como para impedir el mismo efecto de abstracción y alegoría en el filme. En realidad, la película es sustancialmente fiel al cómic. Cuando el filme se estrenó y obtuvo un descomunal éxito internacional, la polémica fue acorde a las dimensiones de ese éxito y, efectivamente, hubo lecturas diferentes y contradictorias de la misma película. De este modo, por un lado las autoridades iraníes se rasgaron las vestiduras pensando que la película iba por ellos, y contra ellos, porque supuestamente se trataba de un producto de propaganda imperialista que pretendía justificar la invasión estadounidense de Irak –y, presumiblemente, tal vez de Irán– tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 (en esta lectura nadie parecía reparar, sin embargo, en que 300 se publicó tres años antes del 11-S, enésimo ejemplo de que las interpretaciones que hacemos de las obras siempre están condicionadas por nuestras propias circunstancias presentes). Por otro lado, con una visión parecida hasta cierto punto, agitadores como el colectivo Wu Ming hacían lecturas en la misma onda, y de paso, hay que decirlo, cometían gruesos errores fácticos a la hora de interpretar otras obras de Miller (y de Dave Gibbons) con arreglo al sentido que ya les habían adjudicado de antemano. Su lectura, no obstante, estaba bien argumentada en otros aspectos y yo diría que la película podía admitirlas igualmente.

Pero en esto va y entra en escena Slavoj Žižek, siempre dispuesto a comentar los productos de la cultura de masas más relevantes del momento, para hacer su propia lectura de 300, la película. Žižek, defensor del filme de Snyder en lo formal y en lo ideológico, hizo una lectura puramente izquierdista del mismo, refiriéndose a él como «la auténtica izquierda de Hollywood» en un artículo de 2007. Traduzco el comienzo:
300, de Zack Snyder, la saga de 300 soldados espartanos que se sacrificaron en las Termópilas para detener la invasión del ejército persa de Jerjes, ha sido atacada como la peor clase de militarismo patriótico por sus claras alusiones a las recientes tensiones con Irán y los acontecimientos en Irak... Sin embargo, ¿las cosas son tan claras realmente? La película debería más bien defenderse contra esas acusaciones. 
Se pueden alegar dos argumentos; el primero se refiere a la historia en sí misma. Es la historia de un país pequeño y pobre (Grecia), invadido por el ejército de un Estado mucho mayor (Persia), en aquel momento mucho más desarrollado, y con una tecnología militar igualmente mucho más desarrollada. ¿Acaso no son los elefantes persas, los gigantes y las grandes flechas de fuego [de los persas] la versión antigua de las armas de alta tecnología? Cuando el último grupo de supervivientes espartanos y su rey Leónidas mueren bajo miles de flechas, ¿no están en cierto sentido siendo bombardeados hasta la muerte por tecno-­soldados que operan armas sofisticadas desde una distancia segura, como hacen hoy los soldados de Estados Unidos que aprietan los botones de los misiles desde los buques de guerra que navegan a distancia segura en el Golfo Pérsico?
Más interesante aún resulta su lectura sobre las alusiones a la disciplina espartana, fundamentales no ya en 300, el cómic y la película, sino en la misma leyenda original. Disciplina para cumplir sus propias leyes, las de su comunidad, y disciplina para sacrificarse voluntariamente por ella. Pero antes de seguir, un alto en el camino para señalar un detalle esclarecedor sobre el background milleriano. Miller, al que podemos situar en la órbita libertarian americana (con un discurso que se ha radicalizado en los últimos años hacia la derecha dura, en efecto, precisamente a raíz de los atentados del 11-S) no es precisamente un pijo de familia bien, como algunos creen y alguien ha afirmado alguna vez, sino un tipo de pueblo, emigrado a la gran ciudad en su juventud, que procede de familia trabajadora. Al habla Miller en una entrevista que le hizo Christopher Brayshaw, publicada en The Comics Journal en 1998:
Mi madre trabajaba de once de la noche a siete de la mañana como enfermera... un trabajo muy exigente, y después volvía a casa y criaba a siete hijos. Dormía una media de dos a tres horas por noche. Eso, para mí, es disciplina. Mi padre [carpintero y electricista] tenía una energía y una determinación inagotables. Creo que es imposible conseguir gran cosa sin una enorme cantidad de disciplina. Si no ser chapucero es no ser humano, prefiero no ser humano.
Y ahora, vuelta a Žižek sobre 300, la película, en su artículo de 2007:
El arma principal de los griegos contra esta abrumadora superioridad militar es la disciplina y el espíritu de sacrificio; y, por citar a Alain Badiou: «Necesitamos una disciplina popular. Diría incluso [...] que ‘aquellos que no tienen nada sólo tienen su disciplina’. Los pobres, los que no cuentan con medios financieros ni militares, los que carecen de poder, todo lo que tienen es su disciplina, su capacidad para actuar juntos. Esa disciplina ya es una forma de organización». En la era actual de permisividad hedonista como ideología imperante, ha llegado el momento de que la izquierda se (re)apropie de la disciplina y del espíritu de sacrificio: no hay nada inherentemente «fascista» en esos valores.
Pero esa identidad fundamentalista de los espartanos es aún más ambigua. Una declaración programática hacia el final de la película define la agenda griega como «contraria al dominio de la mística y de la tiranía, hacia el brillante futuro», especificada más adelante como el imperio de la libertad y la razón... Parece un programa elemental de la Ilustración, ¡incluso con un sesgo comunista!

[...] ¿Y cómo entender el aparente absurdo de la idea de dignidad, libertad y razón, sostenida por una disciplina militar extrema [...] ? Ese «absurdo» no es otra cosa que el precio de la libertad: la libertad no es gratuita, como se muestra en la película. La libertad no es algo que se otorga, se reconquista a través de una dura lucha en la que es necesario estar dispuesto a arriesgarlo todo. La despiadada disciplina militar espartana no es simplemente el opuesto externo de la «democracia liberal» ateniense, es su condición inherente, es donde reside sus cimientos: el sujeto libre de la Razón sólo puede emerger a través de una cruel autodisciplina. La auténtica libertad no es la libertad de elegir que se ejerce desde una prudente distancia, como elegir entre un pastel de fresa o de chocolate; la verdadera libertad se superpone a la necesidad. Uno hace una auténtica elección libre cuando la elección pone en juego la propia existencia… y se lleva a cabo porque simplemente «no se puede hacer otra cosa». Cuando tu país se halla bajo ocupación extranjera y te convoca el líder de la resistencia para unirse a la lucha contra los ocupantes, la razón que se nos da no es «eres libre de elegir», sino: «¿No ves que esto es lo único que puedes hacer si quieres conservar tu dignidad?». No sorprende, pues, que todos los radicales igualitarios precursores de la modernidad, desde Rousseau a los jacobinos, admiraran a Esparta e imaginaran la República Francesa como una nueva Esparta: hay un núcleo emancipatorio en el espíritu espartano de disciplina militar que sobrevive incluso cuando restamos toda la parafernalia histórica del régimen de clases espartanas, la explotación brutal de los esclavos sometidos al terror, etc.
Sus palabras de hace cinco años parecen cobrar más resonancias en estos días, a este lado del (antiguo) mundo libre. En efecto, disciplina popular es lo que necesitamos ahora, porque es lo único que tenemos, lo único que nos queda ante el tirano. La libertad nunca fue gratuita, siempre hubo que luchar por ella. También estamos claramente ante ese umbral ético, el de la imposibilidad de elegir otra cosa que no sea oponerse al tirano, que en este caso no es ningún invasor extranjero. «¿No ves que esto es lo único que puedes hacer si quieres conservar tu dignidad?». Exactamente.

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Más: 300: del cómic al cine, por Santiago García

EL VECINO EN IMAGINAMÁLAGA

Esta tarde daré una charla en el Instituto de secundaria Juan Ramón Jiménez (C/ Fernández Fermina 17, Málaga), en el marco del octavo salón Imaginamálaga. Será a las 19:30 horas y mostraré en imágenes el proceso creativo detrás de El vecino, la serie de cómics que Santiago García y yo venimos realizando desde 2004. Estáis invitados todos a los que os pille cerca. 



Imaginamálaga en Diario Sur

jueves, 27 de septiembre de 2012

LEER CON ELLOS



Robur, otro asiduo de este sitio, ha dejado un comentario que quiero destacar aquí, en un post:

«Por experiencia propia me da la impresión de que seguir el orden de la viñetas cuesta a edades tempranas. Lo miran todo a la vez, se saltan viñetas, se fijan en las que más les llaman la atención, al no poder leer o no poder leer bien el orden de los globos de texto si hay varios les lía...

Es muy importante leer con ellos, el cómic como cualquier medio tiene su lenguaje interno, nosotros ni lo pensamos pero hay que explicar que ZZZzzz significa dormido o que una bombilla es una idea, los movimientos de viñetas y demás. De todos modos se acostumbran muy rápido, y lo pueden hacer sin ayuda, pero leerles los cómics facilita mucho el interés.

Aparte está por ver si Zipi y Zape es realmente un cómic infantil.Y como Zipi y Zape muchos otros cómics supuestamente infantiles. A mi parecer no lo son: contienen mucho texto, las bromas, muchas veces son páginas-chiste, por lo general son para adultos o chavales más mayores que entienden que lo que hacen Zipi y Zape son travesuras o tonterías. Para los más pequeños las cosas tienen que ser más simples».
Zipi y Zape, por Escobar

MUCHOS CUADROS

Me escribe por mail Juan Carlos, asiduo comentarista de este blog, lo siguiente, que paso a reproducir con su permiso:
«Por otro lado, como te veo interesado en lo de los tebeos infantiles, el otro día le regalé a mis sobrinas un tebeo de Zipi y Zape y me dijeron que les costaba porque "ese cuento tiene muchos cuadros". Tienen 5 y 7 años, así que quizá sean pequeñas para tantas viñetas. Pero seguiré intentándolo, sobre todo ahora que viene un niño mío de camino, sí, lo esperamos para marzo. Tengo que ir haciéndome con una colección de tebeos infantiles».

POLÍTICA GRÁFICA

Cuando Christophe Blain (1970) aborda el primer tomo de ‘Quai d’Orsay. Crónicas diplomáticas’ en 2010, ya es una estrella consagrada dentro de la gran industria del cómic francés. Dibujante sobresaliente, a comienzos de la década pasada se había revelado con ‘Isaac el pirata’ (2001-2005), una actualización adulta de un género tan clásico de la bande dessinée como el cómic de aventuras. Para ello aplicaba el ritmo narrativo del ‘Tintín’ de Hergé, el acabado gráfico aprendido de los caricaturistas de primeros del XX, que Blain adora, y una introspección psicológica lograda a base de numerosas viñetas mudas y elipsis abismales. Cansado del pirata, aparcó la serie sin rematarla para rendir homenaje al western y a los tebeos de ‘Lucky Luke’ en la muy cómica ‘Gus’ (2007-2008), un producto de brillante superficie pop que, a la altura de su tercer álbum, no parecía dar más de sí. Es entonces cuando Blain se da el relevo a sí mismo en ‘Quai d’Orsay’ cambiando radicalmente de temática, desde la ficción de género hacia la realidad de la política contemporánea. La serie, con dos tomos de momento, ha cosechado un éxito monumental en Francia y será adaptada al cine nada menos que por Bertrand Tavernier.
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Mi reseña del tomo 2 de Quai d’Orsay. Crónicas diplomáticas continúa en NúmeroCero

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'Quai d’Orsay. Crónicas diplomáticas' está publicado en España por Norma Editorial

miércoles, 26 de septiembre de 2012

INTERVENIDOS


Un dibujo mío publicado en el número de septiembre de Rockdelux, clic para ampliar. Ilustra un artículo de opinión de Vicenç Batalla sobre la nueva situación española tras los intentos de evitar el rescate europeo; el texto puede leerse ahora en la web de Rockdelux

CLARIDAD Y EXPERIMENTACIÓN

Tal vez continuando a esa pregunta, y también con los creadores en mente, está el tema de cómo registras las influencias de las cosas que lees o ves en tu propio trabajo. Muchas de ellas pertenecen a la dimensión de lo experimental o la vanguardia, como Cornell o Faulkner, que has mencionado en entrevistas anteriores. ¿Consideras tu propio trabajo como experimental o vanguardista, por el modo en que lo presentas? ¿Cómo articulas tu experiencia como artista leyendo y respondiendo a otros artistas?  
Creo que me voy a quedar con lo que dijo Calvin Reid, que escribe para Publishers Weekly y que también es responsable en muchos sentidos de que muchos estemos sentados en esta sala, porque ha sido muy considerado con el cómic, haciendo la oferta visible. Y me hizo una muy buena pregunta, “¿Cómo equilibras experimentación y claridad?”. Creo que es una pregunta que se hace mucha gente en esta sala. Cómo intentar avanzar y sentir que estás vivo sin alienar al lector. Lo único que puedo decir es que tengo claro que cuando cojo un libro y pienso “Jo, ¿tengo que descifrar este sinsentido?”, pues… Si mi reacción es esa, tiene que haber algo en medio de ese absurdo que me enganche y me arrastre a lo largo de la historia. Creo que esto es en contra de lo que estaba David Foster Wallace, y habló y escribió mucho sobre ello. Es algo que funciona igual en todos los medios, desde internet a los programas de televisión y las películas, tenemos que intentar hacerlo lo más interesante, humano y honesto posible.

De la charla de Chris Ware con David M. Ball en la convención SPX 2012, transcrita en Entrecomics. Sigue

Página de LINT (2010), por Chris Ware. Una opinión sobre esta obra maestra, aquí

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Jimmy Corrigan, el chico más listo del mundo, de Chris Ware, ha sido publicado en España por Planeta DeAgostini
Catálogo de novedades Acme ha sido publicado en España por Mondadori

OR USE YOUR RIGHT TO PROTEST ON THE STREET, BUT...

Y si no te gusta, entonces abandona.
O usa tu derecho a protestar en la calle.
Sí, usa tu derecho, PERO NO PIENSES QUE SERÁS OÍDO,

NO MIENTRAS LOS CABRONES SIGAN DIRIGIENDO EL MUNDO.

(sigue aquí)