ES MUY DE CÓMIC

BACK TO Angoulême

2012-01-31T01:09:00.007+01:00

Pido disculpas a los políticos aludidos tras leer aquí las correcciones al artículo de Público que comentaba dos posts más abajo con bastante enfado. Sí que, al parecer, hubo representantes del ministerio en la Exposición de Angoulême, así que me meto la lengua en el bolsillo y les pido disculpas de nuevo a los políticos aludidos. El descontento o enfado generalizado con nuestros políticos no justifica cargar contra políticos concretos cuando no han actuado como se ha dicho que han actuado. En mi descargo sólo puedo decir que comenté este asunto fiándome de una noticia de prensa que ahora parece que no fue del todo precisa.

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Dicho esto, vamos ahora a otra novedad sobre el mismo asunto. Creo que los responsables de la susodicha exposición de Angoulême, y no me refiero ahora a los políticos del Ministerio, deberían dar alguna explicación a estos señores. De verdad.

POR SUPUESTO,

2012-01-29T13:18:00.001+01:00

la falta de inversión en educación-cultura también es una política. Una política muy concreta que conduce a, por ejemplo, este tipo de resultados...

EL APOYO A LA CULTURA,

2012-01-29T10:42:00.013+01:00

que se note.

Como dijo hace nada Max (en la mesa redonda de Málaga), si no vas con cifras económicas en la mano (las cifras que mueve el cómic, cada vez más), el político medio no te hará ningún caso. A mí lo que realmente me flipa, lo diré de la manera más franca posible, es la INcultura de pensar que la cultura es algo secundario o que "no produce". LA CULTURA ES LA BASE DE TODO LO DEMÁS EN UNA SOCIEDAD, y si hay que repetir esto una y otra vez es que esa sociedad no va muy bien. No hay más que ver a los países del primer mundo, ese mundo en el que nosotros no estamos, para ver qué importancia le dan a su educación, a su investigación, a su producción (y exportación) cultural, científica y artística. Si la cultura no se considera algo básico, un bien esencial en una sociedad auténticamente CIVILIZADA, tal vez es porque lo que deseamos tener es una sociedad de borregos esclavos, con políticos/empresarios que trapichean desde el contubernio público-privado para pastorearnos mientras se lo llevan crudo y calentito y sueltan su palabrería vacua y cínica de charlatanes de feria. Por ejemplo, "todos los recortes son necesarios", es decir, aprovechemos "la crisis" para seguir desmontando el tinglado porque "el Estado del bienestar ha fracasado" y derivarlo hacia lo privado; no por casualidad algunos han hablado de cleptocracia. Cualquier parecido con la realidad no es simple coincidencia.

Cultura, ¿pa qué? Que inventen ellos. Qué viejo es ya el lema de Unamuno, y qué actual sigue siendo.

Volviendo a la exposición de "Tebeos" en Angoulême, si alguien se ha preguntado por qué lo de los cartones (muy apropiadamente), ya tiene algunas respuestas en el enlace de arriba (limitaciones de presupuesto, etc.). Una limosna para el mendigo a la puerta de la iglesia. "Madre, en la puerta hay un niño y gritando está de frío, ande dile que entre y así se calentará, porque en esta tierra ya no hay caridad ni nunca la ha habido ni nunca la habrá", un recuerdo al villancico del Plácido de Berlanga y la España eterna. Al fin y al cabo, la cultura de un país, cuando sale al extranjero, a un escaparate europeo de la relevancia del festival de Angoulême, no merece más.

"ENTONCES PODREMOS MANIFESTARNOS CON TODA AMPLITUD"

2012-01-28T12:35:00.004+01:00

"Hemos de llegar al día que las revistas de historietas no vayan dedicadas, como ahora, sólo a la infancia y a la adolescencia. Entonces será cuando podremos manifestarnos con toda amplitud..."

Lo dijo un conocido historietista en 1968, puede verse la cita en el sitio del que la he sacado, Viñetas.

A buen entendedor...

SER ILUSTRADOR EN LA ERA DIGITAL

2012-01-25T01:05:00.004+01:00

Carmen Reina comenta la mesa redonda de la semana pasada, en la que participamos Max, Mariona Sardá y yo, presentada por Alejandro Villén. En Modernícolas

"TODO ESO ES EDUCACIÓN"

2012-01-21T13:16:00.002+01:00

No vi esto en su día, a finales de septiembre, pero creo que merece la pena. Sobre todo por la claridad, al parecer necesaria para la mente del político medio typical spanish.

AGENDA HOY VIERNES

2012-01-20T00:18:00.004+01:00

SI ESTÁS EN BARCELONA, YO IRÍA

SI ESTÁS EN MÁLAGA, YO IRÍA
(de hecho, tengo que ir)

COLIBRÍ PARTY

2012-01-18T23:36:00.006+01:00

si estuviera en Barna, yo me pasaría por la fiesta presentación del nº 4 del fanzine Colibrí --> jueves 19 de enero, 21:30 horas, bar Heliogàbal (Ramón y Cajal, 80, 08012 Barcelona)

RAZONES PARA COMPRAR 'PÚBLICO'

2012-01-18T23:17:00.000+01:00

Ilustradas por Master Gallardo

LÍMITES (LA NECESIDAD DE)

2012-01-18T09:44:00.010+01:00

"En Reflexiones sobre la Revolución Francesa, Burke deja claro que la libertad sin límites de unos es la sumisión de otros: "No podemos pedir libertad sin definir en qué contexto, porque la libertad genera poder y el poder sin límites es contrario a todo espíritu de libertad". Burke ya definía así nuestro problema como europeos de hoy".

Tzvetan Todorov, entrevistado por Lluís Amiguet para La Vanguardia (gracias, Isabel).

He elegido esa frase de la entrevista porque el problema de los límites está desde el principio de las revoluciones liberales burguesas, precisamente porque la libertad tiende a eludir los límites; hay una ingobernabilidad inherente en el orden burgués y capitalista que emergió de las revoluciones liberales, debido a ese mismo afán de libertad. Pero la falta de límites (como propugna el 'neoliberalismo' de los últimos 30 años, cuyo apodo informal no puede ser más significativo, históricamente hablando) puede conducir a la pérdida de libertad de muchos, y es el mismo problema que nos ha llevado a la situación política y económica actual en esta fase del "capitalismo tardío". Un asunto, el de los límites necesarios para una sociedad/civilización que desee perdurar, que personalmente me interesa mucho y que, por cierto, he abordado en mi tesis (ver varios posts más abajo), filtrado a través de ciertas metáforas que encarnan los héroes millerianos.

Más de la misma entrevista:

"Hoy las democracias ya no tienen enemigos exteriores: ni fascismo ni totalitarismos con enormes ejércitos. Ahora nuestras democracias tienen al enemigo en su interior.

¿Quién es el enemigo?
Sus mayores enemigos están entre sus hijos ilegítimos ganadores de una gran revolución en marcha: se trata de un cambio en el poder de dimensiones no inferiores a las revoluciones que acabaron con las monarquías absolutas para dar el poder a las nuevas soberanías populares.

Explíquenos.
Es un cambio inmenso hacia un nuevo orden que sustrae el poder a lo político para concentrarlo en las pocas manos que tienen el control de los mercados.

¿Cómo?
El poder político ya no decide nada serio. El poder real está en esas mismas manos que orientan la marcha de los mercados, porque la nueva economía globalizada escapa al control de los estados: de todos ellos".

[...] ¿Por qué el electorado no reacciona?
Porque esa revolución ha sido preconizada por una ideología fundamentalista ultraliberal que vincula la prosperidad a la libertad de mercados. Sostienen que no hay prosperidad sin total libertad –para ellos– de mercado. El Estado, por tanto, debe renunciar a toda regulación, es decir, a todo su poder".

LA CRISIS DEL EURO

2012-01-18T00:23:00.004+01:00

"Nunca había leído tanto de economía desde que nos dimos cuenta de que nos habían tomado el pelo. Más o menos, a partir de la crisis de las subprimes en verano de 2008. Es necesario recordar que si ahora la gente se queda en la calle, se bajan salarios o se cierran ambulatorios y servicios básicos, todo empezó con una burbuja especulativa alimentada por la teoría de que el mercado era clarividente y era capaz de autorregularse. Pues no, fue directamente a pedir dinero al Estado que tanto demonizaba y utilizó el dinero público para asfixiar a los países más débiles. Entre ellos, España y su herencia de ladrillo inmobiliario gestada en el bipartidismo."

De un artículo de opinión de Vicenç Batalla para el Rockdelux del mes pasado, LA CRISIS DEL EURO, puede leerse el texto completo en el enlace. Arriba, el dibujo que hice para ilustrarlo

MESA REDONDA EN MÁLAGA

2012-01-18T00:02:00.004+01:00

El próximo viernes 20 de enero participaré en una mesa redonda sobre LOS RETOS DE LA ILUSTRACIÓN EN LA ERA DIGITAL junto a Max y Mariona Sardá, abogada especialista en derecho de autor. Organiza FADIP y moderará Alejandro Villén, ilustrador y secretario de la Asociación de Ilustradores Profesionales de Andalucía. Será a las 18:30 en el Centro Andaluz de las Letras (c/ Álamos, 24, Málaga).

Más

LA OPORTUNIDAD

2012-01-17T23:33:00.005+01:00

"Creo sinceramente que nos encontramos en un momento histórico, que tenemos la posibilidad de cambiar algo. El capitalismo está fallando, y si no aprovechamos esa brecha en el sistema puede que la oportunidad se pierda para siempre. Pero para ello nos hacen falta líderes fuertes, con ideas de verdad; no utopías sobre un mundo libre. Nuevas perspectivas políticas, económicas y tecnológicas. Necesitamos un cambio real, profundo y global. Una nueva manera de convivir sin supremacías imperialistas o económicas... Pero mejor lo dejo aquí, creo que estoy empezando a resultar aburrido".

Michel Cloup, entrevistado por Gerard Casau en el Rockdelux de enero

SERES QUERIDOS

2012-01-17T23:23:00.019+01:00

Como ya he dicho aquí en más de una ocasión, tenía este blog parado por un trabajo importante que tenía entre manos y que, durante 2011, me ha absorbido hasta el punto de no dejarme tiempo para casi ninguna otra cosa. No era ningún rollo, sino la pura verdad. En realidad se trata de un trabajo de largo recorrido que se ha extendido durante más de 4 años, un trabajo de investigación del que aquí habéis sido testigos en parte aunque no lo supiérais. Al menos por lo que respecta al aspecto de recogida de citas y entrevistas, un trabajo que en realidad podría decir que empezó desde más atrás, desde el blog Con C de arte. De modo que aprovecho ahora para agradeceros vuestros debates al respecto, porque pude aprender de ellos y aclarar algunas de mis ideas sobre el tema de investigación.

Me refiero a la tesis doctoral sobre cómic que defendí con éxito el pasado viernes en la Facultad de Bellas Artes de Málaga. Una monografía de más de 1.000 páginas ilustradas sobre toda la carrera de Frank Miller, analizando aspectos históricos, industriales, materiales y formales (con análisis narrativos y gráficos, de dibujo y diseño en cada cómic, incluyendo por supuesto los realizados en colaboración con otros dibujantes como David Mazzucchelli, Bill Sienkiewicz, Dave Gibbons, Geof Darrow y Jim Lee, sin olvidar las aportaciones de una colorista/artista de la talla de Lynn Varley); también sobre los aspectos estéticos e ideológicos de toda su obra. La tesis incluye sus trabajos cinematográficos, y aborda también, por supuesto, la inserción del Miller historietista en la industria y tradición del comic book americano. Comic book al que dediqué un extenso primer capítulo como introducción histórica, más otros largos epígrafes en varios capítulos posteriores. La tesis fue calificada con sobresaliente cum laude y espero ir publicándola por partes durante los próximos años, cuanto antes mejor.

Ahora quiero dejar constancia aquí, más que nada, de mi más profundo agradecimiento a mis directores de tesis, Carlos Miranda y Carmen Osuna, a TODOS LOS AMIGOS presentes en el acto, que fueron muchos –y algunos se presentaron por sorpresa desde lejanas ciudades–, y a la generosidad que demostraron en todo momento los miembros del tribunal con sus observaciones, comentarios y, por supuesto, críticas y precisiones, que sin duda enriquecerán el trabajo y me ayudarán a matizarlo de cara a una futura publicación en diversos libros (espero), tal como ellos mismos me sugirieron.

Para el recuerdo, el mío, el momento en que después de las tres horas que duró el acto (una hora de mi exposición, más otras dos con las observaciones del tribunal y mi respuesta breve a las mismas) pude salir mientras deliberaban sobre la nota final a saludar a todos mis seres queridos presentes allí. Sin los cuales, que no lo duden, yo no podría haber hecho nada. Ese momento, lo supe en presente, mientras duraba unos escasos minutos, fue una de esas cosas que no olvidaré jamás en la vida.

YA VIENEN LOS REYES

2012-01-06T19:30:00.022+01:00

De las cosas que me han traído este año, quiero destacar aquí (dejemos aparte ahora una bata de señor muy calentita, con la que voy a parecer Harold Foster cuando dibujaba en casa; cosas de la mama) los comic books o TEBEOS AMERICANOS que me ha regalado cierto rey mago madrileño, ahora amigo americano. Bien sabe él la ilusión que me hace este puñado de papel viejo, por dios bendito.

(perdón de antemano por si alguien que está leyendo esto no sabía quiénes son los reyes magos)

Vamos a ello, todas las fotos se amplían clicando sobre ellas:

A este número de SUPERMAN en concreto le tengo mucho cariño, uno de esos viejos tebeos que uno leyó y releyó en cama de niño, resfriado y con fiebre. Saldé mi deuda con la infancia en este post que le dediqué en 2008 en Con C de Arte. Ahora se ha cerrado el círculo al POSEER el tebeo en versión original sin subtítulos, tal como se publicó en diciembre de 1978, fecha mítica añadida porque ese mismo mes se estrenaba en Estados Unidos el SUPERMAN de Richard Donner. Tener ahora el tebeo original en mis manos me hace tanta ilusión que ni siquiera lo he sacado de la bolsa para haceros la foto. Aunque no se percibe en ella, la mano me temblaba

De esto no hace falta presentación (Kirby DC 70s por un tubo)

De esta rareza maravillosa, años setenta de nuevo (en este caso, los años setenta del comic book más violento que aspiraba a ser experimental y "adulto"), espero hablar pronto aquí (by Rich Buckler & Doug Moench)

Y ahora, la joya de la corona, nunca mejor dicho, firmada por otro "rey" mago, en este caso Jack Kirby: su adaptación del 2001 de Stanley Kubrick, publicada por Marvel (guión, edición y dibujo de Kirby; tintas de Frank Giacoia). El tamaño gigante del álbum coincide en el tiempo con otro especial mítico, uno de los tebeos claves en la historia de los superhéroes que se publicaba el mismo mes, enero de 1976.

Comparativa del álbum con el formato estándar del comic book

Como me comentaba Santiago, atención que esta adaptación de Kirby es de 1976, pero la película de Kubrick era de ocho años antes, que se dice pronto. Imagina, decía Santiago, que en 2007 hubiera salido una adaptación al cómic de MATRIX (1999).

Los tiempos mediáticos iban a otra velocidad en 1976, ¿eh?

Para terminar el álbum, un artículo de David Anthony Kraft sobre la película de Kubrick

Y en tercera de cubiertas, antes de cerrar el cómic, ficha de la peli y de Jack Kirby, "One Man's Odissey"

ACTUALIZACIÓN Robur ha dejado este YouTube en comentarios, un fugaz pero completo repaso a este especial 2001 de Kirby

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FINAL ANTICLIMÁTICO. Para terminar estos reyes 2012, unos libros que me he autoregalado yo. En realidad algunos los compré hace ya un tiempo, pero prefiero pensar que son "de Reyes", mayormente por lo carísimo que es el estudio de la Oxford University sobre las respuestas culturales a las guerras persas (qué caros suelen ser los libros editados por universidades, ¿eh? no es por nada; y no digo el precio de éste porque es una auténtica barbaridad, pero puede verse en Amazon). En la portada, el "Come and get it" de 300 que algunos atribuyeron directamente a las "machadas" de Miller, cuando es el clásico "Molon labe" ("Ven y tómalas") que según Plutarco dijo Leónidas a los persas cuando les pidieron que rindieran las armas. La novela de Catherine Dunne no es autoregalo sino otro de Santiago, que la ha traducido para 451 editores.

Nine Antico en Ponent Mon, EL SABOR DEL PARAÍSO, aún sin leer

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Y ahora sí, fin. Hasta pronto, amigos.

FELIZ 2012

2012-01-06T16:01:00.004+01:00

nos desea Jack "King" Kirby

(vía, vía)

PERIFERIAS

2012-01-04T12:10:00.010+01:00

"Envidio la influencia social que tiene la cultura en Alemania o Francia; cuando hablo de cultura incluyo la educación. Sus circuitos para el arte y el conocimiento son muy robustos. Los proyectos, por pequeños que sean, se afrontan con más rigor. En España seguimos viviendo los hábitos y herencias de la dictadura. Muchos de nuestros vicios no son consecuencia de la democracia o de la transición, sino que pertenecen al franquismo. A pesar de esto, soy bastante gramsciano: pesimista en el análisis pero optimista para la acción".

Julián Rodríguez, escritor y director literario de la editorial Periférica, entrevistado por Víctor Lenore en Rocdelux (diciembre 2011), en la sección Truco o trato. Coincido con el diagnóstico de Julián, salvo en todas las razones de ese legado acultural que aún sufrimos. Por supuesto que es un legado franquista, pero también de la transición que se hizo en este país, cuyas bases consistieron justamente en no romper con el franquismo sino en darle continuidad bajo otras formas. En las estructuras de poder, los demócratas negociaron con la burguesía franquista su participación en el festín, lo que supuso más comensales al banquete (partidos nacionalistas y SOE, básicamente) pero no un cambio profundo de los vicios franquistas, como bien indica Julián. Un banquete que pagamos la mayoría de nosotros, naturalmente. Lo sé, es una caricatura simplificadora, pero soy de los que creen que la caricatura es capaz de representar la realidad mejor que el realismo, no sé si me explico. Termino con otra cita de la misma entrevista:

"Soy lector de cómics de todo tipo, no solo de novelas gráficas; veo y disfruto películas de serie B igual que leo (risas) a Robert Musil o Walter Benjamin". (Julián Rodríguez)

Para que luego vengan a decirme que la gente "se lía" con lo de la novela gráfica... Repetimos: "cómics de todo tipo, no sólo novelas gráficas". A ver quién se lía aquí, y sobre todo por qué piensa que los demás, supuestamente, se lían...

(Editorial Periférica)

MÁS POR MENOS

2012-01-03T17:47:00.004+01:00

Intervenciones en cartelismo de Metro Madrid

Otra foto

SPAIN FOR THE FOREIGNERS

2012-01-03T16:06:00.007+01:00

JAVIER CEJAS
“Spain for the Foreigners”
MORSA

“Esa España esperpéntica y cateta, que recibía a los turistas, pero que no hablaba ni papa de inglés”, escribe Juanjo Sáez en el prólogo. Cejas, autor de “Gin Tonic” (2008, Morsa) y colaborador de Elestafador.com, nos anuncia ya desde el título la gran broma conceptual de esta desternillante guía “typical spanish” en viñetas, borradas y redibujadas como una suerte de palimpsesto involuntario y escritas en “inglés” para que las entienda el extranjero. Naturalmente, se trata de un inglés chorra que sólo podemos entender los españoles, exactamente como el contenido: esta pequeña obra maestra nos obliga a pensar sobre nuestra identidad colectiva, pasada y futura; la que deseamos proyectar al exterior y la interior. En realidad el título no miente, es una “España para extranjeros”. Extranjeros de nosotros mismos.

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(una reseña que publiqué en Rockdelux, junio 2011)

Más reseñas del libro en el blog de Javi Cejas

En Morsa Editorial

HAPPY NEW YEAR

2012-01-03T16:02:00.001+01:00

La felicitación de Kyle Baker

Luxury Cartooning

ME DIJERON QUE ESCRIBIERA YO Y LO HICE DURANTE AÑOS

2012-01-02T21:18:00.004+01:00

"¿De dónde saca el dinero?
¡Qué obsesión! Si hay ideas, hay dinero. Mire, cuando empezábamos, nadie hablaba de nuestro cine, así que me presenté un día en el Village Voice y les pregunté por qué no escribían de cine. Me dijeron que escribiera yo y lo hice durante años. Después vimos que los franceses tenían Cahiers du Cinema y los ingleses Sight & Sound ¿Y los americanos? ¿Qué? ¡No teníamos revista!

¿...?
Así fundamos Film Culture, que aún sale. Y del mismo modo montamos la cooperativa Film Makers, que también funciona todavía, porque los distribuidores sólo querían proyectar lo que hacían en Hollywood.

¡Bien hecho!
Lo hicimos porque había una necesidad. Porque el problema es la solución. Si usted tiene una necesidad, no tenga miedo y la propia necesidad le dará la solución... ¿No tiene dinero y quiere hacer cine? ¡Pues haga cine! Explique historias que la gente quiere ver y llegará el dinero".

Jonas Mekas, entrevistado por Lluís Amiguet para La Vanguardia

(gracias, Isabel)

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UN TEMA PARA FIN DE AÑO

2011-12-31T13:24:00.004+01:00

Un tema o, más bien, canción. De Frank Miller y sus 'Hispania Soul', SICODÉLICO.

(cortesía de Manel)

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POR CIERTO: feliz y próspero, sobre todo próspero, año nuevo para todos

BYE BYE 2011

2011-12-28T16:51:00.002+01:00

En El Estafador. Recomiendo buscar la viñeta de Mariscal

LOS SINDICATOS FUTURISTAS

2011-12-28T12:50:00.002+01:00

Esta es la situación y así no debe continuar
el engranaje burgués del mediocre socialismo
impide la misión del prometedor futuro productivo.
Creadores de incomprensión y anquilosamiento
el apoyo al viejo sistema capitalista
no hay cambio, no hay progreso
no hay cambio, no hay progreso
sólo la adaptación camaleónica a otros vientos.
Mientras las viejas estructuras consolidan su poder
y el ruido del Ejército se aplaca con nuevas compras de armamento
no existe, no existe
ya no hay compromiso social en el Gobierno.
Su laxitud es obvia
y la realidad de la corrupción del Estado
y la parálisis del poder
toman otra vez forma en nuestras voces.

Debemos impedir el conformismo
el fácil desarrollo de las cosas
ir contra corriente, si es necesario.

Por un lado suprimir la fanática sumisión al Estado socialista
y por otro erradicar de una vez las sombras fascistas del pasado.
Esta debe ser nuestra misión
la misión de los nuevos Sindicatos
la misión de los Sindicatos Futuristas

LA PRODUCCIÓN AL PODER
LA PRODUCCIÓN AL PODER
LA PRODUCCIÓN AL PODER
LA PRODUCCIÓN AL PODER

Esta es la situación y así no debe continuar
el engranaje burgués del mediocre socialismo
impide la misión del prometedor futuro productivo.
Creadores de incomprensión y anquilosamiento
el apoyo al viejo sistema capitalista
no hay cambio, no hay progreso
no hay cambio, no hay progreso
sólo la adaptación camaleónica a otros vientos.
Mientras las viejas estructuras consolidan su poder
y el ruido del Ejército se aplaca con nuevas compras de armamento
no existe, no existe
ya no hay compromiso social en el Gobierno.

Debemos impedir el conformismo
el fácil desarrollo de las cosas
ir contra corriente, si es necesario.

LA PRODUCCIÓN AL PODER

Aviador Dro
LA ARENGA DE LOS SINDICATOS FUTURISTAS
(video: Programa de Tv: La Edad de Oro, 1983)

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La reciente versión de Sr. Chinarro (2011):

SI ESTAMOS ENAMORADOS

2011-12-27T17:19:00.003+01:00

DEBERÍAMOS HACER EL AMOR

SI ESTAMOS ENAMORADOS
DEBERÍAMOS HACER EL AMOR

SI ESTAMOS ENAMORADOS
¿CUÁNDO SEREMOS AMANTES?

Lo cantaba la gloriosa Róisín Murphy hace unos años.

A ver si tengo un momento (parezco un cascarrabias quejándose por la falta de tiempo, aun en Navidades, pero, amigos, ES CIERTO, sigo atrapado, ahora con todos los trabajos atrasados que he tenido que dejar para estas minivacaciones; mini o más bien seudo, como los mini-jobs) y puedo escribir aquí alguna cosa sobre la gran Róisín en relación a otra artista no menos gloriosa.

Pero antes de eso, ANTES, tienen preferencia algunos tebeos de los que quiero hablar aquí. COMING SOON

CITA DEL AÑO

2011-12-27T15:12:00.006+01:00

"A veces, y -me siento feliz de decirlo- más de lo normal en estos días, se leen críticas de comics de tal calidad que quizás uno se engaña al creer que la forma está recibiendo finalmente lo que se merece, de que hemos ido más allá de las críticas ideológicas fáciles y de las discusiones sobre "historia vs. dibujo" de antaño. Pero entonces sale un libro así y vuelve la dura realidad.

Para empezar con la primera cuestión, parte de la intelectualidad del cómic parece estar desarrollando una obsesión enfermiza con las lecturas ideológicas de los cómics. Hasta el punto de que una obra dada se valora enteramente según un consenso ético y se juzga fallida debido a un contenido "problemático", a menudo de naturaleza racista, sexista u ofensiva políticamente. Cualquier otra cosa que el trabajo podría ofrecer tiende a ser ignorada, y la noción de que algo puede ser bueno, incluso genial, a pesar de -o incluso por- sus problemas parece inadmisible. [...] El problema, más bien, es que tal crítica está a menudo informada por una especie de puritanismo ideológico que ha ganado fuerza en nuestra cultura actual de ofenderse; un puritanismo a menudo ciego a la calidad estética, resistente al discurso incómodo y propenso a la acción para censurar".

Matthias Wivel, en The Hooded Utilitarian

De propina:

"Hay una tendencia a confundir la ética y la estética que amenaza con convertir a un lugar argumentativo y provocador de la reflexión en algo que nunca fue: aburrido".

Matthias Wivel, en The Metabunker

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(vía)

BONITO ÁRBOL DE NAVIDAD

2011-12-26T19:47:00.007+01:00

"After dark, a fiesta of lights provides the outline for Spain and Portugal"

--from International Space Station (ISS)

CASI FREUDIANO

2011-12-26T11:02:00.002+01:00

"Es casi freudiano", dijo. "Cuando te pones una máscara, eres capaz de verdad de ser quien realmente eres. Se convierte en una especie de droga ".

The Nihilist. Patrulla enmascarado las calles de Salt Lake City

(gracias, Juanma)

NO HAY DINERO EN EL MUNDO

2011-12-24T10:08:00.001+01:00

para pagar tantas risas... gracias, Manel.

PARA ESTAR AL LORO (MADE IN SPAIN)

2011-12-20T01:03:00.004+01:00

Apabullante el twitter de Guía del cómic con noticias sobre autores españoles. Ensalada de enlaces a videos, entrevistas, reportajes y mucho más...

LIBROS ILUSTRADOS EN TD1

2011-12-20T00:59:00.004+01:00

Me he emocionado y todo al ver a Javier Olivares en el Telediario de hoy, aunque haya sido en diferido vía internet...

SUPERSIMULACROS

2011-12-19T21:57:00.005+01:00

Ya puede leerse mi primera colaboración con la web académica The Comics Grid.

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Nos vemos muy pronto por aquí. Es muy de cómic returns...

VERY INTERESTING

2011-12-17T00:20:00.005+01:00

"- Además de la película, ¿en qué está trabajando ahora y cuáles son sus influencias presentes?
- Ahora estoy con un cómic más largo sobre el que aún no estoy listo para hablar. Mi influencia aquí son los primeros cómics de Marvel, con los que crecí. Tienen esta especie de loca sensibilidad pop que estoy intentando reproducir. Aún no tiene título y sí puedo decir que no se parece en nada a mis trabajos anteriores".

Daniel Clowes, entrevistado por Marta Caballero para El Cultural

THE BEST OF

2011-12-13T09:56:00.001+01:00

Comenzamos pronto con Número Cero, por Antonio Jiménez Morato. Lo mejor del año en cómics

UNA TEORÍA

2011-12-13T02:22:00.004+01:00

"Una teoría es más que una definición; es un marco que proporciona una explicación ordenada de unos fenómenos observados. Una teoría debe ayudar a que las cosas cobren sentido y no a crear oscuridad utilizando una jerga y un lenguaje árido. Debe unificar y organizar sistemáticamente un conjunto de observaciones partiendo de principios básicos".

Cynthia Freeland, PERO ¿ESTO ES ARTE? (Cátedra, 2003, p. 11)

LET'S PACHECO!

2011-12-13T00:51:00.000+01:00

con las hermanas Pacheco

WENT WITH THE WIND

2011-12-08T17:48:00.012+01:00

Se va un dibujante al que admiraba, por muchas razones, Jerry Robinson (todos los detalles y mucho más, en el enlace a Entrecomics)

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(mi homenaje a Jerry Robinson de hace un año, aquí, incluye breve semblanza biográfica)

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(Robinson fue clave en la campaña para que Jerry Siegel y Joe Shuster obtuvieran el crédito de autores y la pensión vitalicia de DC en 1975, más detalles aquí, al final del post)

Joe Shuster, Neal Adams, Jerry Siegel y Jerry Robinson celebrando el acuerdo de 1975

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Más. Hace pocos meses me llegó precisamente la nueva edición, mejorada y ampliada, de un libro teórico mítico por su edad temprana, un libro pionero. The Comics: An Illustrated History of Comic Strip Art, publicado originalmente en 1974. Se trataba de una historia informal de las tiras de prensa, y la firmaba Jerry Robinson. Descanse en paz.

DE POSTRE

2011-12-08T10:12:00.002+01:00

"Solo recordar que es su primer libro para todos los públicos, eufemismo que quiere decir que está dirigido sobre todo a chavales"

Fulgencio Pimentel ed.

Cette Colère

2011-12-07T22:20:00.001+01:00

otro video. Musical.

IMÁGENES

2011-12-07T20:57:00.004+01:00

"Me gusta esta idea de bombardearme con imágenes de la realidad. Las imágenes son la verdadera realidad hoy día. No podemos decir sin más: descartemos las imágenes y veremos la realidad. Si descartamos las imágenes, no queda nada, sólo la pura abstracción. Para nosotros, las imágenes son hoy la realidad".

Slavoj Zizek, en el video de abajo (2010)

(sigue la serie de videos, subtitulados al español, aquí)

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(esto viene a cuento de una conversación que estamos teniendo en el post de Alan Moore sobre la economía mundial actual)

REVIVE

2011-12-07T20:42:00.000+01:00

(de CAPTAIN AMERICA 110, febrero 1969, Stan Lee y Jim Steranko; tintas de Joe Sinnott)

LA COMPAÑÍA

2011-12-03T23:43:00.002+01:00

"No hay por qué enfadarse conmigo, yo no tengo la culpa"

EL 99%

2011-12-03T23:36:00.009+01:00

"El problema económico es extraño...

La economía siempre es extraña. No estamos hablando de algo que sea verdaderamente real. Para investigar un capítulo de Jerusalem, he leído un par de libros sobre economía para ver si podía entender los hechos de la situación. Me sorprendió cuando me enteré del valor de los bonos derivados, en 2008. Son bonos que tienen valor por sí mismos, y que una vez estuvieron conectados a algo real; podrían haber sido bonos hechos para vender un rebaño de ovejas, pero pueden ser vendidos e incrementar su valor. El valor nominal de los bonos derivados de todo el mundo estaba en el área de los sesenta trillones. Exactamente diez veces la producción económica de todo el planeta, que es alrededor de seis trillones. Esto significa que la brecha entre lo que los economistas y lo que las fuerzas económicas mundiales y los bancos pensaron que tenían que jugar, y lo que realmente existía, era de cincuenta y cuatro trillones. Esa es, me parece, la profundidad del agujero en el que estamos.

Así que algo tiene que hacerse al respecto. Me permito sugerir la decapitación de los banqueros, pero al mismo tiempo que sería muy satisfactorio y nos animaría, es probable que no consiguiera nada práctico para cambiar la situación. Decapitar a la moneda. Cambiar la moneda, ¿por qué no? Eso debilitaría a todas las personas que habían comprado en esa moneda, pero significaría bastante más autonomía para el resto de nosotros, el otro 99 por ciento".

Alan Moore, entrevistado en Honest Publishing, sigue

OCCUPY SEGÚN ALAN MOORE

2011-12-03T23:07:00.007+01:00

"Hasta donde yo sé, el movimiento Occupy es sólo gente corriente que reclama derechos que siempre deberían haber sido suyos. No puedo pensar en ninguna razón por que, como pueblo, deberíamos esperar quedarnos al margen y ver una reducción enorme en el nivel de vida, nuestro y de nuestros hijos, posiblemente durante generaciones, cuando la gente que nos ha metido en esto han sido premiados por ello, ciertamente no han sido castigados de ninguna manera, porque son demasiado grandes para quebrar. Creo que el movimiento Occupy viene a ser, en cierto sentido, la opinión pública diciendo que deberían ser ellos los que decidan quién es demasiado grande para quebrar. Es un grito plenamente justificado de indignación moral, y parece estar manejado de una manera muy inteligente, no violenta, que es probablemente otra razón por la que Frank Miller no está demasiado satisfecho con esto. Estoy seguro de que si hubiera sido un grupo de jóvenes, vigilantes sociópatas con maquillaje de Batman en la cara, estaría más a favor de ello.

¿Qué cree que hace falta cambiar en nuestro sistema político?

Todo. Creo que hace falta una solución radical, me refiero a las raíces hacia arriba. Me parece que todo nuestro pensamiento político está basado en preceptos medievales. Estas cosas no funcionaron muy bien hace quinientos o seiscientos años. Sus formas ligeramente modificadas no son adecuadas para todos en el territorio rápidamente cambiante del siglo XXI.

Tenemos que revisar la forma en que pensamos acerca del dinero, es necesario revisar la forma en que pensamos acerca de quién dirige el show. Como anarquista, creo que el poder se debe dar a la gente, a las personas cuyas vidas se ven realmente afectadas. Ya no es lo bastante bueno tener a un grupo de personas que controlan nuestros destinos. La única razón por la que tienen el poder es que controlan la moneda. No tienen autoridad moral y, de hecho, muestran lo opuesto de la autoridad moral".

Alan Moore, entrevistado en Honest Publishing, sigue en el enlace

(gracias a Eddie Campbell por el soplo)

SING-ALONG, IF YOU FEEL LIKE IT

2011-12-01T21:48:00.004+01:00

"El libre mercado es perfectamente natural,
¿Te crees que soy una especie de muñeco?
Es el modo ideal de ordenar el mundo;
a la mierda la moral, ¿acaso da dinero?

Y si no te gusta, entonces abandona.
O usa tu derecho a protestar en la calle.
Sí, usa tu derecho, PERO NO PIENSES QUE SERÁS OÍDO,

NO MIENTRAS LOS CABRONES SIGAN DIRIGIENDO EL MUNDO".

(siempre conviene recordar canciones patrióticas importantes. Canción para nuestra patria, una patria sin fronteras ni antiguas banderas, la patria de la mayoría, del 99%, de los jodidos por el mocasín suave y educado, antigua bota ruda; distintas formas, mismo resultado. Resto de la letra del gran Jarvis Cocker en castellano, aquí. PARA CANTAR EN GRUPO, SI TE APETECE)

HEY, KIDDS!

2011-12-01T11:36:00.008+01:00

"Nunca he trabajado ni pienso hacerlo en proyectos que me ofenden moralmente, libros que promulgan ideas a las que soy totalmente contrario. No podría, jamás, diseñar un libro para Sarah Palin, Michelle Bachman o Dick Cheney, porque les odio".

Chip Kidd ha estado en Barcelona para dar una conferencia, y Toni García le entrevista para este reportaje de hoy en El País

Foto de Aaron Z. Lee

DRAMÁTICAS AVENTURAS TRIMESTRALES ILUSTRADAS

2011-11-26T18:52:00.002+01:00

el fanzine

20 AÑOS YA

2011-11-25T19:35:00.000+01:00

BLUE LINES

FANCINE 2011

2011-11-25T18:46:00.016+01:00

El martes 29 de noviembre, a las 20:30 horas, me han pedido que dé una conferencia dentro de los actos del Fancine, el Festival de Cine Fantástico de Málaga, que en esta edición ha elegido como tema destacado los superhéroes. La conferencia estará presentada y conducida por el escritor, periodista y empresario cultural Héctor Márquez.

La organización del festival me ha pedido que hable en concreto sobre "El hecho fantástico en la novela gráfica y el cómic". Ahora mismo estamos trabajandou en ellou, me refiero a nuestra charla, pero sí puedo jurar que el título no es mío, y no lo digo porque me parezca mal, sino por indicar que lo ha puesto la organización. Significativamente o no. Hay más conferencias, empezando por hoy mismo, todas por la tarde y todas en el edificio del Rectorado de la Universidad de Málaga, el del Parque. La información sobre el ciclo de charlas, en en el apartado de "Actividades paralelas: Conferencias/Charlas" de la web oficial del Fancine

EL CONGRESO (2).

2011-11-23T20:52:00.056+01:00

Tres posts más abajo daba cuenta con algunas pinceladas, más bien brochazos, del I Congreso Internacional sobre Cómics y Novelas gráficas (9-12 de noviembre de 2011), organizado en Alcalá de Henares por el Instituto Franklin de Estudios Norteamericanos. Pero aún me quedan algunas notas apuntadas para completar el cuadro. Todas las fotos aquí presentes, salvo que se indique lo contrario, son nuevamente de Alberto García.

En la misma sesión del jueves 10, en el panel de superhéroes en el que participaron Jaume Ros y Peter Wilkins, también presentó su comunicación Dyfrig Jones (Universidad de Bangor, Reino Unido), que nos ofreció una charla enérgica, vibrante de verdad, en la que rastreaba los efectos de la paranoia estadounidense post-11-S en el cómic de superhéroes. Dyfrig Jones tiene un curriculum previo como director /productor de series de radio y televisión, realizando programas de temas históricos y musicales. Su paper trataba de los efectos de la paranoia estadounidense causada por el terrorismo islámico, tal como se ha filtrado a través de los códigos de superhéroes en un cómic reciente. Concretamente, no en HOLY TERROR, sino en el crossover SECRET INVASION (2008) de Marvel (viñetas de arriba, Brian Michael Bendis y Leinil Francis Yu), con sus infiltrados skrull como alegoría de los terroristas islámicos camuflados en la sociedad estadounidense. Aquí estamos ante comic book puro y duro, sometido a examen igual de riguroso que una novela gráfica de Chris Ware o Alison Bechdel (por si alguien lo había dudado, un estudio académico pretende ser igual de serio al tratar cualquier tebeo, autor o tradición del cómic, sea comic book, BD juvenil o novela gráfica, puesto que todo ello son tradiciones diferentes, pero todo eso son cómics). Un momento que me voy por las ramas y me pierdo. El título de la comunicación de Jones era "Islamic Aliens: Marvel's Secret Invasion and post-9/11 America", en la que analizaba el citado crossover Marvel comparando con narraciones de invasiones alienígenas previas, desde la literatura inglesa de finales del XIX –incluyendo LA GUERRA DE LOS MUNDOS– al cine de los 50, hasta desembocar en las invasiones aliens de primeros del XXI, que, como SECRET INVASION, reflejan "el discurso popular americano alrededor del Islam, la seguridad y el terrorismo", en palabras de Jones.

Dyfrig Jones, o la personificación del coolness

Como digo, todo muy interesante gracias a la energía de Dyfrig Jones, su dinámica presentación (diseño muy trabajado), su sentido del humor y, finalmente, su agilidad oratoria: Jones ya había terminado su exposición y aún le quedaban cinco minutos para agotar su comunicación, como le indicó el moderador, pero "no necesitaba cinco minutos más", como contestó con gracia y con su acento galés, aunque a continuación los aprovechara para recapitular sus conclusiones: sí, en efecto, SECRET INVASION "trata" de manera codificada sobre las preocupaciones estadounidenses en torno al Islam, el terrorismo y la seguridad nacional, como quedó ejemplificado con viñetas y páginas concretas.

SECRET ORIGINS. El viernes por la mañana asistí, entre otras actividades, a la conferencia plenaria de Antonio Altarriba (Universidad del País Vasco), catedrático de literatura francesa más conocido por estos lares como autor de cómics, entre ellos una de las novelas gráficas españolas más importantes de los últimos años y Premio Nacional de 2010, EL ARTE DE VOLAR, realizada junto al dibujante Kim.

Antonio Altarriba durante su conferencia (la foto la he robado del blog de Javier Mesón)

Antonio Altarriba dio una conferencia que tituló irónicamente "Esto no es un cómic", apelando a dejar de definir lo que no son cómics y a emplear miras amplias a la hora de estudiar los antecedentes de la historieta. En ella abordó la cuestión de los orígenes del cómic, empezando con un resumen de las que considera las tres principales teorías al respecto: 1) la que denominó teoría del "origen instantáneo", que llegó a poner fecha exacta al nacimiento del cómic en una acta firmada por varios investigadores, 25 de octubre de 1896, con la secuencia de viñetas del Yellow Kid de Outcault que incluía bocadillos. Para Altarriba, se trata de una tesis industrial en la que el cómic se concibe únicamente como medio de comunicación de masas.

Yellow Kid y su nuevo fonógrafo, R. F. Outcault, publicada el 25 de octubre de 1896

2), la "acumulativa", que asocia la aparición del cómic a la reproductibilidad y a una tradición de sátira gráfica vinculada a factores tecnológicos (mejoras en las técnicas de imprenta y grabado). En esta teoría, el origen de la historieta se situaría hacia finales del siglo XVIII y primeras décadas del XIX, con Töpffer como pivote cuando en 1827 dedica un libro entero a narrar una historia en dibujos, "literatura en estampas", como él mismo Töpffer le denominó, al que le seguirían otros. Algunos estudiosos como Kunzle se llevan el origen más atrás hasta la aparición de la imprenta moderna, ya que desde mediados del siglo XV pueden rastrearse relatos en imágenes impresos.

Rodolphe Töpffer, Histoire de Monsieur Cryptogame, 1830

3) Finalmente, la que llamó teoría "sempiterna", en la que el origen de la historieta habría que buscarlo en el relato en imágenes como la primera manifestación de nuestra voluntad inscriptiva de contar historias y de representación histórica. Esta teoría le atribuiría un estatus artístico e incluso antropológico muy claro; Altarriba abogaba por tener en cuenta antecedentes lejanos del cómic en pintura, códices e incluso tapices, en una voluntad inclusiva parecida a los estudios literarios cuando discuten los orígenes o el concepto de literatura.

Otra muestra de la conferencia de Antonio Altarriba (foto de Javier Mesón)

Para Altarriba, lo que hoy llamamos cómic sería la forma en la que se produce un relato en imágenes generadas manualmente, en el que puede detectarse una función conectiva y otra configurativa. La conectiva sería la que establece vínculos entre imágenes y permite concebir la temporalidad en ellas; la función configurativa, aquella que permite identificar a los protagonistas de la representación y leerlos en su expresividad. Esta segunda función, según indicó Altarriba, no estuvo bien resuelta hasta finales del siglo XVIII, que es cuando gracias a la caricatura se consiguen formas gráficas para identificar y caracterizar a las figuras y darles así la posibilidad de ser leídas en función de variantes fisionómicas (en esta época, finales del XVIII, primera mitad del XIX, se popularizan los estudios de fisionomía, desde los de Hogarth hasta el ESSAI DE PHYSIOGNOMIE de Töpffer y otros).

Characters and Caricaturas, grabado de William Hogarth (1743)

Es decir, gracias a la caricatura las figuras del relato en imágenes permiten ser leídas, y leídas además en cuanto personajes. Altarriba lo ilustró con algunas muestras, entre ellos algún conocido grabado de Hogarth (no el de aquí arriba, sino otro que ahora no encuentro). Su conferencia generó a la salida un intenso corrillo de debate, y doy fe porque participé en él junto a otros colegas, un momento en el que tuve la oportunidad de conocer en persona a Paco Fernández Martos (Universidad de Sevilla), Óscar Gual (Universidad de Valencia) y Carlos Vadillo (Universidad de Burgos), todos con diferentes comunicaciones en el Congreso: el primero con una titulada "Autobiografía enferma", centrada en los cómics autobiográficos con la enfermedad como temática principal, con una selección de seis novelas gráficas, españolas e internacionales; el segundo con la titulada "La vida en viñetas de Miguel Gallardo", que rastreaba en la obra de Gallardo su empeño en utilizarse a sí mismo como recurso narrativa con su presencia en sus propias viñetas para reírse de sí mismo o ponerse de ejemplo; y el tercero, por último, con una comunicación sobre las estrategias de representación en el cómic autobiográfico. Álvaro Nofuentes se sumó al apasionado debate, pero de Álvaro hablaré después.

Una de las cuestiones sobre las que no dio tiempo a debatir al término de la conferencia de Antonio Altarriba –como comenté en la primera parte de esta crónica, el programa del Congreso era muy apretado en actividades, y apenas había acabado su conferencia cuando ya había otras comunicaciones programadas– fue justamente la cuestión de lo que él llamó función configurativa del relato de imágenes, que no se conseguiría realmente hasta el desarrollo de la caricatura desde finales del XVIII y a lo largo de todo el XIX, en el lllamado por algunos "siglo de la caricatura". Lo digo porque la caricatura se desarrolla precisamente en dibujos, y en dibujos concebidos para ser reproducidos, y no en pintura, escultura o en otro arte objetual no pensado para la reproducción. De caricatura precisamente vino a hablarnos Daniel Gómez (Universidad Ramón Llull), con la comunicación (compartida con Josep Rom, Universidad Ramon Llull, quien además expuso otra sobre la influencia del lenguaje del cómic en la publicidad) titulada "El drama de la caricatura. La simplificación y la deformación como instrumentos retóricos de vanguardia", en cuyo resumen indicaba: "La caricatura es una de las principales herramientas retóricas del cómic. Esto se debe a su potencial expresivo, su capacidad de síntesis visual y la inmediatez con la que permite caracterizar a los personajes". Lo cual remite, por cierto, a la función configurativa de la que hablaba Altarriba en su conferencia. "Estas cualidades hicieron de la caricatura un poderoso aliado del cómic cuando éste se desarrollaba en un espacio tan limitado como el de la prensa diaria", vuelvo a citar del resumen de la comunicación de Daniel Gómez, que trató sobre la evolución de la caricatura en los cómics, sus características formales y su carácter retórico, "para entender la hegemonía de este registro estético". En el cómic, por supuesto.

Daniel Gómez, presentado por Esther Claudio

(aprovecho la foto para un pequeño paréntesis sobre los organizadores: Esther Claudio –Universidad Complutense de Madrid– era la principal organizadora del Congreso; Esther prepara su tesis sobre formas no lineales de lectura en el cómic y es una de las fundadoras de la web The Comics Grid. El que no pudo estar en este Congreso por cuestiones de salud, pese a haber colaborado en su organización, fue Roberto Bartual –Universidad Autónoma de Madrid–, que el año pasado se doctoró con una tesis igualmente sobre cómic; Roberto participa también en The Comics Grid como editor y articulista, de hecho es uno de los que más ha escrito en esta web internacional de estudiosos del cómic. Roberto, por cierto, ya se encuentra bien, pero dejo constancia aquí de que a algunos nos hubiera gustado mucho verle por Alcalá de Henares)

Esther Claudio, presentando a Shelley Culbertson

Roberto Bartual, con jersey a rayas, junto a Esther Claudio en un congreso reciente en Manchester

¡SUPERHÉROES! En la tarde del viernes, de vuelta al panel de superhéroes, presenté mi comunicación, "The Dark Knight Strikes Again, de Frank Miller y Lynn Varley: DK2 o como hacer la revolución desde dentro de palacio", unas notas sobre las rupturas argumentales y estéticas que plantea esta obra de vanguardia dentro de la tradición de los superhéroes. Aquí volvemos a cuestiones que a veces no son fáciles de discernir y que no merece la pena discutir por lo estéril de ese discernimiento: ¿Es DK2 comic book o es novela gráfica? A mi juicio, es una obra singular con características de ambas cosas, y podría argumentarse igual de bien que participa de las dos tradiciones, porque yo creo que está a caballo entre ambas. Esto no la hace mejor ni peor, evidentemente, pero sí tiene interés reflexionar sobre ello para entender por qué una obra así es posible en 2001, y sin embargo no hubiera sido posible hace tan sólo 30 años, en 1981, antes del triunfo del propio Miller y de la novela gráfica, a la que él por cierto contribuyó a traer desde dentro de la industria comercial americana (lo de Miller es en este sentido un caso realmente especial). Pero sobre esto no versó mi comunicación, tranquilos, esto es sólo una pequeña nota al margen que improviso aquí. Sobre lo que sí dije en la comunicación sobre DK2, uno de los cómics de superhéroes más relevantes de la pasada década a mi juicio, me remito a una próxima publicación, de modo que no me enrollo más al respecto.

La sátira experimental de superhéroes o DK2, por Miller y Varley (2002)

Josep Oliver y el Hombre de Acero

Josep Oliver (Universidad de les Illes Balears), que también es guionista de cómic (EL JOVEN LOVECRAFT, dibujado por Bartolo Torres), nos ofreció su comunicación titulada "¿Es un pájaro, es un avión... qué es? Visiones y revisiones del arquetipo de Superman", un estudio diacrónico sobre la figura del Hombre de Acero con el objetivo de "repasar las reinterpretaciones de la figura arquetípica de Superman, y constatar como diferentes momentos en la sociedad y en la historia han creado diferentes formas de ver al personaje", en sus propias palabras. Un breve pero intenso recorrido, en efecto, por la historia de Superman, teniendo en cuenta, como debe ser, que el primer Superman de Siegel y Shuster nacido en las viñetas de 1938 no se parece en absoluto al que "moría" en el megaevento DC de 1992, THE DEATH OF SUPERMAN, ni éste al de Miller o al de Millar (Mark) en RED SON. Josep dejó apuntadas algunas notas interesantes sobre el origen del personaje, que luego fueron comentadas en la ronda de preguntas del panel.

A Josep le siguió Marcello Serra (Universidad Complutense de Madrid), con una intensa comunicación donde comparaba las diversas concepciones del tiempo en las series Marvel y DC: tiempo mítico de esta última, como ya indicó Eco en los sesenta, y tiempo histórico en el caso de Marvel. A mí, debo decirlo, este tema me interesa bastante y lo había investigado por mi cuenta, pero desde luego no con tanta profundidad como Marcello Serra, que aportó nuevas ideas y perspectivas muy sugerentes en su comparativa. Marcello ha presentado este mismo año su tesis sobre la semiosfera (universo de sentido) del cómic de superhéroes, pero yo había tenido la ocasión de leerle previamente en algún artículo, «Los hijos del Caballero Oscuro. Mutaciones sensoriales en el Batman de Frank Miller», publicado en 2008 en Revista de Occidente.

Marcello Serra durante su exposición

En la ronda de preguntas de nuestro panel, me gustaría destacar la intervención de Jesús Jiménez Varea (Universidad de Sevilla), a quien por cierto tuve el placer –de verdad– de conocer por fin en persona. Jesús aportó comentarios pertinentes y brillantes que enriquecieron el debate sobre nuestras comunicaciones. Y, cómo no, salió la cuestión del "nuevo Miller" de estos últimos años, que a juzgar por sus declaraciones ha dado un giro claro hacia la derecha respecto a sus posturas previas, etcétera, cosa en la que tanto Jesús como yo no podíamos discutir porque los dos estábamos de acuerdo. (Jesús también aportó su propia comunicación sobre superhéroes al congreso, "The Tangled Narratives of Shared Comic Book Universes", que yo no pude oír, y participó en alguna mesa redonda)

INDEPENDIENTES Y ALTERNATIVOS. Para ir recogiendo, vamos con un par de comunicaciones y una conferencia.

Mihai Iacob, o la posmodernidad en el cómic

Mihai Iacob (Universidad de Budapest), arriba, expuso una comunicación en torno a las manifestaciones ideológicas y estéticas propias de la posmodernidad en el cómic hispánico reciente, eligiendo como caso de estudio EL RESENTIDO, de Juaco Vizuete. Yo no estuve en su charla, pero Alberto García sí:

«Comenzó por definir el posmodernismo en base a los principios de distintos investigadores, y se preguntaba si podíamos decir que en el cómic hay posmodernismo (o mejor dicho, por qué podemos afirmar que existe el posmodernismo en el cómic) y qué forma adquiere. Para reforzar el interés de su hipótesis de partida cito a otros investigadores que afirman que el cómic no ha pasado por el posmodernismo, algunos de forma explícita, como Rubén Varillas, y otros de forma implícita, como Santiago García (al menos eso es lo que Iacob ha colegido de la lectura de La novela gráfica). La exposición de este hombre me pareció clara e interesante, pero por desgracia se alargó mucho en el apartado más teórico (no es que se alargase mucho, es que el tiempo era muy limitado) y apenas tuvo tiempo de aplicar las conclusiones al ejemplo concreto que traía preparado, que era El Resentido de Juaco Vizuete».

(gracias de nuevo, Alberto)

Álvaro Nofuentes (Universidad de Poitiers) es un historietista valenciano, licenciado en Bellas Artes, que ha pasado el último año de su vida en Angoulême, ha cursado allí un master y en él ha realizado este trabajo académico dirigido nada menos que por Thierry Groensteen. Álvaro fue para mí otra de las alegrías del Congreso, porque nunca había coincidido con él en persona, y compartimos charlas y almuerzo (Álvaro es por cierto, como le pasa a otros autores de la novela gráfica reciente, fan del DK2 de Miller y Varley). Su comunicación se titulaba "La(s) Aventura(s) de la Forma", con la que pretendía poner en cuestión la definición de cómic como arte secuencial de McCloud, un marco que juzga muy estrecho para el cómic por la gran cantidad de cómics no secuenciales, tanto de autores del pasado (Töpffer) como del presente, caso de Richard McGuire o Chris Ware. La otra cuestión que quería explorar en su paper era la de la heterogeneidad de estilos en la misma historieta, con cambios de registro incluso dentro de la misma página, en un recurso que para él representa un gesto de liberación respecto a la exigencia de relato, e incluso como gesto anticinematográfico: el cambio de estilo gráfico, le cito, "como forma de emancipación con respecto al lugar predominante que ocupan el relato y los cánones autoimpuestos del cine narrativo". Complemento estas notas sobre su comunicación con el comentario que me escribía Alberto García por email:

«La comunicación de Álvaro Nofuentes me gustó mucho, me pareció muy lúcido y muy claro. Para empezar, ponía en solfa el paradigma mccloudiano de la secuencialidad como elemento definitorio del cómic mostrando varios ejemplos, sobre todo de autores actuales, donde lo sensorial o lo contemplativo destrozaban el concepto de "historia" o "narración". Enlazó esto con lo que el llamó en su título "la(s) aventura(s) de la forma", es decir, todos los artefactos metalingüisticos que ponen el acento no sobre aquello que se cuenta sino sobre la propia condición de cómic del cómic. Se fijó especialmente en los cambios radicales de estilo que un autor puede presentar en una misma historia (aunque aquí el término "historia" hay que cogerlo con pinzas, claro) y que rompen completamente la ilusión de realidad. Recuerdo el ejemplo de Oliver Schrauwen, cuyo último libro, "The man who grew his beard", Nofuentes, Spiegelman y yo recomendamos encarecidamente. Ya te digo, me pareció una charla interesantísima y que abría muchos caminos».

Álvaro Nofuentes impartiendo la pana

Terminamos con la conferencia de clausura del Congreso del sábado 12, impartida por Charles Hatfield. Hatfield es un profesor de literatura inglesa en la California State University, especializado en estudios sobre cultura popular, además de activo teórico sobre cómic. Entre otras actividades, es editor en revistas digitales académicas como ImageText y colabora desde años en The Comics Journal. También ha publicado libros tan magníficos como ALTERNATIVE COMICS. AN EMERGING LITERATURE (2005, University Press of Missisippi), tiene uno a punto de salir sobre Jack Kirby (enero 2012) y prepara en la actualidad una monografía sobre la obra del historietista Eddie Campbell.

Como yo no podía quedarme el sábado en el Congreso por cuestiones laborales (sigo atrancado con toneladas de trabajo, espero liberarme en breve), cedo de nuevo la palabra a un testigo de los hechos, Mr. tio berni aka Alberto García, que grabó la conferencia en video:

«Me ha tocado estar al fondo de la sala de pie y grabando con la cámara, a pulso, durante más de una hora, así que he terminado roto. Quiero ver la charla otra vez porque las condiciones en las que la he visto no han sido óptimas, pero me ha parecido muy buena. Ha empezado con el último Optic Nerve de Adrian Tomine, que ha usado como punto de partida para desarrollar el discurso. Ha tratado de explicar (o de entender) la dicotomía entre "independiente" y "alternativo" y cómo estos conceptos han evolucionado con el mercado directo hasta llegar a la novela gráfica de nuestros días. Quiero decir que, según Hatfield, la novela gráfica se situaría ya en un plano distinto al del cómic independiente; este último estaría más representado por los comic books tipo Optic Nerve o los originales Love & Rockets. Precisamente, el último Optic Nerve de Tomine sería un intento de volver a capturar ese espíritu de independencia frente al estatus ya establecido de la novela gráfica. Por cierto, Hatfield también examinó los contenidos de los cómics que iba mostrando, e integró ese contenido con su formato en cada caso y la percepción que de ello tiene el público. Alguien que es capaz de ver el bosque. Muy bien las imágenes y los ejemplos que ha sacado a colación, muy claro en su exposición».

Charles Hatfield, underground, alternativo e independiente. Impresionante detalle el del subtítulo español

Actualización: Alberto García ha subido el video de la charla de Hatfield a Entrecomics

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TO BE CONTINUED. Hasta aquí estas notas sobre el I Congreso de Cómics y Novelas Gráficas de Alcalá de Henares. Sólo añadir que por aquí han pasado tan sólo una pequeña muestra del total de ponentes, pero hubo muchos más, entre ellos Iván Pintor (Universidad Pompeu Fabra, Barcelona), a quien también tuve el gusto de conocer in person después de haberle leído previamente, alguien realmente encantador (estoy seguro de que quienes le conocen podrán atestiguar lo mismo). No pude asistir a su comunicación ("El sueño y la historia: El espejo de las viñetas"), sencillamente porque coincidió con la mía en el tiempo pero no en el espacio. Él estaba en el panel de "Influencias", no en el de superhéroes; ya digo que había muchas actividades en marcha a la vez.

Por último, si queréis más crónicas, podéis leer la del blog Noticias de un espía del bar, el post del citado Javier Mesón y la nota que ha escrito Diego Matos (Universidad Pontificia de Salamanca). A Diego Matos tuve el gusto de conocerlo igualmente; Diego tuvo comunicación en el Congreso (sobre el tratamiento del periodismo en el cómic) además de moderar una de las mesas redondas. Si pincháis en el enlace podréis leer su propia crónica. Gracias de nuevo a Alberto García por las fotos y comentarios, y a vosotros por leer esto.

100

2011-11-23T12:03:00.002+01:00

El Estafador

DOS CONGRESOS, DOS

2011-11-22T16:41:00.011+01:00

Mientras termino la crónica del Congreso de Alcalá de Henares, doy noticia aquí sobre otros dos congresos sobre cómic.

1) II Congreso Internacional Grandes Narradores: Alan Moore y sus alrededores, que se está desarrollando ahora mismo en la Facultad de Filología de la Universidad Complutense de Madrid (21, 22, 23 y 24 de noviembre de 2011)

enlace

2) Segundo Congreso Internacional sobre Historietas y Humor Gráfico Viñetas Serias
Narrativas Gráficas. Lenguajes entre el Arte y el Mercado

Fecha: 26 al 29 de septiembre de 2012.

Sedes: Biblioteca Nacional – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires

Buenos Aires, Argentina

Primera Circular: enlace

DÍA DE ELECCIONES

2011-11-20T12:01:00.005+01:00

Voy a ir a votar. Aunque siga lloviendo aquí, no me voy a quedar en casa.
Hasta lue!

(viñeta de Jaime Hernandez: Hopey en "Election Day", en DICKS AND DEEDEES, 2003, Fantagraphics)

EL CONGRESO.

2011-11-20T01:18:00.039+01:00

Decía dos posts más abajo que el fin de semana pasado estuve en un congreso. Por supuesto, no era un congreso de oftalmología, ni de biología, ni siquiera de derecho, porque si fuese así no estaría hablando de esto ahora, aquí, en Es-Muy-de-Cómic. En efecto, sí, por supuesto, el congreso en cuestión era sobre cómics, sobre tebeos, sobre viñetas. Me refiero exactamente al I Congreso Internacional sobre Cómics y Novelas gráficas (9-12 de noviembre de 2011), organizado en Alcalá de Henares por el Instituto Franklin de Estudios Norteamericanos. Nótese la doble nomeclantura, cómics y novelas gráficas, integradas sin embargo en un mismo evento académico (volveremos sobre esto). Como decían en su web oficial, el principal objetivo de este Congreso era reunir al mayor número de especialistas e investigadores sobre cómic, con el tema clave de "sitios de innovación visual y textual". Así pues, la llamada para papers hacía hincapié en temas como el origen de los cómics, narraciones experimentales y de vanguardia o biografía y autobiografía, aunque era posible proponer otros temas. Nótese también que se considera a la biografía-autobiografía como un tema innovador en el cómic, algo que por supuesto es, al menos en nuestro campo: una de las novedades (relativamente recientes) que ha traído la novela gráfica al cómic.

Bien, vamos al turrón. Mi intención aquí no es tanto ofrecer una crónica "académica" de lo que sucedió allí (It happened in Alcalá), puesto que para eso tenemos las comunicaciones, las conferencias plenarias, las charlas informales en los pasillos –que como todo el mundo sabe son lo mejor para conocer a la gente– y las publicaciones (creo que el Instituto Franklin editará una selección de las comunicaciones presentadas al Congreso). Mi intención aquí es, más bien, dejar constancia del lado más "humano" de lo que sucede en un congreso como éste; meternos hasta el fondo de la cocina a ver que se coció en los fogones. Bueno, es un decir, ya me entendéis.

Para empezar, echemos un vistazo al lugar donde nos reunimos. La sede del Instituto Franklin es el Colegio universitario (antiguo convento) de Trinitarios Descalzos de Alcalá de Henares, que como puede comprobarse en el documento gráfico es un sitio de auténtico abolengo,

La sede del Instituto Franklin en el Colegio de Trinitarios de Alcalá de Henares (foto de Daniel Rodríguez Calvo)

, un colegio catalogado como monumento histórico (Alcalá de Henares está llena de edificios como éste). Siglos de historia y estudio universitario reconcentrado nos contemplaban desde estos muros. Claro que para llegar aquí había que superar antes un requisito importante: no perderse, como le pasó a más de uno (ejem). Por ejemplo, bajándose en la parada del Cercanías en el CAMPUS de la Universidad de Alcalá de Henares en lugar de en la genuina y auténtica ALCALÁ de Henares en sí misma considerada (ejem). Vamos ahora a un brevísimo repaso a las comunicaciones y rostros del Congreso. Todas las fotos que ilustran esto a partir de aquí son de Alberto García (Entrecomics), al que agradezco no sólo su colaboración en este post, sino también su asistencia a las charlas. Lo mismo que la de Gerardo Vilches, pues los dos acudieron como oyentes al Congreso, simplemente por interés en oírnos a todos.

Primer dato significativo: yo no he visto nunca un congreso, de cómic o no, con tantas comunicaciones y paneles. Para resumirlo a lo bruto: eran un auténtico mogollón. El propio director del Instituto Franklin, José Antonio Gurpegui, afirmó durante la conferencia inaugural que ya habían organizado varios congresos antes, pero que éste era con diferencia el más "crowded" (sic). Como decían dos viejos humoristas en su viejo chiste recurrente, la plaza estaba abarrotá. Literalmente.

Roger Sabin, Antonio Ballesteros (UNED), José Antonio Gurpegui (director del Instituto Franklin) y Esther Claudio, principal organizadora del Congreso

La respuesta al CFP (call for papers) del Congreso había sido abrumadora, estaba claro, y cada día, tanto por la mañana como por la tarde, había en marcha varios paneles simultáneamente con una media de dos tres comunicaciones en cada panel. Es decir: un mogollón de charlas, como ya he dicho. Segundo dato importante: en el Congreso había ponentes de universidades de muy diferentes países, es decir, estamos hablando de un congreso auténticamente internacional. Aquí había estudiosos que venían del Reino Unido, de Alemania, de Noruega, de Dinamarca, de Estados Unidos y Canadá, de España por supuesto, de Italia, de Suiza, de Brasil, de Portugal, Rumania, Irlanda del Norte o Puerto Rico. Toda esta gente venía a Alcalá de Henares a exponer y compartir sus investigaciones sobre cómic, recordemos. El Congreso también estaba abierto a diferentes metodologías y disciplinas: Filología, Sociología, Comunicación, Bellas Artes, Historia, Historia del Arte, etc. La idea por tanto era asimismo ofrecer un punto de encuentro para la gente que estamos investigando desde la universidad en el cómic ahora mismo. Y si uno de los paneles más concurridos fue el relativo a obras de vanguardia y experimentales, debo decir que el dedicado a los superhéroes contó también con una cantidad asombrosa de comunicaciones (entre ellas la mía, por cierto); otro de los paneles concurridos fue el dedicado al manga. OK, ya están hechas las presentaciones, vamos a lo que vamos. No voy a comentar todas las comunicaciones, obviamente, ni desfilarán por aquí todos los ponentes, puesto que era materialmente imposible asistir a todas las actividades: mientras uno estaba de oyente en un panel, se estaban desarrollando otros dos o tres paneles simultáneamente. Valga esta pequeña crónica como pequeña muestra de todo lo que allí sucedió, que fue muchísimo.

Empiezo por uno de los paneles dedicados a la vanguardia en el cómic, que fue el primero en el que me metí nada más llegar al congreso el jueves por la mañana (no pude hacerlo desde el primer día, miércoles, por cuestiones laborales, pero me hubiera encantado hacerlo, etc.). En este panel pudimos escuchar a Jesús Ángel González (Universidad de Cantabria), dar una charla rigurosa pero también amena y divertida (bastaba escuchar las risas de los oyentes), sobre dispositivos de metaficción en las tiras de cómic americano. Aplicando categorías y conceptos sobre metaficción de estudiosos como Robert Alter, Patricia Waugh, Robert Scholes o Linda Hutcheon, González ofreció una clasificación clara con los ejemplos de cómic de prensa muy bien escogidos e ilustrativos. Tiras de CALVIN Y HOBBES, BARNABY, LITTLE SAMMY SNEEZE, PEANUTS, NANCY o MUTTS, entre otras, fueron seleccionadas como muestra de los diferentes recursos de metaficción que se querían exponer. La gran mayoría de esos ejemplos, significativamente, procedían de tiras humorísticas. Me gustó mucho su charla, y así se lo dije al terminar.

Jesús Ángel González durante su comunicación

Justo a continuación le siguió Paolo Simonetti (Universidad de Roma), que nos ofreció una visión "perspectivista" (versión de Ortega) del ASTERIOS POLYP de Mazzucchelli, destacando su presentación por la agilidad y pertinencia de su selección de imágenes, pero también por la amplia panorámica que ofreció sobre la carrera de Mazzucchelli (muy llamativa dada la brevedad de la exposición, obligatoria en este tipo de congresos).

Paolo Simonetti nos presentó a Asterios y sus arquitecturas de ficción

Jordana Greenblatt, lost girl

Jordana Greenblatt (Universidad de York, Canadá), aquí arriba en la fotografía, ofreció una brillante comunicación sobre LOST GIRLS, de Alan Moore y Melinda Gebbie, que tituló elocuentemente "Pornarratology and Narrative Disruption". Jordana, a la que tengo el gusto de haber leído antes de este congreso –en un artículo muy interesante en el que comparaba los (las) sidekicks en V DE VENDETTA y THE DARK KNIGHT RETURNS –, aplicó el psicoanálisis a la novela gráfica de Moore y Gebbie, tocando de pasada la cuestión de la delgada línea "roja" entre lo pornográfico y lo erótico. Lástima que le fallaran algunas imágenes, puesto que en este caso -como denotaban las risas del público nuevamente- eran especialmente importantes para ilustrar el discurso sobre el cómic en cuestión. Su propuesta también provocó un par de intervenciones del respetable en el turno de preguntas y comentarios. Según Jordana, LOST GIRLS es una obra pornográfica que relaciona sexualidad y violencia con narraciones personales y culturales, una obra a la que aplicó diversas teorías psicoanalíticas sobre perversión y narración. Para la estudiosa, la composición de página de LOST GIRLS producen una disonancia de sucesos, narraciones y perspectivas. A través de "su combinación única de imágenes y texto, autóctona de la novela gráfica, Moore y Gebbie producen un trabajo que simultáneamente inscribe la sexualidad dentro de narraciones personales y culturales, y subvierte esas narraciones para criticar la normativa social y las restricciones sexuales que dirigen la violencia hacia finales coercitivos y destructivos". En una obra pornográfica como ésta, por el contrario, el clímax o apoteosis sólo puede ser sexuarrrl. Jordana aludió a una significativa declaración de Moore: "Me parece que hay una terrible cantidad de energía que volcamos en la guerra, una energía erótica en realidad cambiada de sitio y pervertida". Siguiendo a Marcuse, concluía Jordana, las atrocidades sociales surgen de perversiones inofensivas deformadas por las restricciones de una sociedad represiva.

LOST GIRLS, energía erótica reprimida. Por Alan Moore y Melinda Gebbie

ALLY SLOPER'S HALF HOLIDAY. La conferencia plenaria inaugural, que vino a continuación, al mediodía, le correspondió a Roger Sabin, que ofreció una panorámica sobre las diversas formas de explotación comercial del británico Ally Sloper, uno de los primeros personajes del cómic. Anuncios publicitarios, muñecos, bonos de comida, pipas de fumar, relojes de bolsillo, películas y hasta seguros de vida se vendieron a finales del siglo XIX y primeros del XX utilizando a Sloper como reclamo, dada la popularidad del personaje.

Roger Sabin y Ally Sloper

más Sabin

Intensa expectación entre el público en la conferencia inaugural

Aquí arriba, la audiencia que tenía Roger Sabin en su conferencia plenaria. En primer plano a la izquierda, servidora con gafapasta junto a Gerardo Vilches; al fondo en profundidad de campo reconozco entre otros a Charles Hatfield y a José Alaniz. De Hatfield hablaré luego, pero ahora quiero aludir a Alaniz. José Alaniz (Universidad de Washington, Seattle), al que tuve el gusto de conocer en persona en el Congreso, es uno de los investigadores más asombrosos -al menos bajo mi punto de vista- que están trabajando ahora mismo en el campo del cómic. Para decirlo rápidamente, José Alaniz se ha especializado en cómics que nadie ha estudiado en Occidente, los de países del Este. Hace unos años se marchó a Rusia a investigar los cómics rusos (¿alguien sabe algo de ellos? ¿poco o nada de NADA, verdad?), aprendió el idioma primero (dato importante a tener en cuenta) y se puso manos a la obra con su investigación. El resultado es un libro magnífico, KOMIKS. COMIC ART IN RUSSIA, que ha venido a cubrir esa laguna y que ha servido también para que otros investigadores como Santiago García pudieran incorporar a su propio estudio el cómic ruso. En el caso de Santiago, su libro LA NOVELA GRÁFICA recoge la participación rusa en esta corriente reciente del cómic (el caso singular de Nicolai Maslov, en concreto, que dibujó una novela gráfica directamente publicada en Francia). José y Santiago, de hecho, se conocieron en 2008 durante un festival de cómic ruso, el KomMissia de Moscú, y fue Santiago quien me recordó que me acercara a saludar a José en este Congreso de su parte. Los tres compartimos algo además muy importante para nosotros, la fascinación inagotable por el comic book de superhéroes. ¿Que qué investiga ahora José Alaniz, una vez que cerró su estudio sobre el cómic ruso? José está estudiando ahora los cómics checos, para lo cual se ha trasladado a Praga en una estancia de investigación, previo aprendizaje nuevamente del idioma (evidentemente, José no sabe checo de nacimiento, etc.) para poder realizar su investigación y leer los cómics de allí. ¿Os he dicho ya que lo suyo es asombroso? Su comunicación en el Congreso trató precisamente de cómics checos.

(José Alaniz y los cómics rusos, en Mandorla)

José Alaniz y Anna Voronkova en Moscú, en 2008 (Anna es una de las organizadoras del KomMissia; la foto se la he robado a Santiago García)

Después de la conferencia de Sabin, la organización del Instituto nos ofreció un ágape como recepción oficial. Momento distendido para compartir bebida y tapa, en el que, entre otras cosas, tuve la oportunidad de reencontrarme con Irene Costa (Universidad del País Vasco), una chica jovencísima, licenciada en Bellas Artes, que se ha empeñado en hacer una tesis sobre el cómic autobiográfico. Estoy seguro de que la terminará muy pronto. De momento, ha presentado una comunicación sobre "La memoria como narración en la obra de Seth". A Irene la conocí hace un par de años en el Salón del Cómic de Barcelona, no precisamente en la mejor de las circunstancias (estaba a punto de coger el avión de vuelta y salí pitando), pero en este reencuentro pude reparar mi falta de atención cuando se aproximó a mí para que la orientara en el proceloso mundo del cómic español. Irene desprende energía en cualquier cosa que dice o hace, y no abandona nunca una sonrisa peremne. Ya digo, es la energía, que le desborda. No tengo foto de Irene, así que sigo con otros de los ponentes.

Arrriba, Shelley Culbertson (Universidad de Ulster) durante su comunicación. Yo no pude asistir porque esto era el miércoles y aún no había llegado al Congreso, pero sólo por el título de su presentación puedo jurar que, de haber podido, no me la habría perdido. Lo mismo me pasó con Maya Zalbidea (Universidad Complutense), aquí abajo, que presentó comunicación sobre el tratamiento del género en webcómics y cómics animados con Flash. Espero que Alberto García "tio berni" acuda al rescate en los comentarios y nos explique algo más sobre las intervenciones de ambas, ya que él sí estuvo presente (al menos hizo las fotos).

Maya Zalbidea y los webcómics

Un momento, que Alberto García acude por e-mail a explicar el asunto ante mis preguntas, copio y pego:

«Si te digo la verdad, de Shelley Culbertson no entendí ni la mitad, porque hablaba con un acento irlandés muy cerrado. Hablaba sobre la violación real y metafórica de las superheroínas o personajes importantes del comic book: Barbara Gordon, Silk Spectre, Wonder Woman, etc., y lo relacionaba con teorías freudianas, el complejo de Edipo y tal. Sobre la comunicación de Maya Zalbidea, trataba sobre representación del género en webcómics. Por género me refiero a los roles socialmente asignados a hombres y mujeres, ya sabes, como en "estudios de género". De hecho explicó bastante bien el concepto, diferenciando "sexo" de género". Después mostró varios webcómics donde se aplicaba este concepto. Recuerdo uno en el que una mujer entra en una especie de universo Matrix y allí "descubre" la verdad tras la construcción social, es decir, aquellas convenciones que se le suponen por su género».

(gracias de nuevo, Alberto). Según indica el resumen escrito de la comunicación de Shelley Culbertson, superheroínas como Wonder Woman, She-Hulk o Elektra no son discutidas en el sentido de ser víctimas, pero hay motivos recurrentes, según Culbertson, que indican que aunque triunfen siguen siendo vulnerables. La estudiosa acude al complejo de castración de Freud para articular la idea de mujer fálica-castrante-monstruosa, ejemplificada con diversas muestras de varias épocas del tebeo de superhéroes. La conclusión, según Culbertson, es que aún hoy las mujeres siguen siendo víctimas de sus propias circunstancias a pesar de haber alcanzado un periodo de estabilidad y poder en los cómics recientes: «parafraseando a Natasha Walters, las superheroínas modernas serían "muñecas vivientes", una fachada que esconde el "retorno del sexismo"».

EN HOMBROS DE GIGANTES. Arriba, Marcos Martín (no el dibujante barcelonés), de la Universidad de las Palmas de Gran Canaria, que ofreció una comunicación titulada "Del mito al cómic, un estudio sobre la figura del héroe en el comic book americano", sobre la estructura narrativa de los mitos heroicos según teorías de Guillermo Echevarria Molloy, un trabajo de investigación que había presentado con éxito para obtener su DEA en febrero de este año. Para ejemplificarla la aplicó sobre todo al Daredevil de Frank Miller, pero yo llegué al congreso justo después, ainsss... me comentaron que estuvo muy bien. Estoy seguro de ello.

Jaume Ros (Universidad de Alicante) nos ofreció una agilísima presentación de la aparición del superhéroe con Superman, planteada desde la teoría de la comunicación y la sociología. ¿Por qué pasamos de héroes, enmascarados o no, procedentes de la literatura popular, del folletín, los pulps y los seriales de radio y cine de las primeras décadas del siglo XX al superhéroe de las viñetas, de la mano de Jerry Siegel y Joe Shuster? ¿qué diferenciaba al superhéroe de sus antecedentes, y a qué respondían esas diferencias? Ah, preguntas, preguntas. Jaume, muy divertido pero serio a la vez en cuanto a estructura y diseño (curradísimo) de su presentación (cuando digo "muy divertido" es porque es una de esas personas que no pueden evitar bromear, particularmente sobre sí mismos), nos ofreció su teoría con interesantes "matizeitions", alternando español e inglés en un esfuerzo encomiable para hacerse entender entre el abundante público de habla inglesa. "When the hero became a superhero", se titulaba su comunicación. Jaume citó a Umberto Eco, Roman Gubern, Rubén Varillas o Santiago García, entre otros, para apoyar sus ideas. A mí me cautivó sobre todo con su gracia y su entrega: su deseo de comunicarse a toda costa.

Arriba, Jaume Ros y sus estupendas explicaciones en Spanglish. Un momento, que vamos a verle mejor porque en esa foto aparece completamente oculto en la maleza

mucho mejor ahora, hágase la luz. Jaume Ros de nuevo, junto a uno de los (superamables) presentadores del Instituto Franklin (lamento no saber su nombre)

Peter Wilkins a hombros de gigantes

En el mismo panel sobre superhéroes, Peter Wilkins (Douglas College, Canadá), arriba, dio una charla sobre la presencia más o menos invisible de los superhéroes en dos de las novelas gráficas más importantes de los últimos años, JIMMY CORRIGAN, de Chris Ware, y FUN HOME, de Alison Bechdel. Wilkins tiene una elegancia natural, una ironía humanista y suave, que te conquista, y no creo que me pasara sólo a mí. "Standing on the Shoulders of Giants: The Superheroic Foundations of Chris Ware's Jimmy Corrigan: The Smartest Kid on Earth and Alison Bechdel's Fun Home", era el título de su comunicación. Los lazos entre la tradición del comic book, más larga y antigua, y la tradición de la novela gráfica, más reciente y breve, no cesan. Lógicamente, pues aunque ambas sean tradiciones del cómic diferentes y diferenciables (si queremos estudiarlas seriamente, científicamente, por cierto), tanto Chris Ware como Alison Bechdel crecieron en un mundo en el que los tebeos de (y las series de televisión basadas en) superhéroes formaban parte del universo infantil de muchísimos chavales all around the world. Aquí mismo, al otro lado del teclado, hay otro antiguo fanboy. Se siente. En fin, que Wilkins habló sobre la presencia de los superhéroes en dos novelas gráficas que ni son de superhéroes ni pertenecen a la tradición del comic book, pero, de cierta forma, presentan fuertes lazos con ella. Lazos psicoanalíticos y sentimentales, íntimos. Wilkins llega tan lejos como para proponer que ambas novelas gráficas pueden leerse como fruto conceptual y visual de una misma ansiedad que procede directamente del tebeo de superhéroes: la ansiedad de la identidad y de ser capaz de actuar en el mundo. La doble identidad, central en el género superheroico desde Superman, sublimaba la angustia adolescente de no conocerse a uno mismo y de dudar de ser capaz de actuar en el mundo; la ansiedad de tener una identidad superficial visible a los demás y una identidad «secreta», un álter ego que el mundo no conoce y que uno mismo apenas entiende todavía. ¿Cuál es la identidad "real", Peter Parker o Spiderman, Bruce Wayne o Batman? En FUN HOME, el padre de Alison Bechdel, Bruce Bechdel, es un homosexual oculto que esconde esa identidad secreta bajo su personaje familiar mientras construye una «Fortaleza de la Soledad» de superficies elaboradas y engañosas; en JIMMY CORRIGAN, el conflicto del autoconocimiento también aparece vinculado a un problema de paternidad: en ausencia de su padre, Jimmy sustituye la figura paterna por un Superman imaginario que deviene en un motivo visual dominante en la obra.

Jimmy Corrigan y sus problemas con las mujeres

El Superman que no podía volar, en JIMMY CORRIGAN

FUN HOME vs. la Batcueva

Según Wilkins, el conflicto central que articula ambas obras es la incapacidad de afirmar libremente el destino y la identidad: tanto Bruce Bechdel como Jimmy Corrigan se sienten constreñidos y frustrados por la identidad que representan socialmente, en conflicto consigo mismos por no ser capaces de afirmar su identidad secreta, ponerse "el traje" y actuar con él en el mundo como lo haría un superhéroe. "Si tan sólo" Bruce Bechdel pudiera salir del armario y expresar su homosexualidad (como de hecho hace su hija en cuanto tiene ocasión); "si tan sólo" Jimmy Corrigan pudiera liberarse de su timidez crónica... El superhéroe se convierte de este modo, según Wilkins, en una figura fundacional y un límite conceptual tanto para JIMMY CORRIGAN como para FUN HOME. Magnífica y sugerente propuesta, de las más interesantes para mi gusto de cuantas pude asistir.

(continuará)

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Actualización: Álvaro Nofuentes escribe en comentarios, copio y pego:

«Por cierto, que también te perdiste dos el miércoles impresionantes sobre From Hell, de Ignacio Rams y Antonio Ballesteros.
Corto y pego parte de las notas que tomé:
"From Hell---el folletín---. Del “who done it?” al “what happened?”.
Texto metanarrativo y metarreferencial que hace contínuas referencias a las gacetas (“penny dreadfuls”) de la época. Moore y Campbell se inscriben en esta tradición gráfica y literaria, tanto en lo que se refiere a la retórica postural (que a su vez viene de las obras de teatro criminales) como en el modelo narrativo o el estilo de dibujo».

HIZO UN HOMBRE DE MÍ.

2011-11-18T16:52:00.011+01:00

Este domingo hay elecciones generales. Pero ZP ya votó. Hace tiempo. Por cierta lideresa. Él vota, y nosotros votamos. ¡Es la fiesta de la democracia!

(la tira de arriba la dibujé este verano para una publicación de la que, si eso, ya hablaré aquí más adelante; de momento, clic para ampliar)

LA COMEDIA DEL PIJAMA

2011-11-18T15:24:00.011+01:00

Estoy viendo de nuevo los monólogos del Club de la Comedia de Paco Roca. Fue en su presentación de MEMORIAS DE UN HOMBRE EN PIJAMA (Astiberri) en Madrid, el pasado viernes en Fnac Callao, un "acto" por el que tuve la ocasión de pasarme para troncharme de risa. Volvía del congreso y me acerqué por allí. ¿Que qué congreso? Ah, el Congreso. Bueno, ésa es otra historia...

La presentación de Paco Roca, bien escoltado por Javier Olivares y Manuel Bartual (1/4 videos, grabados por Alberto García de Entrecomics)

CÓMIC21

2011-11-18T07:40:00.004+01:00

CÓMIC21 es un grupo de personas relacionadas con el cómic que están montando una publicación con la que recaudar fondos para la Asociación Síndrome de Down de Granada. Organizado por JAB ( José Antonio Bautista), la lista cuenta actualmente con 75 personas interesadas en dibujar y otros 35 contactos entre prensa, tiendas y demás. El Salón del cómic de Granada les ha ofrecido un espacio para vender el libro y montar una exposición de originales del proyecto en su próxima edición (marzo de 2012). Ya existe formato, indicaciones sobre la temática y fecha de entrega: enlace

EL ÁRBOL DE LA VIDA Y LA MUERTE

2011-11-17T20:24:00.004+01:00

METAMAUS

(muy recomendable el post compañero en Mandorla)

GRANADA DE PAPEL

2011-11-16T19:05:00.006+01:00

El dibujante y diseñador Rubén Garrido me avisa por mail de que ya se han subido al blog Granada de papel varios de los tebeos que se hicieron en Granada alrededor de los 80. El objetivo de este blog (con contribuciones del citado Garrido, Enrique Bonet, José Luis Prats, Chema García y Joaquín López Cruces) es principalmente el de recuperar los tebeos granadinos de aquella época, escenados y subidos como publicaciones digitales gratuitas. Enlace

MUNDO SIN FIN

2011-11-15T22:24:00.023+01:00

Naciste en San Sebastián en mil novecientos... ¿setenta y cuántos?
En 1971.

Háblame un poco de tu comienzos. Creo que estudiaste Bellas Artes en Madrid y que ahí hicísteis un fanzine.

En realidad empecé estudiando periodismo pero lo dejé, y ya entré en Bellas Artes en la Complutense en el 92. Con gente de mi curso saqué un fanzine que se llamaba Jarabe. Era más bien humorístico, y allí publiqué mis primeras páginas digamos "presentables". Yo pensaba que no lo conocía ni Dios pero al cabo de los años todavía me encuentro con gente que lo recuerda y que increíblemente no era amigo, conocido ni compañero de estudios.

¿Por qué el cómic como medio de expresión?

El cómic como medio a veces es un poco pedestre, tosco, como trabajo es pesadísimo, infumable, y como excusa social es inviable. Y no ofrece recompensas de ningún tipo, ni monetarias ni por supuesto sexuales. En contrapartida es uno de los medios que más sensación de libertad -y posibilidades- creativas en estado puro transmite a quien se zambulle en él, quizá no tantas como la escritura pero a años luz del cine, la fotografía y demás artes tecnológicas. Y el nivel de exigencia, tanto propio como ajeno, es mucho menor a todos los niveles que en la escritura, aunque sólo sea por el hecho de que es un arte casi incipiente, a pesar de todo. A estas alturas es dificil sentarse a escribir un soneto barroco o una redondilla con el pie cambiado, son muchos siglos mirándote por encima del hombro, aparte del mero hecho de que hemos perdido mucha destreza con las herramientas, tenemos muy poco lenguaje y el que tenemos es tópico y bastante vacío, por no hablar del oído para lo verbal. Pero en cómic tampoco se han hecho tantas cosas, hay muchos caminos todavía por seguir. Y además no es todavía, a pesar de los esfuerzos de alguna gente, un arte demasiado autoconsciente, obsesionado con la novedad, el sello personal y demás formas de la egolatría que han vuelto casi estéril el arte moderno, por poner un ejemplo.

¿Aspiras a ganarte la vida con esto?

Creo que todavía, con mucha ingenuidad y a bastante largo plazo, aspiro a vivir del cómic. Pero menos que ayer y más que mañana.

Tus influencias en el estilo de dibujo no son muy evidentes. Cuesta reconocer una escuela clara de la que procedas como dibujante. Hay cosas que me imagino que te gustan (curiosamente, casi todo en lo que puedo pensar es de finales de los años setenta o principios de los ochenta), pero ciertamente tu dibujo es tan peculiar que prefiero que seas tú quién me digas cuáles son tus preferencias en historieta.

Es normal que te recuerde a cosas de los setenta, es la época en que yo era pequeño y por tanto el momento más receptivo y en que todo tiene algo deslumbrante. Luego a pesar de la criba de los años hay cosas que se quedan enquistadas, pequeños vicios visuales. La verdad es que no he pensado mucho en de donde viene mi estilo. Tampoco estoy nada seguro de tener un estilo. Voy dibujando, y ya está, casi todo en esto es práctica. De hecho, el estilo que uso para el Torrezno no es que sea muy habitual en mí, viene más bien dado por el tema de la historia, la aventura exige cierto realismo, por mucho que te puedas permitir detalles caricaturescos, pero las espadas y los puentes colgantes tienen que pesar, las armaduras abollarse, etc., hay ciertas reglas. Cuando dibujo cosas más cortas de humor me tomo más libertades. Aparte de eso la línea clara no me gusta mucho, aunque me gusta [Daniel] Torres.

Creo sinceramente que eres uno de los pocos historietistas españoles actuales que cuenta con una verdadera originalidad, con un mundo propio al margen de las modas del momento. ¿Qué piensas tú?

Pues yo la verdad es que no sigo mucho la actualidad comiquera, ni la patria ni la foránea, así que no puedo comparar mucho. La verdad es que no la sigo en absoluto, realmente, y la inmensa mayoría de lo que se publica ni lo leo ni lo conozco siquiera. No sé muy bien por qué debería, por otra parte. Como tantos otros antiguos lectores he dejado de comprar cómics, así que supongo que eso querrá decir algo, a pesar de esa sensación de cierto optimismo en el medio de que algunos hablan.Tampoco sé muy bien cuales son esas modas. Está la moda del costumbrismo, que me resulta incomprensible.

Algunos te han criticado en ocasiones un exceso de diálogos. ¿Qué tienes que decir al respecto?

Pues lo único que tengo que decir es: si a las pocas páginas de tortura logorreica mis bocadillos aburren al lector, este debería aceptar el fatal hecho de que ha gastado sus euros en balde, y tirar el libro a la basura. Pero si piensa que tienen alguna gracia, que sirven para ir conociendo matices nuevos de los personajes o de la acción, entonces ¿de qué se queja? ¿Por vicio? ¿Porque incluso las cosas que le gustan le cansan? ¿Porque quiere que el disfrute se acabe cuanto antes? ? ¿Problemas de Mantenimiento de la Atención?

Sin embargo, hay algo en tus diálogos que pocos han destacado, me refiero a lo bien escritos que están. Los personajes no hablan del mismo modo sino todo lo contrario: cada personaje tiene su propia voz; sabes manejar con versatilidad el lenguaje para caracterizar a cada uno de ellos: así, el Capitán Torrezno habla de una manera muy coloquial y a veces hasta vulgar, tabernaria, con muchos chascarrillos y tacos; el Sumo, en cambio, habla con un idioma solemne y oficial, seudo religioso; los diálogos del Shogun, por su parte, son una mezcla de ambos lenguajes más cierta sequedad propia del lenguaje militar, etc. Y así un poco con todos. Veo muy cuidado eso, es algo que llama realmente la atención.

Al contrario que casi todas las demás historias que he dibujado, que suelen ir estructuradas en torno a una voz en off, un narrador siempre bastante subjetivo, las aventuras del Torrezno se desarrollan exclusivamente en torno a los diálogos, quitando brevísimos incisos en off. Así que no hay más instrumento para individualizar a los personajes que sus propios actos y palabras. Yo la verdad me lo paso mejor escribiendo con narrador, con voces subjetivas, pero eso no va muy bien con la aventura, creo.

Santiago Valenzuela trabajando en su estudio en 2004. Foto: Manuel Bartual

Veo dos principales intereses temáticos en tu obra, al menos en tu principal obra, Las Aventuras del Capitán Torrezno: el relato de aventuras -donde das una versión personal, muy sui generis del subgénero de la fantasía heroica- y la ambición de crear un mundo fantástico propio.

La verdad es que a mí lo de la fantasía heroica no me interesa mucho. No sé si te refieres a Conan y cosas de esas, o si siempre que hay un "aparecido" llegado a un nuevo mundo eso se considera automáticamente como perteneciente a ese género (cuando es muy frecuente también en la ciencia ficción, que me interesa bastante más aunque sin exagerar). Lo de crear un mundo fantástico propio no es cosa mía, es una de las pocas alegrías básicas que puede dar el escribir.

Junto a esos dos principales intereses, también introduces algunos elementos de crítica social o de costumbres que personalmente me gustan mucho, especialmente de sátira religioso y política. En el caso de la sátira religiosa creo que está muy bien introducida, de manera oblicua, nada obvia, y además con verdadero sentido del humor. Sólo basta fijarse en las frases que consideran "sagradas" los habitantes del "micromundo" (¿puede llamársele así?), tales como "El frotar se va a acabar", o "José Hilario nos asista", o, precisamente el "dios" al que adoran, con iconografía sagrada sacada del DNI. Creo que es bastante gracioso y a la vez cruel respecto a las creencias religiosas de la gente. Háblame en general de la importancia del humor en tu obra.

El humor es lo que te permite enfrentarte por enésima vez a la página en blanco y olvidarte del esfuerzo pensando en si ese chiste funcionará, preparando el lenguaje corporal de las figuras, los ademanes, el golpe de efecto de la frase. A veces me río dibujando, o más bien abocetando, aunque no tanto con el Torrezno como con otras cosas menos aventureras.
En cuanto al sentido religioso de la gente ni entro ni salgo. Desde luego no me lo planteo como un trabajo de emancipación mental, o que vaya por ahí sacando a la gente de la inopia supersticiosa. Por otra parte está bastante claro que la gente que cree en Dios, en el Todo o en su Propio Destino (y que es la mayoría, por mucho que se diga lo contrario) es más feliz, tiene a su alcance un instrumento de autoayuda psicológica -o un analgésico- nada desdeñable. Pero aunque no quiera iluminar ni insultar a nadie por supuesto esto no quiere decir que no pueda reírme de lo que me parece risible. Y la religión es muy risible, sobre todo las modernas, el esoterismo, las sectas, los ovnis, la fe femenina en el Destino Individual o en el Carisma y demás lindezas. Las religiones tradicionales tienen aún cierto empaque, cierta parafernalia polvorienta y vetusta que casi da pena que se pierda.

¿Qué te sugiere la frase "El arte verdadero oculta el artificio?"

Es cierto. Aunque el arte moderno, en su tedium vitae exasperante haya hecho divisa de todo lo contrario, y acabará formulando algo así como: El arte verdadero falsifica su artificio hasta convertirlo en natural. No estoy muy seguro de que a estas alturas podamos hablar de arte verdadero, la verdad. Y menos en este medio maravilloso y feliciano que es el cómic.

Al hilo de lo anterior, detecto también un gusto por usar ciertos elementos de la cultura popular, pero no en plan "guiños frikis", sino de manera descontextualizada: así, el casco del Shogun, la máscara de Sansón, el paquete de Ducados, la botella de Bacardi, el DNI, etc. ¿Por qué esa elección? ¿Entronca esto de algún modo con las intenciones del pop art?

Espero que no tenga nada que ver. Tipos como Lichtenstein me parecen como poco gente peligrosa, un mal ejemplo para la juventud, toda la vida repitiendo una gracieta, qué apoteosis del tedio y del conformismo con los demás y con uno mismo, una especie de bufón del arte de los salones, vampirizando a los vulgares y deleznables artes populares para rebañar un momento de gloria en el ágape multicultural y abrir la manita suplicante al mecenas o a la subvención. Warhol también era un tipo siniestro. La misma palabra "descontextualización" también es siniestra.

En el primer tomo de Torrezno, precisamente, el principal tema a partir de la segunda mitad es una especie de parodia del Génesis. Esto me dejó realmente descolocado, no recuerdo antecedente en el cómic de algo así, o al menos, algo así contado como tú lo has hecho.

Cuando te decía que en el medio está casi todo por hacer me refería -en parte- a cosas de éstas. Si lo piensas el espectro temático de los cómics hasta la fecha, y por mucho que nos hablen de cómic adulto, etc, es bastante estrecho. En los últimos tiempos se supone que se ha ampliado con toda esa linea "vivencial", o autobiográfica o como lo quieras llamar, que a mí la verdad no me interesa nada y me parece, como poco, tardoadolescente. Aunque el problema no es que sea realista, ni siquiera costumbrista, que es como una versión devaluada -y falsa- del realismo, incluso puede haber un buen humor costumbrista, el problema no es ése. A mi me gusta más lo fantástico y todo aquello que le da una vuelta de tuerca a lo real, pero hay muchos cómics realistas que me encantan. El problema es que estos cómics sentimentales o "de la experiencia" me parece que no tienen mucha densidad, ni mucha experiencia. En el medio está todo por hacer.
En particular este episodio del génesis deformado o parodiado es un cuentecillo que escribí hace mucho, y donde todo el interés estaba en la figura del viejo funcionario y donde el micromundo que crea solo era un chiste, un elemento narrativo, puro atrezzo, pero luego más adelante surgió la idea de cómo podía haber evolucionado ese mundo y poco después la conexión con el Torrezno, y ahí ya se lió todo.

En el segundo y tercer tomos ha habido un giro hacia la aventura militar que me ha sorprendido, porque el relato de tu peculiar "Génesis" ha pasado a un segundo plano. ¿Lo vas a retomar? Hay muchas preguntas sin respuesta todavía al respecto del mundo "real" y su relación con el "micromundo".

Sí que lo retomaré, el problema es que la historia tiene que avanzar bastante más, porque el último punto en que dejamos a José Hilario, recordarás, aparecía Torrezno metido en un berenjenal todavía en medio de la guerra, y todo eso es antes del fin del micro-mundo, que también se ha visto ya, así que ahora estamos en un flash-back bastante prolongado. Pero sí que tengo pensado retomar todo eso, volviendo al mito del demiurgo desde distintos niveles, tal y como lo ven sus propias criaturas, y tal y como lo veríamos nosotros paródicamente, etc, y las distintas implicaciones. En el quinto tomo ya he metido un rollo gnóstico-metafísico de aquí te espero.

Volviendo al trasfondo de tus aventuras, hay algunos momentos donde te atreves con la filosofía. En Escala Real te atreves a parafrasear una definición del mal: "El mal existe (...). El mal es tratar a los otros como cosas, considerarlos simple botín o moneda de cambio, usarlos como llave para abrir otras puertas, como peldaños para nuestra ambición... Como asideros para nuestro miedo o vertederos de nuestro asco, nuestro odio...".

Eso de la "banalidad del mal" es de Hannah Arendt, no sé si tiene un libro sobre esto en concreto, si es parte de su estudio sobre el juicio y condena de Eichman en Jerusalem o qué, porque como ves no lo he leído, pero la frase es ya una fórmula en la politología y sociología moderna. En cuanto al resto del parlamento pues supongo que es mío. Es decir, que será un revoltijo de mil cosas distintas leídas por aquí y por allá, o alguna película, quién sabe. Porque de ahí es de donde sale todo lo que se llama tan ingenuamente "la inspiración". La inspiración, en rigor, sería la capacidad mayor o menor para mover pequeños impulsos eléctricos cargados de palabras, gestos y formas por las sinapsis cerebrales, cargamentos de origen casi imposible de concretar pero desde luego no surgidas de la nada, y que se reúnen aleatoria y caóticamente en cuanto salta la chispa de un recuerdo, una asociación de ideas, etc. Así es como escribe, imagina, y bosqueja ideas todo el mundo, y el que no se haya percatado es un ingenuo. Y sí, puede que quedara un poco discursivo o plomizo. De todas formas tampoco hay que avergonzarse de ser pesado o pretencioso. Ni pedante, que parece ser el terror de la juventud moderna que baila y ríe. Que se avergüence y se reprima un pérfido productor de telecomedias patrias (de esas en las que los jóvenes usan un supuesto argot callejero caducado hace tres legislaturas) que ama en secreto la música concreta o el arte povera, y tiene en cambio que reprocesar basura mass-media para la plebe para mantener su sueldo de muchos ceros y su estatus profesional. Yo no tengo que responder ante casi nadie, para bien y para mal.

Pero todo es culpa de la incontinencia verbal de Tsen Tsei, Oriente tiene estas cosas.

Santiago Valenzuela fotografiado en 2004 por Manuel Bartual

También de Escala Real me ha llamado la atención la frase "Sólo nos faltaban los idiotas del horror". ¿Es un guiño a uno de los versos de Bandera Blanca, de Franco Battiato, o simple casualidad? (Bandera Blanca es mi canción favorita de Battiato de toda la vida, por cierto)

Sí, claro, lo tomé de la canción, también es mi preferida. Esto de meter bromas para los amigos lo hago cada vez que puedo, es otra de las pequeñas alegrías a las que se presta mucho el medio. Cuando lo pilla alguien fuera del grupo pues es una alegría aun mayor. De todas formas lo del horror tiene más coña, hace años hice con un colega una parodia en collage-fotocopia de una historia de Víctor Mora y Luis García, el Grito, que estaba protagonizada por "El horrorizado" y se llamaba, claro, "El horror". Hay mucha gente poseída por el horror, idiota o no, viven en un continuo paroxismo y se indignan de que uno no sepa lo bien de precio que sale el IKEA y esas cosas.

Me gustaría publicarla porque tenía gracia, pero habría problemas con los copyrights.

Una pequeña crítica, concretamente a Limbo sin fin, que tiene una parte muy brillante, la segunda, pero una primera parte donde modestamente creo que hay algunas repeticiones demasiado explicativas (esta pregunta es sólo para mí, por comentarlo contigo, no saldrá publicada).

Pues supongo que sí, a veces me pierde la obsesión de que todo quede bien claro -y aun así luego ves que la gente no ha pillado ni media- y por eso me alargo en explicaciones y al final se duerme hasta el apuntador. Tengo que confiar más en los lectores, se ve.

(Bueno, ponla si quieres, tampoco hay problema, que se vea que los críticos sois unos macarras exigentes, si algo nos sobra son prólogos y reseñas poniendo por las nubes cosas que no hay por donde pillarlas).

Al hilo de lo anterior: tus historias son narradas de una manera llamativamente morosa. ¿Por qué ese ritmo tan pausado y detallista, con tan pocas elipsis? ¿Te gustan los tebeos japoneses?

Esto supongo que se debe al origen de la serie. Por entonces yo llevaba dos o tres años dedicándome a hacer historias para concursos (ganaba bastante más que como profesional, y no lo digo para desanimar a nadie), y estas historias casi siempre tenían que ser de 4 páginas, al final estaba harto de meter mil viñetas y mil bocadillos y mil chistes intentando aprovechar al máximo el espacio. Así que cuando me metí con esta historia la consigna era demorarse todo lo que hiciera falta, tanto en tiempo, como en espacio, como en detalles y explicaciones.

El manga lo conozco muy poco. Leí los primeros 10 o 12 de Akira, hasta que empezó a desmadrarse la cosa y perder interés, y aparte de eso sólo he leído Nausicaä, que me encantó, me atrapó de una forma que no lo hacía -y no han vuelto a hacer después- nigún tebeo desde la infancia o la adolescencia. Y El viaje de Chihiro es increíble.

Lo es. Otra cosa que llama la atención es la fisicidad de tus historietas, los planos que eliges -casi siempre con profundidad de campo, enseñando los decorados en perspectiva- y la obsesión por recrear minuciosamente los escenarios. ¿Te haces planos de todos los escenarios en un borrador? Me imagino que sí.

No, no me lo preparo tanto, llevo casi cuatro años metido en la misma ciudad de Deeneim (de la que estoy harto, claro, estoy deseando que la tomen y no quede piedra sobre piedra que dibujar o que se salven y el Torrezno se busque otro hogar) así que me conozco casi cada edificio de memoria, cuando toca un ángulo nuevo pues reviso lo anterior y ya está, por eso a veces hay bastantes incoherencias. De un capítulo a otro hay casas que pierden misteriosamente un piso, a veces incluso de una viñeta a otra, lo reconozco con gran aflicción y arrepentimiento. Pero en el cómic no existe el raccord, así que...

Explícame un poco cómo trabajas.

Dibujo a lapiz la pagina en DinA3 en papel fuerte y gordo, y luego lo entinto ahí mismo, normalemente todo esto me lleva un día. Cuando tengo todo el libro acabado le doy grises en fotocopias, también en DinA3, luego lo escaneo tira a tira y al final lo retoco y lo maqueto en Photoshop. A veces, para otras historias y cuando dibujo tamaño folio uso mesa de luz y calco en vez de entintar, pero para tamaños grandes se me hace muy incómodo.

Háblame de tus historias cortas de la revista TOS, qué te planteas contar en ellas.

Todo lo que no entra en este mundo un poco cerrado de aventuras y parodia histórica del Torrezno, en el que a pesar de todo puedo meter casi todo lo que me apetece.
Y sobre todo, me permite seguir manteniendo vivos y latentes a toda una serrie de personajes que no me apetece perder, y que espero poder ir sacando a la luz poco a poco en recopilaciones. precisamente en ese sentido tengo planes para este año que empieza.

Para ir acabando: otro elemento de tu Torrezno es que has ido metiendo elementos nuevos, giros constantes y también nuevas interrogantes en los cuatro tomos que has hecho hasta ahora. ¿Por qué esos giros? ¿qué te planteas con ellos? ¿hasta dónde los tienes planeados?

Hasta el infinito y aun más lejos. Si en cada tomo no meto líneas narrativas nuevas reviento. Me consideraría un estafador, con la de cosas que hay por contar. Y además que uno se aburre de dibujar siempre a la misma gente, las mismas caras, las mismas habitaciones, esto no es como el cine, aquí en cada escena no viene simplemente el director artístico y le quita un poco el polvo a las cortinas y muebles, y a darle a la manivela. Se lo tiene que guisar y comer uno todo partiendo de cero cada vez, y uno puede acabar hartándose de un traje, de una moldura en la pared, del bigote de un personaje... Por eso acabó Pratt haciendo historias en el desierto. Es una forma digna de envejecer en el oficio.

Las aventuras del Capitán Torrezno es ciertamente una obra muy ambiciosa. Van cuatro tomos de ciento y pico páginas cada uno, un ritmo asombroso. Creo que el personaje lo creaste para un fanzine. ¿Cómo surgió el personaje?

Antes te decía que todo esto surgió de un cansancio de las historias cortas de humor. Tampoco me apetecía lanzarme a una saga de nuevos mundos de ésas en que cada dos por tres tienes que parate a explicar quién es ese tipo de la túnica color fucsia e irisaciones propias-de-un-tejido-no-exactamente-humano, y como es que funciona el reactor cuántico de protones y esas cosas, no hubiera podido tomármelo en serio, y sin ninguna duda uno tiene que tomarse en serio lo que hace. Y por eso se me ocurrió que algo que empezara con una parodia y lentamente se alejara de ello me daría más libertad, es decir, algo cuyo humor me podía tomar en serio. Por eso retomé a un personaje -el Torrezno- que ya se había fogueado en las historias de bares y arrabal y que me gustaba por su indefinición y su natural adaptable y nada quejica y lo lancé en salto espacio-temporal a este mundillo diminuto. Eso, además, me permitía mantener un contacto con la realidad, volver a ella de vez en cuando, usarla como contrapunto. Porque a pesar de todo la historia transcurre en la realidad, en un sótano de una casa y en una ciudad en concreto y en una época que es más o menos la actual. Por eso no me gusta mucho lo de "fantasía heroica".

Dicho de otro modo, me permitía reunir la libertad de imaginar y de dibujar cosas agradecidas (a mi me gusta dibujar ciudades amuralladas y galeras, etc, no oficinas ni interiores domésticos contemporáneos) con cierto apego a la realidad, algo que me parece necesario viendo el mundo en que vivimos. No por hacer una crítica social sino por no empezar a levitar y perder de vista el suelo.

¿Cuándo te planteaste embarcarte en un viaje de estas dimensiones con él? ¿Hasta qué punto lo tenías planificado así? ¿Por qué algo tan ambicioso, sobre todo teniendo en cuenta cómo está pagado el cómic en España?

Lo de si es demasiado ambicioso pues supongo que sí. A mí me parece que está bien ser ambicioso en estas cosas, que en el fondo son inofensivas, lo malo sería serlo en temas como el dinero, los honores, el medre social o el protagonismo en la tertulia de los sábados, todo eso. Y además alguna razón tiene que haber para levantarse para mañana, cada cual se construye sus propios incentivos. Hay gente que colecciona vitolas de puros, hay gente que se construye una reproducción en miniatura del estadio de Riazor en su casa, y ni siquiera cobra un duro por ello. Héroes anónimos de la inutilidad suprema del Arte.
Así que sí, no te preocupes, hay continuación, y mucha, para las aventuras del Torrijilla.

Extramuros me parece lo mejor que has hecho hasta el momento. No sólo porque es el tomo más ágil de los cuatro de Torrezno, sino porque el dibujo es más espectacular que nunca -en especial en los fondos y perspectivas de esas "viñetas de impacto" que tan bien sabes introducir a estas alturas en los momentos más oportunos narrativamente-, y por otras dos razones: el comienzo es absolutamente adictivo, engancha desde el principio, y logras una extraordinaria evocación de la angustiosa experiencia de los protagonistas dentro de los túneles (¿te ha pasado un tren tan cerca de ti? A mí sí, y por eso me sorprendió tu tremenda capacidad para evocar tal cosa). En esa larguísima escena, Torrezno me estaba pareciendo por momentos una obra de una dimensión parecida a Akira o Nausicaä, salvando todas las distancias -diferencias- que tú quieras. La otra razón es que la batalla final de Extramuros es de una dimensión épica realmente soprendente y que a mí personalmente me dejó fascinado. Ahora vienen las de arena con las preguntas: ¿qué pretendías con Extramuros? No hay demasiadas diferencias temáticas en respecto a Limbo sin fin. ¿No crees que la gente puede decir que has caído un poco en la repetición, sobre todo con ese nuevo asedio de la ciudad y la resurrección del Shogun?

Sí que hay ese peligro, supongo que más de uno me pondrá a parir por haber vuelto a una situación igual a la de los comienzos del tomo dos, nada menos. Lo único que puedo alegar en mi favor es que a) la situación no es exactamente la misma, b) han pasado bastantes cosas entre medias, c) lo exigía el guión, y no lo digo de coña. El meollo de la historia es cómo transcurre un asedio lento, muy lento (aunque tampoco tan largo, en realidad sólo han pasado unas semanas, no hay que confundir el rirmo de la escritura y la lectura con el de la acción), y cómo va afectando eso a los personajes, como desanima a unos, como enrrabieta cada vez más a otros, en general, como se va haciendo todo más delirante y nuestro pequeño héroe se ve cada vez más angustiado. El asedio dura lo que dura, y tiene sus vueltas y revueltas, si no las tuviera sería otra cosa, posiblemente mejor, pero en cualquier caso firmada por otro autor y ya no tendría yo que dar todas estas explicaciones.

¿Te interesan algunos de los historietistas españoles actuales? ¿Y en general cuáles son tus autores favoritos (ojo, no digo influencias, sino historietistas favoritos)?

Me gustan las historias de Luis Durán, que no suele decepcionarme. Y me gusta mucho lo que hace Brieva. El resto prácticamente no lo conozco, así que no puedo juzgar. Dibujantes consagrados españoles, los de siempre: Prado, Torres, Carlos Gimenez, Beá. El libro de Keko que ganó el premio del Salón como guión no me llenó del todo, pero gráficamente (línea, mancha, ritmo, sobre todo) me pareció muy bueno. Y en cuanto a clásicos un poco de todo, tirando siempre por la vía fantástica aunque con excepciones. Siempre me gustó Bourgeon.

Me parece que José Muñoz es -o ha sido- el mejor dibujante de cómics de todos los tiempos. Otra cosa es que sus obras sean los mejores cómics de todos los tiempos, que no creo que lo sean. Me parece que, aunque recorrió muchos menos caminos que, por ejemplo, Breccia, llegó por ellos mucho más lejos que cualquier otro. De todas formas no tengo muchos dibujantes favoritos porque, la verdad, el dibujo en los cómics, pasado cierto nivel mínimo y dejando de lado ciertas manías como la de la línea clara, no me importa demasiado. Por eso casi diría que mi autor de cómics preferido es Fred, cuyo dibujo la verdad es que no me dice gran cosa, pero que me transporta inmediatamente a un mundo sin peso, sin gravedad, donde todo es posible. Y no hablo de "evasión", sino tal vez de alucinación. Algo parecido a lo que ocurrió con El Garaje Hermético. Todo esto me da que ya no está muy de moda, qué le vamos a hacer.

Tres cómics, tres películas, tres discos, tres libros.

La historieta de Sudor Sudaca del niño y la vieja radio. Las Etiópicas o cualquiera de Pratt.

Mayor Fatal, la historia de diez páginas que dio origen al Garaje y a tantas otras cosas. El ahogado de dos cabezas de Tardi. Y mil más.

En lo de los libros y los discos no voy a entrar porque nunca sé que decir, se siente uno un poco ridículo, como si tuviera que "definirse por sus gustos" o algo así. Del cine, que me interesa bastante menos, diría que cualquier cosa de Fellini o Kurosawa o Tarkovski, que son de los pocos que han ido más allá del modo dramático-teatral, en especial experimentando con el tiempo, y en cuyas películas uno siente que no está viendo representada la realidad sino otra cosa. Y desde luego, sigo sin hablar de "evasión".

¿Habrá continuación a Extramuros? No lo anuncias al final del álbum, a diferencia de otros tomos.

Sí, hay unos veinte o treinta tomos más. O cincuenta, quien sabe. Tengo material escrito, sinopsis o episodios detallados para eso y más. Supongo que palmaré antes de acabarlo, y ya me jode.

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Lo anterior fue una entrevista a Santiago Valenzuela (San Sebastián, 1971) que realicé en 2004. Se publicó en una pequeña parte en la revista Rockdelux, y otra parte salió publicada en noviembre de ese mismo año en la revista Trama (fotos de aquí abajo), entonces dirigida por Elena Cabrera y diseñada por Manuel Bartual (la revista cerró poco después, por cierto, a comienzos de 2005). Ahora he decidido rescatar la entrevista íntegra, en bruto, grosa, sin editar, incluyendo las partes inéditas. Un rescate motivado, evidentemente, por el Premio Nacional de Cómic que ha recibido Santiago Valenzuela justamente por su última entrega de LAS AVENTURAS DEL CAPITÁN TORREZNO (De Ponent), PLAZA ELÍPTICA. La saga se compone hasta el momento de los siguientes tomos:

HORIZONTES LEJANOS
ESCALA REAL
LIMBO SIN FIN
EXTRAMUROS
CAPITAL DE PROVINCIAS DEL DOLOR
LOS AÑOS OSCUROS
PLAZA ELÍPTICA

Aquí abajo copio una de las reseñas que he escrito sobre el material de Valenzuela. A propósito de una de sus mejores obras para mi gusto al margen de TORREZNO: las historietas cortas recopiladas en EL GABINETE DEL DR. SALGARI. La reseña se publicó en 2007 en la revista Rockdelux.

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SANTIAGO VALENZUELA
“El gabinete del Dr. Salgari”
ASTIBERRI

El autor de “Las aventuras del Capitán Torrezno” (De Ponent) sigue construyendo un personal universo donde las resonancias míticas, en particular las bíblicas, se mezclan con naturalidad con apuntes castizos que remiten a la tradición costumbrista española. Se puede citar a escritores como Cervantes, Borges o Swift y a historietistas como el francés Fred para encuadrar las coordenadas del Cosmos Valenzuela, pero su visión es tan singular que no admite etiquetas. En este recopilatorio de historietas, algunas ya publicadas en la revista ‘HUMO’, Valenzuela (San Sebastián, 1971) experimenta con barrocos diseños de página y extensos textos de apoyo que devoran literalmente al dibujo, avanzando hacia un punto de fuga situado siempre en horizontes alegóricos y apocalípticos.

LA VIEJA TÁCTICA

2011-11-15T08:03:00.028+01:00

Frank Miller ya ha conseguido titulares en The Guardian, los que no había tenido con la publicación de HOLY TERROR. Como si no supiera lo que hacía cuando decidió insultar a la gente de Occupy Wall Street (cuando escribo esto, tiene 6441 comentarios en su blog [actualización a 3 diciembre.--> 9.990 comentarios], lo que debe ser algún tipo de récord)... PERO, hace sólo unos pocos años, Miller conseguía la atención mediática con su obra, no con opiniones sensacionalistas. Con SIN CITY the movie, con 300, incluso con DK2 dentro de los círculos del cómic. Como decía la canción: uuuuh, cómo hemos cambiado...

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Dane Ingham escribe en Comic Book Movie una carta abierta que empieza así:

«Estimado Frank:

Escribo en relación a sus comentarios recientes sobre el movimiento Occupy, pero primero quiero expresar mi gratitud por sus contribuciones legendarias al mundo del cómic. Batman Año Uno y The Dark Knight Returns son actualmente las versiones más influyentes de mi personaje de cómic favorito, y han influido en películas tan tremendas como Batman Begins y The Dark Knight. Sin City permanece como, posiblemente, la mejor película de cómic no de superhéroes de la historia. Gracias, gracias, gracias, señor Miller.

Ahora vamos a la actualidad».

y termina así:

«Lo que puedo decir en base a conversaciones con otros aficionados de cómics, artículos, comentarios, cifras de taquilla, y recepción crítica de su trabajo en los últimos 10 años, es que pertenezco a la mayoría de la gente que quiero que te marches ya. Somos los malditos 99% a quienes ya no nos importas una mierda. Y si tuviera que resumir tu ego demasiado inflado, y ofrecer pruebas de su efecto sobre la capacidad de crear algo que merezca la pena, para mostrar una prueba más de tu alejamiento del mundo, simplemente usaría dos palabras: "The Spirit" . El "movimiento de intestinos", en efecto».

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Actualización

2001: Batman en DK2: "...and turn in into a revolution".

2011: FM and beyond...

LAS AVENTURAS DEL CAPITÁN VALENZUELA

2011-11-14T22:39:00.010+01:00

Tebeobien (Pablo Ríos) recupera una reseña de LAS AVENTURAS DEL CAPITÁN TORREZNO, de Santiago Valenzuela (arriba), flamante Premio Nacional de Cómic de 2011, un merecido galardón del que me alegro muchísimo y por el que felicito desde aquí a Santiago, un artistazo. La reseña de Pablo, que no se me olvide. La escribió para el especial Rockdelux 25th anniversary, en el que publicamos una lista con 20 cómics destacados de la década pasada, seleccionados por los colaboradores de la revista. Había tebeos españoles, sí, y el TORREZNO de Valenzuela era uno de ellos. La reseña, right here

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(La lista completa de cómics, si alguien tiene curiosidad, aquí)

ESE TIPO ESPERANDO EN LA ESQUINA DE LA TIENDA DE CÓMICS

2011-11-05T18:18:00.006+01:00

"Muy señor mío:

Escucha, sé que no me hablas, pero ven aquí y acércate para escucharme un segundo. No esperes a que mi colega vuelva del almuerzo para preguntar sobre ese cómic de Green Lantern. Yo trabajo aquí también. Sé que tengo dos tetas y Dios sabe qué más, pero entiendo de cómics también. Puedo nombrar los poderes de cada anillo de poder de diferente tonalidad. Yo tengo mi anillo índigo, conozco la compasión. Deja que te ayude.

Pregúntame."

Hayley Campbell, en una "Carta abierta al tipo esperando en la esquina de esta tienda de comic books" publicada en McSweeney's, sigue

NOVEMBER 2011 BANNER

2011-11-05T17:18:00.008+01:00

"En su último trabajo, Holy Terror, Miller explica cómo habría corregido la suavidad de Bush Jr. en su programa antiterrorista, pero al mismo tiempo alcanza en algunas páginas la cima de su asombroso estilo semiabstracto que comenzó a desarrollar en Sin City.

En una de sus películas , Woody Allen describe el sufrimiento de la familia liberal de Alan Alda cuando uno de sus miembros más jóvenes, Lukas Hass, empieza a expresar opiniones de extrema derecha. Al final de la película, el médico de la familia descubre que ha sufrido una embolia cerebral que es la causa de su extraño comportamiento. Miles y miles de fans de todo el mundo desearon que Miller fuese al médico algún día".

En The Comics Grid, texto editorial a propósito del banner que lucirá la web durante noviembre 2011, sigue

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Más: Intramuros on HOLY TERROR

EL ESPECTÁCULO DE LA REVOLUCIÓN

2011-11-04T23:29:00.008+01:00

Recomendable volver a ver en estos meses de revolución televisada:

OUT OF CONTROL (1999)
The Chemical Brothers
con Bernard Sumner y Bobby Gillespie
Videoclip dirigido por W.I.Z.

PRÁCTICAMENTE COMO UNA DROGA

2011-11-04T20:45:00.009+01:00

"Y claro, luego pasas a los comics books. Yo considero los comic books una cosa completamente diferente. Porque mientras yo dibujaba como en las tiras en alguna medida porque quería dibujar como un niño, creo que lo de verdad te absorbe de los comic books mainstream es la aventura y la fantasía de poder. Leía cómics a la típica edad, cuando era joven, y por alguna razón no pensaba demasiado en ellos hasta dos incidentes: uno de ellos fue descubrir algunos de los primeros X-Men de Jack Kirby cuando tenía unos ocho años. Tenían un atractivo muy potente para mí, a un nivel que ni puedo describir fácilmente. Los dibujaba de la forma en que dibujas ciertas cosas icónicas cuando eres un niño. No podía pensar en si las historias eran especialmente buenas o en si estaban dibujados mejor que otros cómics. No pensaba así sobre ello. Esos X-Men me atrajeron como ningún otro cómic que hubiese leído lo había hecho antes. La otra cosa es que veía mucho la serie de televisión de Spider-man entonces, y eso provocó un interés hacia ese nivel de fantasía de poder otra vez, y empecé a buscar comic books.

Así que estas dos cosas juntas hicieron que comprara cómics. Cómics Marvel en concreto debido a esas dos conexiones. Una vez que me metí… esos comics books actúan prácticamente como una droga. En unos seis meses pasé de comprarme un par de comic books a la semana a comprarme todos y cada uno de los comic books de Marvel en el mercado. Y aquello duró por lo menos diez años, diría. Probablemente desde los ocho hasta los dieciocho.

Durante ese tiempo, dudo mucho que pensara demasiado en el atractivo que tenían. Se filtra a algún nivel del subconsciente, y acabas tan absorto en ese mundo, que creo que es cuando empiezas a decidir, al menos para mí, fue cuando tomé la decisión concreta de que quería ser dibujante de comic books. Quería dibujar esas fantasías de poder… En realidad no creo que nunca quisiera trabajar para Marvel. Tenía la ilusión de abrir mi propia compañía de superhéroes".

Seth, entrevistado por Gary Groth en 1997 para The Comics Journal, y traducido por The Watcher and the Tower

Los X-Men según Seth (2006). Arriba del todo, portada de Jack Kirby (tintas de Dick Ayers) para X-MEN nº 17, febrero 1966

NO TENGO TIEMPO

2011-11-02T18:10:00.006+01:00

Sobre el tema posts escritos de rollamen, me explico. NO, no es que esté de parranda o haya perdido las ganas de escribir sobre cómics, es que NO TENGO TIEMPO (sigo sin) para nada estos días, por un tema de curro. Pero esto no quedará así. Si aún estáis ahí, siguiendo esto por RSS o algo así, puedo prometer y prometo que volveré a postear en plan salvaje, incontinente, rollos largos, ya sabéis, en plan Esmuydecómic. Sólo dejadme un poco más de tiempo que acabe lo que tengo entre manos... como dijo Terminator, volveré.

CÓCTEL MOLOTOV EN 'CHARLIE HEBDO'

2011-11-02T08:50:00.004+01:00

O 'CHARIA HEBDO', tal como se ha bautizado el propio semanario satírico con su especial de este lunes sobre las elecciones en Túnez

(vía Tebeobien)

Actualizaçao: más información, enlace a video incluido, en Entrecomics

"Novela gráfica"

2011-10-31T07:55:00.012+01:00

«Es un término poco apropiado, por supuesto, pero también lo es "comic book". Ha sido descartado en algunos círculos, pero llegará a ser algo, como el recibo de compra de una camiseta que has tirado y luego descubres que vas a necesitarlo.

Puede que los pedantes exijan una lectura literal de las palabras. Aléjate de ellos, Alec MacGarry. Querrán subdividirlas, como si una "novela" tuviera un peso predeterminado, en "novella" y "novelette", ignorando el origen de esas palabras».

De las tres páginas con las que finalizaba originalmente HOW TO BE AN ARTIST, de Eddie Campbell, 2001. El final publicado en el recopilatorio de ALEC es otro, pero el original puede leerse ahora aquí. Lo ha subido Ray Davis, con permiso del autor

EL ESTAFADOR

2011-10-24T21:10:00.004+02:00

Especial ETA

STEBAN QUE ESTÁS EN LOS CIELOS

2011-10-20T21:36:00.002+02:00

Acabo de ver este homenaje a "Esteban" que Gallardo colgó ayer en su blog (uno de ellos)

APUNTES

2011-10-20T00:19:00.001+02:00

1001

2011-10-17T15:25:00.006+02:00

CÓMICS QUE DEBERÍAS LEER ANTES DE MORIR

Es el título de un libro que acaba de salir (2011, Cassell Illustrated). Paul Gravett es el editor general, con reseñas de cada título a cargo de diversos autores.

(vía Campbell's)

Si alguien se pregunta si hay cómics españoles ahí dentro, y si es así, cuáles, la respuesta es sí. Y los elegidos son

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Web del libro con toda la lista de cómics seleccionados

15-O

2011-10-16T16:16:00.001+02:00

en fotos

AGUAS TURBULENTAS

2011-10-16T15:44:00.012+02:00

«También están de acuerdo en que pintan bastos con la galopante crisis económica que padecemos. Mézières recuerda que “uno de los temas que me han interesado siempre es el del poder, el de quiénes mandan y por qué, y creo que ahora esos interrogantes están más vigentes que nunca”, y matiza que la serie que le ha dado fama “comienza con una gran crisis, la que viven los personajes cuando pierden todo contacto con el planeta Tierra».

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Jean-Claude Mézières está estos días como invitado en el Salón del Cómic de Gijón, junto a otro veterano de la BD, Hermann.

(noticia vía Entrecomics, sigue en La Voz de Asturias)

Tengo el gusto de conocer a Mézières, con el que he coincidido en varias ocasiones, y no puedo evitar sentir (además de una gran admiración por su obra) afecto por su persona cada vez que me entero de alguna noticia relacionada con él. Lo cual me recuerda justo-ahora-mismo que en breve tendré que escribir un texto sobre él que me han encargado, y que no puedo retrasar más a riesgo de entrar en "zona de peligro"

Más Mézières

LA OTRA CARA DE LA MONEDA

2011-10-15T23:09:00.003+02:00

"Los gobiernos no dominan el mundo, Goldman Sachs domina el mundo"

(gracias, Jose)

LOS BIENES COMUNES

2011-10-15T22:41:00.003+02:00

"El comunismo fracasó absolutamente. Pero los problemas de los bienes comunes están aquí. Te están diciendo que aquí no somos americanos. Pero los fundamentalistas conservadores que reivindican ser verdaderamente americanos, necesitan que se les recuerde algo. ¿Qué es el cristianismo? Es el Espíritu Santo. ¿Qué es el espíritu Santo? Es una comunidad igualitaria de creyentes que están conectados por el amor mutuo y que sólo tienen su propia libertad y responsabilidad para hacerlo. En este sentido el Espíritu Santo está aquí ahora. Y allí en Wall Street hay paganos que están adorando ídolos blasfemos. Así que sólo necesitamos paciencia".

Zizek

(Intervención completa en inglés)

LA TINTA ROJA.

2011-10-15T22:32:00.009+02:00

"Todos somos perdedores, pero los auténticos perdedores están aquí abajo en Wall Street. Fueron rescatados con miles de millones de nuestro dinero. Nos llaman socialistas, pero aquí siempre hay socialismo para los ricos. Nos dicen que no respetamos la propiedad privada, pero en el crack de 2008 se destruyó más propiedad privada, conseguida con gran esfuerzo, que si todos los presentes se pusieran a destruir día y noche durante semanas. Nos dicen que somos soñadores. Los verdaderos soñadores son aquellos que piensan que las cosas seguirán siendo como son indefinidamente. Nosotros no somos soñadores, sino los que estamos despertando de un sueño que se ha convertido en pesadilla. No estamos destruyendo nada, sino siendo testigos de cómo el sistema se destruye a sí mismo.

Todos hemos visto la clásica escena de los dibujos animados en la que un coche se acerca a un precipicio y sigue rodando ignorando que está sobre el vacío, y sólo cae cuando el conductor mira hacia abajo y se da cuenta de ello. Esto es lo que estamos haciendo aquí. Estamos diciendo a los chicos de Wall Street “¡eh, mirad abajo!”

En abril de 2011 el gobierno chino prohibió que apareciesen en TV, películas o novelas todas aquellas historias que hiciesen referencia a realidades alternativas o viajes en el tiempo. Esta es una buena señal para China, puesto que significa que la gente aún sueña con alternativas, así que hay que prohibir este sueño. Aquí no se piensa prohibir nada de eso, porque el sistema en el poder incluso ha suprimido nuestra capacidad para soñar. Fijaos en las películas que vemos todo el tiempo. Es fácil imaginar el fin del mundo, un asteroide que destruya el planeta y ese tipo de cosas. Pero no se puede imaginar el fin del capitalismo. Así que, qué es lo que hacemos aquí? Dejadme que os cuente un viejo chiste muy bueno de los tiempos del comunismo…

Un tipo de Alemania del Este fue enviado a trabajar en Siberia. Sabía que su correo sería supervisado por los censores, así que propuso a sus amigos establecer un código. Si la carta que enviase estaba escrita con tinta azul, entonces lo que en ella se dijera sería cierto y si estaba escrita con tinta roja sería falso. Transcurrido un mes sus amigos recibieron su primera carta. Estaba escrita por entero en azul y decía: todo es maravilloso aquí. Las tiendas están repletas de buena comida. Los cines pasan buenas películas occidentales. Los apartamentos son grandes y lujosos. La única cosa que no se puede comprar es tinta roja.

Así es como vivimos. Tenemos todas las libertades que queremos, pero nos falta tinta roja, el lenguaje con el que expresar nuestra no-libertad. La manera en que se nos enseña a hablar acerca de la libertad, la guerra, el terrorismo y demás falsifica la libertad. Y esto es lo que estáis haciendo aquí: nos estáis dando tinta roja a todos.

Pero hay un peligro. No os enamoréis de vosotros mismos. Lo estamos pasando bien aquí, pero recordad: los carnavales son baratos, lo que importa es el día siguiente. Cuando volvamos a nuestra vida normal, habrá cambios entonces? No quiero que alguna vez recordéis estos días como, “oh, éramos jóvenes y fue muy bonito”. Tened en cuenta cual es nuestro mensaje fundamental: que tenemos derecho a pensar alternativas. La regla se ha roto. No vivimos en el mejor de los mundos posibles, pero hay un largo camino por delante. Nos enfrentamos a cuestiones ciertamente difíciles. Sabemos lo que no queremos, pero, ¿sabemos lo que queremos? ¿Qué organización social puede reemplazar al capitalismo? ¿Qué nuevo tipo de líderes queremos?"

Slavoj Zizek, en su intervención en Liberty Plaza, NYC, sigue

(vía Mireia)

DRAMÁTICAMENTE PODRÍA SER MUY INTERESANTE.

2011-10-15T17:36:00.026+02:00

"Hemos jugado a plantear un casting para la película de Watchmen. Cuando los diseñaste originalmente tendrías en mente ciertas características basadas en varias celebridades.

Tenía una amalgama de gente en mente, más que personas específicas. Sabía que quería hacerlos a todos personajes diferentes. No iba a usar mi rostro estándar de superhéroe y darle a uno de ellos pelo rubio, a otro pelo rizado negro y a otro un bigote. Sólo por participar ahora en el juego de salón, podría imaginarme a Burt Reynolds como el Comediante. Parece tener el tipo de aura adecuado para interpretar al Comediante. Se ha sugerido a Arnold Schwarzenegger como Doctor Manhattan. Tiene
que ser alguien con un físico impresionante, y el hecho de que Arnold hable con un acento encantador centroeuropeo no hace ningún daño. Rorschach es probablemente una cuestión de criba dura. [...] Si la película va hacia donde me imagino, podría atraer a algunos actores muy buenos porque es una obra de reparto. Hay seis personajes muy diferenciados e interesantes que actuarían unos contra otros, todos tirando en direcciones diferentes. Dramáticamente podría ser muy interesante.

Tienes a David Bowie en una de tus anotaciones para un personaje.

Él parece estar en un espacio distinto, de un modo parecido al Dr. Manhattan. Da la impresión de no ver el mundo de la manera en que lo vemos los demás. Tom Waits podría hacer un buen Rorschach y Glenn Close podría hacer una buena Silk Spectre porque ella es alguien que parece fuerte sin ser de belleza clásica. Búho Nocturno... ¡Creo que yo mismo podría hacer un trabajo bastante bueno! Dan Aykroyd podría hacer un buen Búho Nocturno. Él y Silk Spectre son los humanos en Watchmen, sus reacciones son las más cercanas al modo en que reaccionamos nosotros a las cosas, así que tienes que conseguir ese sentimiento de que son nuestros iguales humanos, más que seres sobrenaturales. Ozymandias debería ser casi sobrenatural en su físico bien parecido y su porte. Se ha mencionado a Rutger Hauer, pero eso haría ya demasiados acentos alemanes. El actor británico Barry Foster tendría esa cualidad rubia, distante. Ozymandias en cierto modo es el más difícil de elegir porque tiene que parecer realmente un buen tipo, alguien a quien podrías querer de verdad".

Barry Foster, Glenn Close, Burt Reynolds, Rutger Hauer, David Bowie, Dan Aykroyd, Tom Waits. Clic para ampliar

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Dave Gibbons, entrevistado en 1989 por Frank Plowright en la revista Amazing Heroes (nº 173, noviembre 1989, pág. 26). Es curioso comprobar más de 20 años después lo diferente que era la mirada de la época entonces respecto a la nuestra, ¿verdad? Aclaro que a partir de 1987 hubo un proyecto para llevar al cine WATCHMEN (uno de los directores al frente fue Terry Gilliam), más tarde abandonado, y de ahí los juegos y rumores sobre el posible casting. Bueno, ya sabemos cómo fue finalmente el reparto de la película de Zack Snyder (2009), 20 años después. Otra mirada, otra época. Otros actores. Aprovechando que hace pocos días colgué unos posts más abajo un artículo sobre WATCHMEN, me ha parecido curioso traducir esto.

(Dave Gibbons hacia 1987)

Traduzco un algo más de la misma entrevista a Gibbons donde el dibujante habla de Harvey Kurtzman, en cuyos cómics de guerra de los 50 se inspiró para idear la retícula de WATCHMEN, como Gibbons ha repetido en diversas ocasiones. El gran Harvey Kurtzman, no por casualidad uno de los autores de cómic más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

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"También estás dibujando Super Surfer para Harvey Kurzman, que es un poco como un sueño hecho realidad.

Oh, sí. Fui a una convención en Grenoble y me lo presentaron, y dijo "Oh, eres el tipo que dibuja Watchmen. ¿Tendrías tiempo para dibujar algo mío?" Yo estaba todo emocionado y me puse [histéricamente] en plan, "¡Sí, sí! ¡Lo haré ahora!, ¿dónde está el guión?" A su debido tiempo me envió algunos bocetos, y yo le envié algunos lápices, y como dijo de sí mismo, no es por nada que le llaman "la maldición del historietista", pero finalmente llegamos a encajar.

Es una historia a todo color, siete páginas que aparecerán en un libro llamado Harvey Kurtzman's Strange Adventures. Byron Preiss está publicándolo. [...] Cuando era un chaval, MAD Comics era una de mis cosas favoritas, así que tener la oportunidad de hacer mi propia historia de MAD ha sido emocionante.

¿Leíste realmente los números del MAD de Harvey Kurtzman entonces [1952-1956]?

No leí los auténticos comic books, pero los Ballantine Books sí fueron importados a mi país. Había un sitio donde podías ir y comprarlos, y cambiarlos a mitad de precio, así que solía leerlos y releerlos. Fueron muy influyentes para mí y me cambiaron el modo de pensar sobre las cosas, así que tener la oportunidad de trabajar con el Maestro ha sido genial".

Página de la historieta corta de Harvey Kurtzman y Dave Gibbons en HARVEY KURTZMAN'S STRANGE ADVENTURES (Epic Comics, 1990), clic para ampliar

PRESIDENTE en la CÁNOVAS

2011-10-15T12:54:00.020+02:00

Anoche fui al concierto de Sr. Chinarro, que tocaba en casa. En la que ya es su "casa adoptiva", podría decirse, porque el sevillano lleva unos años viviendo en Málaga. Concretamente en mi barrio, debo decir, porque somos vecinos. A veces, no mucho, me lo encuentro subiendo o bajando la cuesta, con su aire reservado habitual; cordial pero reservado. Siempre nos saludamos, como buenos vecinos. A mí a veces me gustaría decirle algo más, pero nunca lo hago. Yo también fui muy tímido de pequeño, y el extrovertido de adulto jamás abandona aquella timidez primigenia. Se lleva adentro. A Antonio Luque, Sr. Chinarro, como él mismo contaba anoche entre canción y canción, entre chiste y chiste para presentarlas, le gusta mucho bajar a la playa a tomar el sol y nadar. Ayer de hecho, antes del concierto, pudo nadar a duras penas porque, según contaba, había un señor tirando pan a los peces y había convertido aquello en "un estanque". Pero a lo que iba, el concierto. El concierto fue espléndido, pero mucho. Varias sensaciones: el impresionante repertorio que atesora Sr. Chinarro a estas alturas de la película. 21 años en activo desde la fundación del grupo, que se dice pronto, y 12 álbumes publicados, que también se dice pronto. Haced la media.

(Aquellos que estáis en la franja de edad adecuada recordaréis perfectamente quién era el tal Sr. que da nombre al grupo sin tener que pinchar en el enlace)

La foto es del móvil de Quique, la foto de arriba del todo también se la he robado a él

Anoche no tocaron una sola canción "de relleno" durante un concierto largo, generoso. Todas eran de las grandes canciones de su repertorio, y aún faltaron; Chinarro tenía más en la recámara para dispararlas si hubiera sido necesario. Como suele ocurrir con los artistas, prefieren lo más reciente de su obra, la que consideran "mejor" y en la que mejor se reconocen, y por eso la mayor parte fueron canciones de sus últimos discos, particularmente de su disco "comercial", como él mismo bromeaba, es decir, PRESIDENTE (2011). Más cosas. La profesionalidad de la que ahora hacen gala él y su grupo, nada que ver con el recuerdo que yo tenía de un viejo concierto de hace diez años que resultó, para decirlo en pocas palabras, un desastre. Sr. Chinarro ha crecido, ya es mayor. Me refiero al grupo, no a la persona. O no. Un hombre hecho y derecho, con tablas, madurez, sabiduría y ganas de hacer bien las cosas.

Con ese temple y, sobre todo, ese trabajo a las espaldas, parece lógico que grandes canciones como BABIECA o MARÍA DE LAS NIEVES (las dos en PRESIDENTE, 2011) sonaran anoche mejor aún en directo que en el disco. Con más profundidad, potencia y matices. Magníficas, de verdad. El vello de punta ayer en la Sala Cánovas cuando entonaba lo de "oigo cerca el llanto de un chiquillo":

Esto es un dibujo que hice hace diez años para ilustrar un artículo sobre Sr. Chinarro (en efecto, ensayaba por entonces con los filtros del Photoshop). Por supuesto, el dibujo lo hice con diez años menos, y se nota, yo lo noto al menos. Los mismos diez años menos que tenía entonces Sr. Chinarro cuando hice su caricatura. Ahora luce diez años más y una barba bíblica. Pero está mejor que nunca. Presidente total.

15 DE OCTUBRE

2011-10-15T11:05:00.001+02:00

15 razones

GRACE

2011-10-13T15:37:00.002+02:00

EL FIN DE LA INOCENCIA

2011-10-12T18:58:00.029+02:00

Entre septiembre de 1986 y octubre de 1987, una serie mensual de doce tebeos sacudió el mercado americano de superhéroes y luego el cómic internacional al completo. 22 años después de su publicación, las ondas de su impacto aún reverberan, amplificadas ahora hacia el público general gracias a la adaptación al cine de Zack Snyder. Hablamos por supuesto de Watchmen (Planeta DeAgostini), el cómic de Alan Moore, Dave Gibbons y John Higgins.

"WATCHMEN"
EL FIN DE LA INOCENCIA

Winston Churchill contaba en sus memorias que, desde el momento en que Estados Unidos obtuvo la bomba atómica, ni el presidente Harry Truman ni él mismo dudaron en usarla para terminar la guerra cuando antes. En esas memorias también ponderaba el enigma que rodea una decisión política. Lo explica muy bien el filósofo Slavoj Zizek: una vez que todos los analistas y expertos han dado su opinión, alguien debe asumir el difícil acto de transferir toda esa complejidad de puntos de vista a un simple SÍ o NO. Ataquemos o no. Lancemos la bomba o no. Watchmen arranca con una alusión a Truman, y no es casualidad. Si hubiera que resumir el tema principal del cómic, sería este: el significado moral de la decisión política y la Razón de Estado. O de la figura que hay tras ella: alguien con el poder y la determinación para imponer un orden de sentido en la confusa multiplicidad de la realidad.

UN NUDO GORDIANO
En 1985, el guionista Alan Moore (Northampton, 1953) y el dibujante Dave Gibbons (Londres, 1949) se labraban su carrera en DC, una de las dos grandes editoriales tradicionales del cómic estadounidense. Cuando surgió la oportunidad de colaborar juntos, quisieron imaginar cómo habría sido el mundo si los superhéroes hubiesen existido realmente. El equipo creativo se completó con el colorista John Higgins (Liverpool, 1949), cuyos violentos contrastes terminaron de dar la imagen distintiva del cómic. En el 1985 alternativo de Watchmen , los vigilantes enmascarados, muy populares en los años cuarenta, han sido ilegalizados y están siendo asesinados por una misteriosa conspiración. El Dr. Manhattan, que tampoco se llama así por casualidad, es un superhombre todopoderoso capaz de manipular la materia, la pieza clave de la superioridad estratégica americana frente a la URSS. Aunque ni él podría detener una guerra nuclear, la gran amenaza que se cierne sobre toda la historia –sobre el mundo de 1985– y constituye su nudo gordiano. Recordemos aquel nudo legendario que nadie conseguía desatar. La leyenda cuenta que Alejandro Magno, en su camino hacia la conquista de Persia, se enfrentó al problema y lo resolvió. Cortó las cuerdas con su espada.

EL GRAN HÉROE AMERICANO
Dilemas morales aparte, Watchmen es también una sátira sobre la política estadounidense de la guerra fría y, por supuesto, sobre el héroe y su versión americana del siglo XX, el superhéroe, entendido por Moore como una metáfora de las tácticas del imperialismo americano. Que Watchmen esté escrita en clave dramática en vez de cómica no le impide ser una sátira en cierto sentido clásico. Los autores han confesado que se inspiraron en una historieta clásica de Harvey Kurtzman y Wally Wood,
“Superduperman!” (1953), una parodia de Superman publicada en la revista satírica MAD, el mejor tebeo de la historia según Moore. “Queríamos girar 180 grados a ‘Superduperman’… hacerlo dramático en lugar de cómico” (Moore, 2005). La MAD de los cincuenta fue una inspiración clave para los jóvenes de la contracultura posterior, y Moore y Gibbons pertenecen en efecto a la generación que creció durante los sesenta empapándose de aquella cultura popular, oyendo a Bob Dylan o The Who e incluso (caso de Gibbons) ilustrando alguna portada para Jethro Tull.

El planteamiento inicial de Watchmen condujo así a unos vigilantes decadentes, fetichistas, neuróticos o directamente fascistas. Aquí la obra participa del proceso típicamente posmoderno de crítica y deconstrucción de la figura heroica, en este caso de su versión superheroica. El Capitán América de Watchmen –El Comediante– es un mercenario amoral que disfruta haciendo la guerra sucia para la CIA. Superman –Dr. Manhattan– es un “Dios de sí mismo” por encima del bien y del mal, un auténtico superhombre alejado de los asuntos humanos. Batman –Búho Nocturno II– es un cuarentón frustrado e impotente sexual salvo cuando se pone el disfraz. El héroe puro que lo sacrifica todo –Rorschach– es, en el contexto realista de Watchmen, un perturbado. Y el supervillano megalómano y totalitario, el héroe que “salva” al mundo. Este fin del sueño americano que encarnaron los superhéroes clásicos está representado finalmente por un vigilante retirado, Búho Nocturno I, símbolo de la Edad de Oro del comic book (los tebeos de superhéroes que surgieron en los años cuarenta tras la estela de Superman). Este antiguo héroe, un hombre bueno que creía en los viejos valores, es ahora un jubilado solitario. Acaba linchado por una pandilla juvenil.

SUPERHÉROES Y “SUPERHÉROES”
En cierto modo, Watchmen ha sido para el cómic de superhéroes lo que El Quijote fue para las novelas de caballería. No es un auténtico tebeo de enmascarados sino más bien su crítica, su sátira intertextual, pero tampoco podría existir sin esas cinco décadas previas de género. Watchmen funciona así como un palimpsesto cuyos personajes contienen múltiples ecos de los viejos superhéroes: parte de un conocimiento profundo de esa historia para homenajearla con nostalgia, y a la vez reescribirla bajo una luz racional, crepuscular y elegíaca. Y el trabajo de deconstrucción de los dos “relojeros” británicos fue tan efectivo que pusieron punto final simbólico al género. Por supuesto, desde entonces se siguen publicando tebeos de superhéroes, pero nada ha vuelto a ser igual. Revelado “el truco de magia”, los verdaderos superhéroes –Superman, Capitán América, etc.– se han convertido lentamente en fantasmas de un pasado irrecuperable, y cuando se les ha intentado aplicar un tratamiento a lo Watchmen ha sido aún peor. Llevados a un entorno político, realista y lleno de matices, lejos del universo plano y conmovedoramente ingenuo del comic book tradicional, los superhéroes clásicos no pueden existir.

LAS ARENAS DEL TIEMPO
El tiempo y su fugacidad constituye otro tema capital en Watchmen. El capítulo IV, “Watchmaker” (“Relojero”), es uno de los más poéticos de la obra y cuenta la vida entera del Dr. Manhattan evocando su especial percepción del tiempo (o del espacio-tiempo). De modo parecido al Billy Pilgrim de Matadero Cinco de Kurt Vonnegut, el Dr. Manhattan percibe simultáneamente pasado, presente y futuro. Hace poco, Iván Pintor sugería brillantemente en un artículo para La Vanguardia que el Dr. Manhattan puede verse como metáfora de la página de cómic. Es cierto. En el cómic el tiempo se expresa a través del espacio (“espacio-tiempo”) que ocupan las viñetas: cada viñeta indica un momento distinto, pero todas están en la página delante de nuestros ojos. Sólo al leer la página concretamos el momento exacto que queremos percibir. En el mismo capítulo cuarto, una viñeta recurrente muestra la caída de las piezas de un reloj. Es 1945 y el padre del Dr. Manhattan, un relojero, tira las piezas por la ventana al enterarse del lanzamiento de la bomba atómica. El viejo orden se ve roto por la relatividad de la física moderna y la liberación del átomo en Hiroshima, como “ejemplo práctico” de la muerte de Dios.

El Dr. Manhattan encarna también el deseo científico de conocer el mecanismo del Gran Reloj del universo; su monólogo interior remite a la vieja cuestión: ¿Quién hace el mundo? ¿Existe un Gran Relojero? También alude a la causalidad y el determinismo de la física de Einstein. El conflicto de esta última con la indeterminación de la mecánica cuántica es un enigma científico aún no resuelto, al menos en nuestro mundo “real”. En el mundo de ficción de Watchmen, resulta muy significativo que quien conteste finalmente a la Gran Pregunta no sea el Dr. Manhattan, el superhombre que “sabe”, que conoce la mecánica del universo, sino Rorschach, el único héroe verdadero del tebeo: “Nosotros hacemos el mundo”. Así es.

DOCE MINUTOS PARA LA MEDIANOCHE
Al final de cada capítulo, el Reloj del Juicio Final marca un minuto más hacia las doce de la noche, arrancando desde doce minutos antes, los doce capítulos. Es sólo un ejemplo de las múltiples piruetas formales de Watchmen. Y si la adaptación al cine de Zack Snyder parece muy kitsch, es porque el argumento del tebeo lo es. Lo que hace complejo al cómic no es su argumento, tópicos reciclados de la ciencia ficción de serie B y de los propios tebeos de superhéroes, sino la forma en que está contado. Así lo han reconocido los propios autores, y fue su interés por explorar recursos narrativos lo que elevó la obra a un nuevo plano. Este aparato formal, ideado mano a mano entre Moore y Gibbons –el proceso creativo se explica en el estupendo Watching the Watchmen (Norma, 2009)–, es el que aporta la densidad, las múltiples lecturas e incluso temas subyacentes como la teoría del caos. En Watchmen hay constantes juegos de diseño, barrocas contraposiciones texto-imagen, flashbacks, patrones simétricos y fractales autosimilares, estructuras dentro de estructuras, metaficción y una continua intertextualidad . El número de citas a lo largo de la obra llega a ser agotador: poemas de William Blake, frases de Nietzsche, de Jung, películas de Tarkovski (Sacrificio, por supuesto)…

El diseño del logotipo y las portadas, obra de Gibbons, es tan distintivo como el resto del aspecto visual del cómic, empezando por su hipnótico uso de la retícula fija de viñetas, otra idea del dibujante basada, como él mismo ha contado, en los tebeos de guerra de los cincuenta que realizó el gran Harvey Kurtzman. En Watchmen existe una intención clara de producir una “obra de arte total”, e incluso en sus páginas “suena” la música: canciones de Billie Holiday, John Cale o Bob Dylan. “All Along the Watchtower” en concreto inspiró una parte crucial del argumento.

UNAS MANCHAS VACÍAS Y SIN SENTIDO
Este discurso hiperformalista que pretende contener “el mundo entero” con su multiplicidad de puntos de vista y su inabarcable complejidad llega al paroxismo en el capítulo V, de diseño completamente simétrico. Pero de todos los estratos semióticos que se superponen en la obra, el gran hallazgo a nuestro juicio es la repetición de símbolos subliminales, un recurso inspirado en los cómics que William Burroughs realizó en los setenta junto al dibujante Malcolm McNeill. Así, el famoso smiley manchado de sangre con el que se abre Watchmen –símbolo del fin de la inocencia ya aludido, entre otros significados, y que fue homenajeado por Bomb The Bass en la portada de su “Beat Dis” (1987)– deviene en un patrón visual que se repite una y otra vez hasta llegar al “cráter sonriente” de Marte durante una escena clave con el Dr. Manhattan, que EXISTE realmente… pero que los autores no descubrieron hasta la mitad de la obra, en uno de los extraños casos de serendipia que han relatado.

A base de recurrencia, el smiley, las manchas de Rorschach, la silueta de los amantes volatilizados de Hiroshima, terminan cargados de resonancia. No se dice nada en concreto y a la vez se está diciendo todo. “Dime lo que ves”, le pide el psiquiatra a Rorschach durante el test de manchas que lleva su nombre. Después de mentirle varias veces, Rorschach se sincera y le contesta. La existencia es azar. No hay patrones ni significado. Sólo el que elegimos imponer.

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DEL COMIC BOOK A LA NOVELA GRÁFICA
Una vez publicada entre 1986 y1987 en doce comic books, tebeos de grapa, Watchmen fue recopilada en un libro siguiendo los pasos de otros dos hitos del cómic americano editados en 1986: Maus, de Art Spiegelman, y Batman: El regreso del Caballero Oscuro, de Frank Miller, Klaus Janson y Lynn Varley (una reconstrucción épica del superhéroe, lo contrario a Watchmen). Las tres obras despertaron una atención mediática sin precedentes e impulsaron el fenómeno actual de la novela gráfica. Además de un enorme éxito comercial sostenido desde entonces (un millón de ejemplares vendidos en 2008), Watchmen obtuvo un Premio Hugo en 1988, y es el único cómic incluido en la lista de las mejores novelas en lengua inglesa del siglo XX según la revista Time. Su influencia también se deja sentir en la atmósfera conspiranoica y los juegos de estructuras narrativas de series televisivas como Perdidos, como han reconocido expresamente sus guionistas.

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El texto anterior lo publiqué, con algún pequeño recorte, en la revista Rockdelux, en su número de abril de 2009, con ocasión del estreno de la adaptación al cine de WATCHMEN dirigida por Zack Snyder. En este artículo quise hablar del cómic, no de la película, para explicarlo a los lectores de esta revista musical, lectores que pudieran estar o no familiarizados con el tebeo de Alan Moore y Dave Gibbons (y John Higgins). Esto es lo que salió, y ahora lo he recuperado para el blog.

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Más WATCHMEN en Con C de arte:

–20 años de WATCHMEN (serie de posts de 2007)
–Entrevista a Dave Gibbons de Mark Salisbury

CRUZANDO LA FRONTERA

2011-10-12T18:00:00.002+02:00

BATMAN: HOLY TERROR

2011-10-11T19:42:00.004+02:00

Éste sí era Batman. Pero no era Miller. Un Else Worlds de DC de 1991, por Alan Brennert y Norm Breyfogle.

MEDIO IMPRESO (II)

2011-10-10T08:12:00.002+02:00

«El cómic es un medio impreso. Y ahora también es un medio digital. Lo que no es, es un medio directo, como el dibujo o la pintura: no hay un cómic "original" que leer. Las páginas que tienen la tinta encima tal vez sean bellas a la vista y tal vez nos ofrezcan mucha información a los fans y los investigadores, pero la mayoría de la gente estará de acuerdo en que no son realmente un cómic hasta que no se reproducen».

Jessica Abel y Matt Madden, 2011; más citas recientes en Mandorla

SE PODÍA CONTAR CON ELLOS

2011-10-10T08:08:00.005+02:00

"Milt Caniff solía hablar de lo buenos que eran los grabadores del News Tribune Syndicate y de cómo podía contar con ellos para conseguir efectos sutiles de color en la página impresa. Ésta es Burma en una viñeta de mayo de 1941 de la página dominical de Terry y los piratas".

La viñeta puede verse en el blog del que he traducido la frase, Eddie Campbell's

TINTÍN EN EL (RETRO)CONGO

2011-10-09T13:14:00.003+02:00

Manuel Darias opina hoy sobre el tema en Diario de avisos, además de dar tres noticias breves

OTRO ENFOQUE

2011-10-09T09:50:00.007+02:00

«Jesús está muerto. Su espíritu se ha extinguido, como el de Mozart y Einstein. Su cuerpo no se alzó desde la tumba. Esto me lleva de nuevo al comienzo de este libro y a mi pregunta de qué queda del cristianismo una vez que es desnudado de sus mitos. ¿Tenía razón Pablo cuando declaró "Si Cristo no se ha alzado... vuestra fe ha sido en vano"?

Si la principal premisa del cristianismo es creer en el Cristo alzado, la respuesta debería ser sí. Pero creo que deberíamos adoptar otro enfoque. Es el momento de volver atrás a la visión de Jesús del reino de Dios, que expresó en sus parábolas y en el Sermón de la montaña. Incluso aunque malinterpretara sus exorcismos y creyera erróneamente que el reino de Dios era inminente, aún así creó parábolas poderosas e ideó un código ético nuevo. Si algo puede considerarse un milagro, es este hecho paradójico: que su visión errónea de la realidad condujo al renacimiento ético más significativo de los últimos dos mil años.

La utopía de un comportamiento humano que Jesús tenía en mente, sin embargo, no será impuesta en nosotros por Dios, como Jesús pensaba. Tendrá que venir de nuestro propio interior: siendo generosos hacia aquellos que son menos afortunados; dejando a un lado la mala voluntad y abrazando a aquellos que admitan sus errores; y tratando a nuestros enemigos como otros seres humanos, merecedores de nuestro respeto. ¿Son realmente nuestros enemigos? ¿Podemos comprender sus objetivos? ¿Actuaríamos del mismo modo en circunstancias similares? ¿Son terroristas, o están luchando por una causa justa?

Es tiempo de abandonar la noción de un "eje del mal". Puede que el mandato de Jesús de "ama a tus enemigos" sea pedir lo imposible, pero se podría evitar mucho antagonismo si aceptamos que nuestros enemigos tienen derecho a sus opiniones como nosotros a las nuestras. Sólo demostrando ese entendimiento podremos asegurar que el así llamado choque de civilizaciones será menos mortal de lo previsto».

Paul Verhoeven, 2008, JESUS OF NAZARETH (Seven Stories), pág. 188

PROPAGANDA

2011-10-09T00:51:00.002+02:00

De otra clase.

(gracias por el recuerdo, Juan Carlos)

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Aquí con letra de Poe:

TERROR SIN IRONÍA

2011-10-08T19:33:00.029+02:00

HOLY TERROR (Legendary) me ha parecido uno de los peores cómics de la carrera del que ha sido uno de los grandes autores del cómic americano. Si DK2 (2002) es un candidato a mi juicio para figurar entre los 3 o 4 mejores títulos de toda la producción de Frank Miller, HOLY TERROR (2011) se gana para mi gusto uno de los puestos más bajos de la cola. Durante un rato, al comienzo de esta novela gráfica, iba pasando páginas y me la imaginaba toda así, con dibujos matéricos de éstos que ahora hace, sin un argumento tangible; una historia abstracta, como abstractas son esas primeras páginas, algo tipo SÚPER PUTA (Manel Fontdevila) pero a lo Miller, para entendernos. Y pensaba "eso habría sido glorioso". Por supuesto, siempre podemos soñar cómo hubiera sido HOLY TERROR dibujado por alguien que no ha perdido el norte.

Pero no. Depués de esa magnífica abstracción dentro de un largo prólogo que incluye escena sexual sadomaso (otro motivo recurrente en el repertorio milleriano) y paisajes urbanos alucinantes (hay dibujos increíbles junto a otros cutres, son altibajos muy raros) empiezan los atentados islamistas, y claro, ya entra el "argumento" para el que fue concebido esto, y entonces de lo sublime pasamos directamente al fango. Esto viene a ser, simplificando, como un Steve Ditko soltando soflamas conceptuales en blanco y negro de las que abundan en la última parte de la producción del cocreador de Spiderman, pero con un discurso de "mata al fiel" en venganza, en contraposición a la cita de Mahoma con la que Miller abre el libro ("mata al infiel"). Y el desenlace, de nuevo con "argumento", es un sindiós de mucho cuidado. Dos superhéroes de los que nada sabemos en cuero sadomaso, matando terroristas islámicos en venganza por unos atentados masivos contra Empire City (buena elección para el nombre) y poco más. Esto es, y no a grandes rasgos, el argumento de una historia que no se ve enriquecida con otros temas, otros giros, otros matices.

Diplomacia posmoderna, según Miller

Digamos ahora que la clave principal del fracaso artístico de HOLY TERROR es justamente su absoluta falta de ironía. La ironía y la parodia era, por el contrario, la que permitía enlazar los universos alegóricos y míticos de THE DARK KNIGHT RETURNS, HARD BOILED, ELEKTRA: ASSASSIN o DK2 con la realidad contemporánea. Cuanto más irónico era Miller, más se ajustaba a nuestra visión del mundo ("posmoderna"), permitiendo así abordar el mito con una mirada adecuada a nuestra propia época. Y gracias a ese tratamiento hiperbólico e irónico, paradójicamente, más "realidad" lograba a la hora de abordar temas serios de nuestro mundo (su sátira sobre la política americana de Reagan durante la Guerra Fría de los 80, por ejemplo; el simulacro mediático del debate político y la democracia a comienzos de los 2000 en DK2, por ejemplo). La ironía era también la clave que le permitía dar una dimensión plural a sus obras, una dimensión provocadora pero ambivalente, abierta a múltiples lecturas según la cultura y mentalidad de cada lector.

Sin la ironía, HOLY TERROR, que está hecha muy en serio, no sólo ha perdido todo contacto con la realidad de la que pretende hablar, es que se convierte en un vehículo dogmático de propaganda de baja estofa. Que es lo que quiere ser, propaganda, y por eso está hecha tan en serio. Pero, claro, hay propaganda artística de calidad, y luego de las otras. En el terreno irónico, en la parodia o en la abierta sátira, Miller sabía moverse como pez en el agua para tocar temas reales de su época. En el terreno de la propaganda seria, mi impresión es la de elefante en cacharrería.

Se podría decir mucho más sobre este cómic, pero tengo una lista de reseñas pendientes de otros tebeos anteriores, tebeos mejores, españoles e internacionales, cómics que tengo ganas de reseñar en condiciones y que están antes en el montón de leídos. En cuanto pueda, que será pronto, me pondré a escribir sobre esa lista de pendientes. Y entonces, después de agotar esa lista, tal vez volveré sobre este HOLY TERROR para explicar más impresiones y ofrecer mi relato de qué le ha pasado a Frank Miller desde aproximadamente 2005 hasta hoy, y cuándo tuvo lugar el "golpe de timón" ideológico y creativo que le ha conducido a este descalabro.

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Un par de reseñas de la obra:

–En Lee más libros (de donde he sacado una de las imágenes de este post)
–Santiago García, en Mandorla

Otra más, de Russ Burlingame

LA INFANCIA RECUPERADA

2011-10-08T18:48:00.009+02:00

"Spiderman era cautivador para mí. Pasé un periodo de varios años apenas consciente del mundo real, estaba absorto con las aventuras mensuales de Spiderman y Los 4 Fantásticos".

Frank Miller, recordando su infancia en los 60 leyendo los tebeos Marvel. Entrevistado por Mark Salisbury en WRITERS ON COMICS SCRIPTWRITING (1999, Titan Books, pág. 187).

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"Personalidad. Hulk tenía actitud. Thor era el poder personificado. Reed Richards era canijo, cerebral, quizás un poquito esnob. Johnny Storm era joven, impulsivo y, sí, ardiente. Sue Storm era recatada, de voz suave, sincera. Y Ben Grimm, bien, era bruto, duro, un bloque de hormigón andante.
Les adoraba a todos, pero mi favorito era Spiderman.
Personalidad. Cada movimiento de Peter Parker le hacía tan inconfundible que en realidad no necesitaba disfraz. También, a pesar de todos sus poderes, era un poco cretino. Tenía problemas para conseguir una cita. Metía la pata de vez en cuando. Steve Ditko y Stan Lee hicieron de Spiderman mi camarada secreto. Seguí sus dificultades y tribulaciones y peleas chulas durante años. Incluso me suscribí, algo que tenías que hacer cuando no había tiendas de cómics y estabas a merced de la distribución irregular a los drugstores".

Frank Miller, en el prólogo a THE COMPLETE FRANK MILLER SPIDER-MAN (2002, Marvel, pág. 4).

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Aprovecho para enlazar un artículo de Trajano Bermúdez (Santiago García) que publicó en marzo de 1999 en la revista U, y que ha rescatado ahora en su blog, Mandorla: EL SACRIFICIO HEROICO

SUPERGODS

2011-10-08T12:42:00.000+02:00

"Los occidentales convierten la ciencia en un ídolo, para mejor adorarse a sí mismos. Creen en un espíritu científico autónomo, del cual serían simultáneamente los inventores y el producto. Sustituyen los antiguos mitos por el del progreso, en otras palabras, por el mito de una superioridad moderna propiamente infinita, el mito de una humanidad liberándose y divinizándose poco a poco por sus propios medios"

René Girard